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ROY LICHTENSTEIN
La década de los sesenta fue un periodo crucial en el desarrollo y evolución del arte
contemporáneo. y se produce la
mayor mutación en la Historia del arte contemporáneo.
El Informalismo se había convertido prácticamente en un academicismo reiterativo, razón
que marcó su declive y con él el de las diferentes tendencias de vanguardia que habían
dominado el siglo XX.
Frente a esta situación surgen diversas tendencias como respuesta:
que se entendió como una crisis de lo abstracto.
frente a la falta de expresión de la abstracción
refleja la realidad de la nueva cultura de masas a través de sus objetos.
comprensibles y críticos frente a la falta de contenidos del
Informalismo.
Esta encrucijada de estilos, junto al definitivo traslado del foco artístico desde París a
Nueva York, hacen que la década de los sesenta sea un periodo crucial para el arte en el
que si aún se mantiene el mito de la vanguardia, comienza a despuntar la Posmodernidad
que aflorará ya en la década siguiente.
ESTEBAN VICENTE: “nº 11”, 1960 LUCIO FONTANA, “Concepto espacial”, 1962
Segundas
vanguardias:
se va perdiendo la
figuración, la
referencia a lo real.
Avance hacia el arte más
conceptual de la postmodernidad
LUCIAN FREUD: “Interior
en Paddington”,1951
ANDY WARHOL:
“”Campbell Soup”, 1969
YVES KLEIN: “Venus blue”, 1961
BRIDGET RILEY: “Fiesta”
En 1962 gana el
premio de la Bienal de Venecia con
una obra Pop Art en la que eran
evidentes su impulso renovador y
la recuperación de elementos
neodadaístas referidos al empleo
de objetos.
Bajo esto epígrafe se agrupan una serie de tendencias como el Expresionismo Abstracto, el Arte Informal, la Pintura
Sígnica y el Arte Matérico, que tanto en Europa como en América, se desarrollan entre los años cuarenta y mediados de los
sesenta. Por informal se entiende ausencia total de formas reconocibles, máxima indeterminación y dispersión. Es un arte
libre de esquemas geométricos, de líneas regulares o de colores planos en la que cuenta la expresividad del artista dentro
de la no figuración: se valora el proceso creativo tanto como el resultado, lo que lleva a la denominada Action Painting y a
la creación artística casi como un espectáculo de la actividad febril y veloz del pintor. JACKSON POLLOCK, MARC ROTHKO
Asimismo la
al representar un
gesto con los procedimientos gráficos de un
cómic, evidencia de la total falta de impulso
natural de la legión de pintores informalistas.
“De la artesanía, a la producción en serie. Con la democratización de las
máquinas, llegó una nueva forma de consumir. Estanterías repletas de cajas,
botes y bolsas que repiten el mismo patrón de colores y formas comienzan a
poblar las tiendas. Ya no importa tanto que los productos sean únicos, sino
asequibles y ampliamente disponibles. Con punto de partida las
investigaciones de Duchamp sobre las cualidades estéticas de los objetos
cotidianos (con aquel urinario que es a la vez Virgen y Buda como máxima
enseña), las vanguardias de principios del siglo XX comenzaron a partir de ahí a
atisbar lo que de sublime puede tener lo banal.”
SILVIA HERNANDO, en Infolibre
…la incorporación de un mundo de objetos de consumo para
transformarlos en imágenes con un sentido plástico sacudió al
espectador de su rutina al colocar delante de él algo con un
sentido y un significado diferente al que se le atribuía.
Roy Lichtenstein: “El refrigerador”, 1962
Fue en los Estados Unidos donde el Pop Art arraigó de una
manera especial, adquiriendo su
El movimiento no fue bien acogido en un principio por parte de la
crítica norteamericana, pues daba la sensación de que los artistas
Pop echaban por tierra los logros alcanzados en la década
anterior por los artistas del
Pero al final acabó por implantarse y conseguir llegar al público
entendido e interesar a los grandes coleccionistas y marchantes.
Las grandes ciudades americanas, con su
acumulación abigarrada de objetos, arquitectónicos o publicitarios,
con la sociedad más capitalista y consumista del mundo,
constituyeron, no sólo el telón de fondo natural de esta nueva
tendencia, sino además su más importante fuente de inspiración.
RAUSCHENBERG: “Kennedy”
JASPER JOHNS: “Mapa” 1959
ANDY WARHOL: “5 botellas
de Coca-Cola”, 1962
ROY LICHTENSTEIN: “Mujer en el baño”, 1963
GEORGE SEGAL: “Mujer
peinándose en silla verde”, 1964
CLAES OLDENBURG:
“Dropped Cone”, 2001
Tom Wesselmann: “Naturaleza
muerta n º 24” 1962
JAMES ROSENQUIST:
“Marilin Monroe I”, 1962
.
Coleccionista, galerista y marchante de arte italiano. Nació en
Trieste en 1907 y murió en Manhattan en 1999.
Hijo de un banquero húngaro, recibió una esmerada
educación y, gracias a sus continuos viajes por toda Europa,
llegó a convertirse en un joven cosmopolita, culto y políglota
introducido en los ambientes más selectos. Su pasión por el
arte le llevó a abrir su primera galería en 1936, en París.
Viajó a Nueva York en el año 1941 y cursó estudios de
postgrado en Historia Económica en la Universidad de
Columbia. Adquirió el derecho a la nacionalidad americana al
hacer el servicio militar en los Estados Unidos.
En 1956, organizó, en Nueva York, la mítica "Exposición de la
calle 9", en la que presentó a 61 artistas, aún desconocidos y
que se apartaban de los movimientos establecidos.
Hombre capaz de crear mitos, con una gran intuición para descubrir nuevos valores y con un
interés incansable por lo novedoso, se convirtió en uno de los más importantes promotores del
arte de vanguardia. Fue uno de los impulsores del expresionismo abstracto, considerado como
el primer movimiento pictórico netamente americano, pero sin duda su fama la adquirió como
"descubridor" del pop art: en 1951 descubrió a Rauschenberg y Warhol, en el 1957 a Jasper
Jons y Twonbly. Después promocionó a los minimalistas y los conceptuales. Su galería
neoyorquina, abierta en el 57, fue uno de los centros neurálgicos del arte del momento, cuando
las vanguardias artísticas se sucedían en esta ciudad que había heredado de París el
protagonismo mundial de las corrientes artísticas en la segunda mitad de siglo XX.
ROY LICHTENSTEIN
(Nueva York, 1923-1997) Fue uno de los máximos
exponentes del arte pop americano. De familia
acomodada, de Manhattan. Durante su juventud,
desarrolla un gran interés por el dibujo y pasa mucho
tiempo dibujando y construyendo maquetas de aviones.
Su educación artística comienza en 1940 cuando al
finalizar la educación secundaria se inscribe en las clases
de verano del Art Students League of New York. Continúa
su formación en la Universidad Estatal de Ohio hasta que
en 1943 se une al ejército para servir en la Segunda Guerra
Mundial.
A su vuelta trabaja como oficinista y dibujante,
agrandando para su oficial viñetas del periódico del
ejército Stars & Stripes (Estrellas y Barras). Vuelve a la
universidad y tres años más tarde obtiene una licenciatura
y un máster en Bellas Artes, en 1946 y 1949
respectivamente, entra en el programa de postgrado y es
contratado como profesor de arte.
Como pintor, escultor y grabador recibe numerosos premios internacionales y
distinciones académicas de varias universidades. La Medalla Nacional de la Artes le es
concedida en 1995. En el momento de su muerte, en 1997, a los 73 años, estaba
empezando a investigar una nueva realidad fabricada, los llamados “cuadros virtuales”.
, de la vida
cotidiana y de la cultura de masas, que sacaba de la
publicidad, los cómics y las revistas populares. A través
de estas composiciones, en apariencia sencillas,
pintadas casi exclusivamente con colores primarios,
hizo una personal crítica del mundo contemporáneo.
que había en los
papeles de envolver chicles, libremente interpretadas y
mezcladas con imágenes sacadas de los cuadros del
Viejo Oeste de otro artista estadounidense, Frederick
Remington. Son ampliaciones de los personajes de los
dibujos animados, reproducidas a mano, con la misma
técnica de puntos y los mismos colores primarios y
brillantes que se utilizan para imprimirlos. Imágenes
comerciales de producción masiva.
 Sus últimas obras, entre las que están las
de la crónica social,
muestran la influencia de Henri Matisse y Pablo Picasso. También sus esculturas
recrean los efectos de los cómics. Ha realizado obras en cerámica.
 El caracteriza la obra de Lichtenstein, como lo hizo en el trabajo de
muchos de sus contemporáneos del arte pop como Warhol.
 Variedad de técnicas: óleo, pastel, acuarela, tinta, lápiz y en estampas realizadas a
partir de grabados de madera y de lino.
 Pintura acrílica de secado rápido soluble en aguarrás llamada Magna para las
grandes superficies de sus lienzos, pero, dado que ésta se seca demasiado rápido,
sigue pintando los puntos Benday (método cercano al puntillismo) con óleo, usando
para ello unas plantillas de metal perforadas.
 Lichtenstein revierte la tendencia de la automatización en las artes visuales con su
reproducción a mano.
 Cromatismo plano y brillante. Utiliza sobre todo colores primarios: rojos estándar,
amarillos, azules. Figuras delineadas con perfiles en negro.
 Formatos grandes, ampliaciones de los personajes de los dibujos animados.
 Técnicas específicas del cómic, tales como las burbujas de diálogo.
 Cuadros abstractos, luminosos y muy empastados.
 Contraposición de tramas, superficies lisas.
 Utiliza materiales industriales como plexiglás, metal, motores, lámparas y un plástico
multi-lente llamado Rowlux, que produce un efecto de resplandor.
 Incorpora el bronce a su repertorio de materiales.
 Realiza esculturas a gran escala en latón y cristal tintado inspiradas en diseños Déco.
 Pinturas modulares con imágenes de estos mismos diseños.
Es una técnica de impresión empleada en el método de reproducción de
documentos e imágenes sobre cualquier material, y consiste en transferir una
tinta a través de una malla tensada en un marco, el paso de la tinta se bloquea en
las áreas donde no habrá imagen mediante una emulsión o barniz, quedando
libre la zona donde pasará la tinta.
El sistema de impresión es repetitivo, esto es, que una vez que el primer modelo
se ha logrado, la impresión puede ser repetida cientos y hasta miles de veces sin
perder definición.
Es la expresión artística más característica del dadaísmo, que trata de
transformar objetos de uso cotidiano en obras de arte sin modificar su
aspecto externo siendo su principal objetivo generar una sensación de
absurdo y de sorpresa tratando, de este modo, de socavar todo concepto
artístico tradicional.
Los primeros ready-made fueron ideados y realizados por Duchamp en 1913.
Extensiones de puntos que imitan las
tramas utilizadas, como una técnica de
sombreado, en el diseño gráfico y la
impresión. Utilizados por Roy Liechtenstein.
Pintura acrílica de
secado rápido soluble
en aguarrás, para las
grandes superficies.
(…) “Lichtenstein, al igual que Warhol, no había encontrado aún un estilo
con el que se sintiera cómodo y por el que fuera inmediatamente
reconocible. Hasta que llegó a los cómics en 1961. Su método consistía en
encontrar una escena de tebeo dramática, recortarla y hacer un dibujo
exacto de esta. La ampliaba proyectándola sobre un lienzo, la dibujaba de
nuevo en una escala mayor, hacía algunos ajustes compositivos y luego la
coloreaba. El resultado era un cuadro de gran formato idéntico a la
pequeña viñeta original que le había servido de modelo.
Los cómics eran un territorio muy próximo para que los artistas del pop art
llevaran a cabo sus investigaciones, lo que explica que él y Warhol, igual
que otro pintor llamado James Rosenquist, llegaran a la misma idea casi
simultáneamente. Sin embargo, la diferencia entre ellos era el método
pictórico empleado por Lichtenstein. Este imitaba el estilo gráfico, las letras
y los bocadillos de texto de los cómics y también su proceso de impresión.”
WILL GOMPERTZ: "Qué estás mirando?
“En la década de 1960, los cómics
se imprimían mediante una técnica
llamada puntos Ben-Day. Se
basaba en los mismos principios
que el puntillismo de Seurat:
puntos de color aplicados sobre
una superficie blanca que nunca se
superponían y que dejaban una
mínima superficie entre ellos. El
ojo humano percibe un
«resplandor» de color alrededor
de cada punto y opera mezclando
los puntos de diferentes colores
que los rodean, lo que suponía un
ahorro para los impresores y para
los compradores de tebeos. Si la
impresión no cubría toda la
superficie de papel, sino que solo
se entintaban puntos de color, el
coste era mucho menor.
Lichtenstein copió este método y,
al hacerlo, surgió un estilo que hizo
que sus obras fueran reconocibles
al instante.”
WILL GOMPERTZ: "Qué estás
mirando?
ROY LICHTENSTEIN: “Oh, Jeff ... Te Amo, también ... Pero ... “, 1964
Utilización de plantillas como
en la pintura industrial
Roy Lichtenstein: “Hopeless”, 1962. Acrilico
1940: retratos y naturalezas muertas en la línea de
Picasso y Braque.
Estudia en un curso con el profesor Sherman
titulado Dibujar mirando, en el que los estudiantes,
sentados en la oscuridad, deben dibujar objetos
colocados o suspendidos en medio de una habitación,
iluminados durante un solo segundo por un fogonazo
de luz. A partir de ese momento, las teorías de
Sherman sobre la “percepción organizada”
constituyen la base del trabajo de Lichtenstein.
Realiza esculturas de estilo precolombino.
En 1948 Lichtenstein forma parte de una exposición
colectiva en la Ten-Thirty Gallery de Cleveland, una
cooperativa de artistas. Allí expone cuadros de
músicos, de obreros, de un piloto de carreras y hasta
de un buzo de alta mar, pintados a partir de sencillas
formas biomórficas bien delineadas, que plasman el
estilo caprichoso e infantil de Paul Klee.
1949: personajes inspirados en cuentos de hadas a
los que rodea de una selección de flora y fauna
surrealista.
A comienzos de 1952, Lichtenstein se une al elenco de
artistas de la John Heller Gallery en Nueva York y
expone interpretaciones de destacadas obras del
siglo XIX americano. Otro motivo destacado en la
obra correspondiente a su periodo pre-Pop son los
vaqueros e indios americanos.
"The Cowboy (Red)”, 1951
Primera exposición en solitario en Nueva York, en abril de 1951 en la Carlebach Gallery.
"El final del camino”, 1951
"Washington que cruza Delaware”, 1951
En el otoño de 1957, Su obra se vuelve más abstracta y expresionista.
En 1958 se pueden descifrar imágenes de Mickey Mouse, el Pato Donald y Bugs Bunny ocultas en
algunos de sus trabajos.
1959: Sus cuadros abstractos, luminosos y muy empastados, se exhiben en la Riley Gallery de Nueva York.
"Perseguido por los indios americanos”, 1952
A comienzos de 1952,
Lichtenstein se une al
elenco de artistas de
la John Heller Gallery
en Nueva York y
expone
interpretaciones de
destacadas obras del
siglo XIX americano.
Otro motivo
destacado en la obra
correspondiente a su
periodo pre-Pop son
los vaqueros e indios
americanos.
En el otoño de 1957, Su obra se vuelve más abstracta y expresionista.
En 1958 se pueden descifrar imágenes de Mickey Mouse, el Pato Donald y Bugs Bunny ocultas en
algunos de sus trabajos.
1959: Sus cuadros abstractos, luminosos y muy empastados, se exhiben en la Riley Gallery de Nueva York.
 Comienza una serie con cabezas realizadas en
cerámica y con platos y tazas apilados. Pinta
grandes óleos a base de gigantescas pinceladas
que cruzan el lienzo.
 Crea paisajes terrestres y marinas utilizando
materiales industriales como plexiglás, metal,
motores, lámparas y un plástico multi-lente
llamado Rowlux, que produce un efecto de
resplandor. Comienza su serie sobre pintura
moderna inspirada en los motivos Art Déco del
Radio City Music Hall del Rockefeller Center en
Manhattan e introduce en su trabajo el efecto
de graduación de los puntos Benday.
 Crea su primera serie de esculturas a gran
escala en latón y cristal tintado inspiradas en
diseños Déco. Poco después llegarán las
pinturas modulares con imágenes de estos
mismos diseños.
 Introduce el tema de los almiares y de la
catedral de Rouen vista a distintas horas del
día. inspirado por las series de cuadros de
Claude Monet,
 Realiza su primera y última película para el
programa Arte y Tecnología de Los Ángeles
County Museum of Art.
 Su serie más famosa apareció en la década
de 1960, cuando presentó una conjunto de
piezas que partían de imágenes tomadas del
mundo del cómic, presentadas en formatos
grandes sobre una trama tipográfica de
puntos, sobre fondo blanco. Su intención era
despojarlas de toda intencionalidad y
reducirlas a meros elementos decorativos, a
lo que contribuía la restricción de colores,
reducidos a amarillo, rojo y azul, perfilados
por gruesas líneas negras.
 A principios del verano de 1961 pinta Look
Mickey, su primer trabajo clásico con una
viñeta, en el que emplea un efecto de media
tonalidad con los puntos *Benday que
obtiene sumergiendo un pincel de pelo de
perro en pintura de óleo. Ese otoño Leo
Castelli acepta representar las obras de
Lichtenstein y las ventas pronto se disparan.
Lichtenstein buscaba la imagen clara y contundente
que el espectador pudiera reconocer al instante.
Roy Lichtenstein: ”Look Mickey”, 1961
"Popeye”, 1961
"Lavadora“, 1961
Roy Lichtenstein: “Keds”, 1961
Roy Lichtenstein: “Neumático” , 1962
Lichtenstein elevaba a los altares el objeto, le otorgaba el
don de la individualidad y lo transformaba en abstracto.
Roy Lichtenstein:“Golf ball”, 1962
“Ovillo de cordel”, 1963“Lupa”, 1963
"Spray“, 1962
“El anillo (Compromiso)”, 1962
“Art“, 1962
“Para Lichtenstein era casi imposible observar el arte con la reverencia que le otorgaba la clase media
educada. El aura que lo envolvía era como un globo de aire caliente que Lichtenstein no podía evitar
pinchar. El cuadro de gran tamaño “Art” era un signo para ser colgado en la pared que implicaba que su
propietario era un coleccionista, una persona cultivada. ¿En qué se había convertido el arte, sino en una
mercancía, un símbolo de la clase coleccionista?... (…) el arte merecía que se lo pusiera de nuevo en
contacto con la realidad en forma de cultura popular.” JANIS HENDRICKSON
Roy Lichtenstein: “Girl with ball”, 1961 Roy Lichtenstein: “El refrigerador”, 1962
Contornos negros con una paleta que se reducía al blanco,
el negro y los colores primarios (amarillo, rojo y azul).
En febrero de 1962, Leo Castelli exhibe los cuadros de
Lichtenstein en una exposición monográfica de obras basadas
en las series de tiras de cómics e imágenes publicitarias
rudimentarias de la prensa. A lo largo de ese año, el trabajo
pop de Lichtenstein se muestra en seis grandes exposiciones
por todo el país. Sus obras son expuestas junto a las de otros
artistas pop como Andy Warhol y Jasper Johns en Leo Castelli
Gallery, donde en 1962 todas las obras de su exposición
individual se venden anticipadamente antes de la
inauguración. La influencia de los coleccionistas pesa más que
la de aquellos críticos que consideran sus representaciones de
objetos cotidianos y viñetas de comic vacías y vulgares. Las
series de lienzos basadas en viñetas de mujeres de DC Comics
e imágenes de explosiones lo posicionan como uno de los
artistas Pop Art más reconocidos en la escena internacional.
ROY LICHTENSTEIN
En los cuadros-viñeta que
lo hicieron popular, la
acción se sitúa fuera del
lienzo y lo que captura el
pintor es un momento sin
principio ni final,
coronado con una frase
enigmática dentro de un
bocadillo. Siempre
consideró la composición
como uno de los pilares
fundamentales de un
cuadro. La contraposición
de las tramas, las
superficies lisas y las
burbujas buscaban ser un
collage de texturas.
Roi Lichtenstein: “Masterpiece”, 1962
Roy Lichtenstein: ”El beso”, 1962
El beso fue una de las
primeras pinturas de
"tiras de cómic" por las
que Roy Lichtenstein se
convirtió famoso en los
círculos artísticos.
Roy Lichtenstein: ” Eddie Diptych”, 1962
“Mujer en el baño”, 1963
1963: comienza una serie
sobre mujeres de
programas televisivos y
motivos bélicos de la
Segunda Guerra Mundial
que había encontrado en
las páginas de D. C. Comics.
Con un proyector opaco
amplía en sus lienzos los
bocetos realizados con
lápices de colores y
comienza a usar una
pintura acrílica de secado
rápido soluble en aguarrás
llamada Magna para las
grandes superficies de sus
lienzos, pero, dado que
ésta se seca demasiado
rápido, sigue pintando los
puntos Benday con óleo,
usando para ello unas
pantallas de metal
perforadas que adquiere
en tiendas.
Una joven llora a mares en el río
de sus propias lágrimas, Se está
ahogando en sus emociones y se
ha abandonado a las fuerzas
destructoras. Brad debe haberla
herido profundamente y prefiere
la muerte antes que pedirle
ayuda.
Lichtenstein adopta una técnica
de cómic sofisticada. La cabeza
de la chica es monumental, el
cuadro tiene casi la misma
medida que una mujer alta. Yace
en el agua como si fuera una
cama, una mezcla de erotismo y
de lugar de reposo final.
La elegante ola, a modo de
almohada es una adaptación de
“La gran ola” del artista japonés
Hokusai según admitió el propio
Lichtenstein.
JANIS HENDRICKSON
Roi Lichtenstein: “Chica ahogándose”, 1963
Roy Lichtenstein: “En el coche”, 1963. Magna sobre lienzo. 76 x 101.6 cm.
En noviembre de
2005, Christie’s
vendía un lienzo (In
the car) de tamaño
medio de
Lichtenstein por
16.256.000 dólares
(12.558.600 euros).
euros).
La cantidad más alta
pagada en subasta
por una obra de uno
de los grandes
nombres del arte
pop.
La pintura muestra
a una pareja en el
interior de un
automóvil. Y está
pintada con esa
fórmula de puntos
gruesos simulando
una viñeta de cómic
que le hizo célebre.
A la sociedad y a los artistas les interesa ese enorme potencial que tiene el coche para narrar historias.
Roy Lichtenstein: “I Konw Brad”, 1963
“Pensando en él”, 1963
“Good Morning, Darling”, 1964
“Ohhh... Alright...”, 1964. Óleo y resina acrílica Magna sobre lienzo
Roy Lichtenstein: “Crying girl”, 1964.
Roy Lichtenstein: “Crying girl”, 1964.
"Girl in Mirror”, 1964
“Nos levantamos lentamente”, 1964
“El beso”, 1964
“Sleeping girl”, 1964
“Shipboard Girl”, 1965
“La melodía me persigue en mi ensueño”, 1965
“Lo que hago es forma,
mientras que la tira de
historietas no está
formada en el sentido a
que me refiero; las
historietas tienen
formas pero no se ha
hecho ningún esfuerzo
por unificarlas
intensamente.
El propósito es
diferente: se pretende
reproducir, y yo
pretendo unificar.”
Roy LICHTENSTEIN
Roy Lichtenstein: “M-Maybe” (A Girl's PiclUrc), 1965
Magna sobre tela, 152X 152cm
M-maybe”, 1965
Comenzó a transformar las fórmulas del cómic
en un lenguaje pictórico. Los contornos eran
negros, la paleta se reducía al blanco, el negro y
los colores primarios (amarillo, rojo y azul). En
1961 empezó a aplicar extensiones de puntos
que imitan las tramas de impresión o puntos
Benday (en honor a su inventor, Benjamin Day,
ilustrador y grabador). En estas primeras obras
Lichtenstein los pintó a mano, pero después
adoptó un sistema de plantillas.
Entre sus pinturas, siempre de gran formato, destaca Takka, Takka de 1962, donde se aprecia la voluntaria
exención de dramatismo mediante la homogeneidad de la malla de puntos, el cromatismo plano y brillante
y la supresión de la gestualidad en la pincelada, para representar una escena de temática siempre banal.
Roy Lichtenstein: “Blang!”, 1962
Roy Lichtenstein: “Blam!”, 1962
“Destacar lo absurdo de la
agresión militar es un objetivo
secundario de mis pinturas de
guerra. Personalmente opino que
gran parte de nuestra política
exterior ha sido increíblemente
aterradora, pero no es de eso de
lo que trata mi obra, y no tengo
intención de sacar provecho de
esta pura postura popular. Mi
obra trata más bien de la
definición americana de las
imágenes y de la comunicación
visual” ROY LICHTENSTEIN
“Whaam”, 1963, pintura acrílica sobre lienzo.
“Whaam!”, 1963.
“As I opened fire”, 1964
“Torpedo...LOS!”, 1963
"Científico loco“, 1963
Trigger Finger”, 1963
“Pistola”, 1964“Lightning Bolt”, 1966
Roy Lichtenstein:“Foot and Hand”, 1964
ROY LICHTENSTEIN: “Explosión nº 1”, 1965
“Sweet Dreams Baby!”, 1965
“Grrrrrrrr!!” 1965
“Head blu shadow”, 1964 “Head red shadow”, 1964 “Head black shadow”, 1965
“Ceramic sculpture”, 1965
“Ceramic sculpture”, 1965
“Ceramic sculpture, nº 10”, 1965
“Templo de Apolo”, 1964
El templo griego como símbolo de una atracción turística estereotipada.
“Templo de Apolo”, 1964
"Paisaje ártico“, 1964
En 1964, Lichtenstein retoma las imágenes inventadas con una serie de
paisajes de horizonte compuestos principalmente de puntos Benday.
“Paisaje marino”, 1964
"Paisaje“, 1964
Se dejó influir en los sesenta, setenta, los ochenta y los noventa por el cubismo, el expresionismo y
el surrealismo. La abstracción comenzó con ejemplos como Landscape with column (1965) o Yellow
sky (1966). Continuó con las pinturas tipo mural de Figures in landscape (1977) y lo acompañó hasta
el final de su vida con paisajes minimalistas, de influencia japonesa, como Landscape in fog (1996).
"Ruinas”, 1965
“Sunrise”, 1965
ROY LICHTENSTEIN: “Paisaje”, 1966
“Pintura moderna con Sun Rays”, 1967 Petróleo y Magna sobre lienzo 122,3 x 172,7 cm
“Still life after Picasso”, 1964
”Paris Review Poster”, 1966
“Con su serie de pinturas sobre “Brushtrokes” (Pinceladas), Lichtenstein ironizaba acerca del culto exagerado que
la pincelada recibía en el expresionismo abstracto, como por ejemplo en los cuadros de Jackson Pollock y otros
artistas, aunque al mismo tiempo minaba el fundamento de la visión que el arte moderno tiene de si mismo,
basado en la originalidad artística y en el carácter único, por principio, de cada obra de arte. Lichtenstein aisló la
pincelada del contexto pictórico, la amplió y aumentó por medio de la proyección, y reprodujo el resultado en el
lenguaje estandarizado del cómic, especializado en la producción impresa en masa. “Pincelada amarilla y verde”
muestra dos garabatos superpuestos realizados con un pincel, junto con algunas salpicaduras de color…
“Pinceladas amarilla y verde”, 1966
“Pequeña gran pintura”, 1965
… Pero por muy
sencilla que pueda
parecer la
configuración del
cuadro, presenta una
complicada
estructura. El primer
ejemplo para la serie
procedía de un dibujo
del cómic, pero las
demás variaciones
son resultado del
penoso proceso de
pruebas y ensayos
llevado a cabo hasta
hallar la forma
deseada.. Lo que,
gracias a su admirable
dinámica se presenta
como una
constelación
espontánea,
prácticamente casual,
es el producto de un
complicado proceso
mecanizado.” KLAUS
HONNEF: “Pop Art”
“Gran pintura N º 6”, 1965
“Si las obras de Pollock o Rothko versaban sobre la existencia y los sentimientos, las de Lichtenstein y
Warhol se centraban en el aspecto material, y de paso eliminaban toda huella de sí mismos.
Lichtenstein incluso pintó un cuadro titulado Brochazo (Brushtroke, 1965) en el que parodiaba el
expresionismo abstracto y convertía el símbolo de la expresión personal (un gran brochazo gestual) en
un objeto impersonal y producido en serie.” WILL GOMPERTZ: "Qué estás mirando?
“Brushtroke ”, 1965
“ Red Painting ”, 1965
“ Yellow and red brushstrokes ”, 1966
“Brushstrokes”, 1965. Petróleo y magna sobre lienzo. 122 x 122 cm
“Preparación”, 1968
“Pirámides”, 1968
“Pirámides”, 1969
CATEDRAL N º 6, DE LA SERIE CATEDRAL, 1969SERIE CATEDRAL Nº 4, 1969
Lichtenstein se
apropia de
géneros
existentes. En
sus obras se
aprecia su
predilección por
Picasso y
experimentará
con el cubismo,
pero también
con el
surrealismo,
futurismo y
expresionismo,
cogerá un
Picasso, un
Mondrain, las
catedrales de
Monet, el Jinete
Rojo de Carrá, y
los adaptará al
lenguaje del
cómic.
SERIE CATEDRAL Nº 5, 1960
MONET, CLAUDE, CATEDRAL DE ROUEN, 1894
"Granero rojo II“, 1969
“Espejo # 4”, 1970 “Espejo”, 1972
Espejos y entablamentos son motivos centrales
en sus trabajos de la década de 1970
“Espejo de Seis Paneles # 2”, 1970
Estos espejos
muestran un nivel
de abstracción tal
que si no fuera por
el título serían
difícilmente
reconocibles para
el espectador.
“Espejo de Seis Paneles # 3”, 1970
Los espejos
dan al artista
la oportunidad
de convertir
algo tan
inmaterial
como la luz en
una presencia
definida.
“Entablamento”, 1975
Los entablamentos están dibujados con las sombras que dan ellos mismos. Al igual que en
los espejos el juego de luz es esencial. El aspecto que más interesaba a la sensibilidad de
Liechtenstein era la repetición mecánica de elementos carentes de emoción.
"Uvas azules”, 1972
“Vidrio y limón en un espejo”, 1974
1971: deja Manhattan y decide irse a vivir y trabajar a Southampton, en la punta este de
Long Island. Lichtenstein toma prestados algunos temas de maestros modernos y pasa los
años siguientes creando naturalezas muertas que sintetizan su estilo propio y el de los
maestros. También empieza a experimentar con nuevos colores y texturas en sus cuadros.
Roy Lichtenstein: “Still Life with Goldfish Bowl”, 1972 “Naturaleza muerta con peces de colores”, 1974
“Plátanos y pomelo # 1”, 1972 “Cristal IV”, 1977
“Estudio de artista, Mira Mickey “, 1973
“Estudio del artista - La danza“, 1974
ROY LICHTENSTEIN: “Estudio del artista - La danza“, 1974
MATISSE: “La danza”, 1909
Roy Lichtenstein
Joven con lágrima III, 1977
"Desnuda en la playa“, 1977
"Reclining Bather“, 1977
"Figuras con la puesta del sol“, 1978
Al final de la década, sus bocetos de Naturalezas muertas, Cabezas y Paisajes han recorrido
todo el espectro estilístico, desde el cubismo al surrealismo y al expresionismo alemán.
Roy Lichtenstein: “Figures in landscape”, 1977
Se fue distanciando poco a poco de la realidad, creando un mundo artificial que lo devolvía
progresivamente a la abstracción. Se suele atribuir una presunta frialdad a las obras de
Lichtenstein, por la meticulosidad del diseño y las composiciones limpias, casi mecánicas.
“Naturaleza muerta con expediente”, 1976“Autorretrato”, 1978
“El jinete rojo”, 1974
Carra pretendía comunicar el
patetismo, la velocidad y el
heroísmo, el olor del sudor
humano y animal y el retumbar
de cascos galopantes.
Para Carrá el protagonismo lo
da el jinete con sus patas y el
lomo de caballo, mientras que
Lichtenstein integra toda la
imagen con cierta igualdad.
Carrá: “El Jinete Rojo”, 1913
Versión de “El Jinete Rojo” de Carrá de
1913, adaptado al lenguaje del cómic.
“El jinete rojo”, 1974
Tanto la superficie del
caballo como la del jinete
con su unidad estructural.
La sombra en estas
unidades da el volumen y
profundidad.
La cabeza del caballo tiene
una apariencia mecánica;
el pie desnudo del jinete
con una forma circular
evoca el pedal de una
bicicleta.
Los perfiles vibrantes
comunican movimiento
en el tiempo.
Lichtenstein conservó su selección cromática con sombras de rojo, amarillo y azul. Aplicó colores
primarios puros, descomponiéndolos en puntos bendéi para conseguir medios tonos. Consigue el
volumen graduando el tamaño de los puntos bendéi. Aunque no logra la sensación de superficie plana.
Para Carrá el protagonismo lo da el jinete con sus patas y el lomo de caballo, mientras que
Lichtenstein integra toda la imagen con cierta igualdad.
En los ochenta decide reinstalar su
estudio en Manhattan. Se centra
entonces en las líneas del estilo
abstracto. En su indagación del
expresionismo abstracto yuxtapone
pinceladas desestructuradas junto a
réplicas firmadas de sus pinceladas.
A principios de 1985, la abstracción
geométrica es objeto de una atención
semejante en sus series Perfecto,
Imperfecto y Plus y Minus.
Al final de la década, la reflexión es el
tema predominante en su trabajo.
Reconfigura algunos de los motivos, de
su repertorio Pop con un formato de
composición nuevo y audaz.
“Expressionist head“, 1980
Roy Lichtenstein: “Tema Indígena Americano”, 1980
Grabado en madera, impreso en color
“Paisaje con figuras y arco iris”, 1980
“figura femenina”, 1980
“Paisaje con figuras y el sol”, 1980
"Pintura Perfect # 1“, 1985
"Cielo y agua”, 1985
Roy Lichtenstein: “Reflexiones de Arte”, 1988
Roy Lichtenstein: “Bauhaus stairway”, 1989
La Bauhaus es un referente para cualquier diseñador
Oskar Schlemmer: “Bauhaus Stairway“, 1932
"Mural Telaviv“, 1989
En los noventa,
series con
vistas
interiores de
casas sacadas
de los
pequeños
anuncios de las
páginas
amarillas.
Siguen
presentes el
trabajo y las
indagaciones
de Lichtenstein
sobre el
ilusionismo, la
abstracción, la
serialización, la
estilización .
“Interior con espejo de pared”, 1991
“Interior con espejo de pared”, 1991
"Interior con el móvil“, 1992
"Dormitorio en Arles“, 1992
“Desnudos con balón de playa”, 1994
“Chica con pirámide”, 1994
“Paisaje en la niebla”, 1996
TIMES STATION SQUARE, la calle 42 del metro estrena TIMES SQUARE MURAL
EN 2002 (Collage 1990, hecho en 1.994) esmalte de porcelana en la pared
TIMES SQUARE MURAL captura el espíritu del metro, su
movimiento lineal y la energía dinámica. Con un guiño tanto
al pasado como al futuro -su imagen central es un coche con
forma de bala futurista.
Es Times Square, en el corazón de la ciudad de Nueva York.
Roy Lichtenstein:
“La Cara de Barcelona”, 1991-92
En esta década de los 90,
finaliza una serie de proyectos
escultóricos y pictóricos a gran
escala que le habían sido
encargados desde los sectores
público y privado.
“Brushstroke” 1996. Aluminio y pintura
Brushstroke (Pincelada) es una escultura
monumental que trata el tema del oficio de pintor,
como el título indica, vinculada a la pintura que
Lichtenstein realizó en 1965 en referencia al Action
Painting a través de «citas» de la pincelada gestual
que caracteriza al expresionismo abstracto.
A partir de los años ochenta, Lichtenstein adapta la
temática del brochazo a las tres dimensiones
mediante maquetas, esculturas de medio tamaño y
formatos monumentales.
Mediante esta obra, erige un gran signo plástico que
parodia, de forma irónica, un estilo pictórico
caracterizado por la introspección, el subjetivismo y
el gesto personal y espontáneo del pintor. En la
escultura monumental este gesto queda desnudado,
mecanizado y reducido a su mínima expresión como
signo. Por otro lado, la obra documenta la tendencia
monocroma, en contraste con el cromatismo
asociado al arte pop, del último período productivo
del artista.
Brushstroke fue instalada en el patio del edificio
diseñado por Jean Nouvel para la ampliación del
Museo Reina Sofía con motivo de la exposición Roy
Lichtenstein. All About Art que tuvo lugar en 2004.
MUSEO REINA SOFÍA
“Fue el artista pop de más edad y, junto con Warhol, también uno de los más
influyentes. Su enfoque afectó al pensamiento visual de la corriente central y de la
subcultura de su propio país, de Europa, e incluso, en algunos casos, del Próximo y
Lejano Oriente. Una simple mirada a las carteleras de la mayoría de ciudades o a los
escaparates de sus tiendas, supermercados, drugstores o incluso bancos será
suficiente para entenderlo.
Básicamente, su proceso
de conversión siguió el mismo curso que cuando Picasso y Mondrian fueron
trivializados y se introdujeron en los niveles populares, en el diseño de interiores,
en la publicidad o en patrones para vestidos. Pero la realimentación de un estilo
cuyo tema principal ya era lo banal o mundano fue mucho más evidente que la
influencia subliminal de Mondrian o el grupo de De Stijl.
Lichtenstein contribuyó tanto como Warhol a este efecto de realimentación.
Monumentalizó las tiras de historietas y, con la mezcla de fascinación e ironía tan
típica del pop art, dió a los héroes y heroínas de los cómics la misma dignidad visual
que su gran ídolo, Léger, había proporcionado al mundo de los obreros anónimos.
Sin embargo, Lichtenstein también pagó su tributo al arte elevado, utilizando
adornos míticos de los iconos sublimes y sagrados de la cultura occidental, desde el
templo griego hasta la Catedral de Rouen de Monet, desde Picasso a Mondrian
hasta las pinceladas del expresionismo abstracto, disolviéndolos en los patrones de
puntos estériles de los métodos de la pintura comercial.”
KARL RUHRBERG: “Arte del siglo XX”. Pintura. Taschen
ROY LICHTENSTEIN
FUENTES
JANIS HENDRICKSON: “Lichtenstein”. Edit. Taschen
TIRMAN OSTERWOLD: “POP ART”. Edit. Taschen
NIKOS STANGOS: “Conceptos de arte moderno: Del Fauvismo al posmodernismo”
JUAN F. RUIZ (revista MEMORIA)
KLAUS HONNEF: “Pop Art”. Taschen
JON THOMPSON: "Cómo leer la pintura moderna“ Edit. Electa
RUHRBERG, SCHNECKENBURGER, FRICKE, HONNEF: “Arte del siglo XX”. Edit. Taschen
WILL GOMPERTZ: "Qué estás mirando?...Edit. Taurus
FLAMINIO GALDONI: “ART. Todos los movimientos del siglo XX” Edit. Skira
STEPHEN FARTHING: “ARTE. TODA LA HISTORIA”. Edit. Blum
KARL RUHRBERG: “Arte del siglo XX”. Pintura. Taschen
BIBLIOGRAFÍA
http://www.wikiart.org/es/Artists-by-Art-Movement/pop-art
http://www.artchive.com/artchive/pop_art.html
http://web.archive.org/web/20081013145630/http://popartmachine.com/masters/
http://cultura.elpais.com/cultura/2014/06/06/actualidad/1402077242_412634.html
http://www.wikiart.org/es/Artists-by-Art-Movement/pop-art
http://www.epdlp.com/pintor.php?id=6565
http://cultura.elpais.com/cultura/2014/06/06/actualidad/1402076484_159992.html
http://elpais.com/diario/2011/12/30/cultura/1325199601_850215.html

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ROY LICHTENSTEIN

  • 2. La década de los sesenta fue un periodo crucial en el desarrollo y evolución del arte contemporáneo. y se produce la mayor mutación en la Historia del arte contemporáneo. El Informalismo se había convertido prácticamente en un academicismo reiterativo, razón que marcó su declive y con él el de las diferentes tendencias de vanguardia que habían dominado el siglo XX. Frente a esta situación surgen diversas tendencias como respuesta: que se entendió como una crisis de lo abstracto. frente a la falta de expresión de la abstracción refleja la realidad de la nueva cultura de masas a través de sus objetos. comprensibles y críticos frente a la falta de contenidos del Informalismo. Esta encrucijada de estilos, junto al definitivo traslado del foco artístico desde París a Nueva York, hacen que la década de los sesenta sea un periodo crucial para el arte en el que si aún se mantiene el mito de la vanguardia, comienza a despuntar la Posmodernidad que aflorará ya en la década siguiente.
  • 3. ESTEBAN VICENTE: “nº 11”, 1960 LUCIO FONTANA, “Concepto espacial”, 1962 Segundas vanguardias: se va perdiendo la figuración, la referencia a lo real. Avance hacia el arte más conceptual de la postmodernidad LUCIAN FREUD: “Interior en Paddington”,1951 ANDY WARHOL: “”Campbell Soup”, 1969 YVES KLEIN: “Venus blue”, 1961 BRIDGET RILEY: “Fiesta”
  • 4. En 1962 gana el premio de la Bienal de Venecia con una obra Pop Art en la que eran evidentes su impulso renovador y la recuperación de elementos neodadaístas referidos al empleo de objetos. Bajo esto epígrafe se agrupan una serie de tendencias como el Expresionismo Abstracto, el Arte Informal, la Pintura Sígnica y el Arte Matérico, que tanto en Europa como en América, se desarrollan entre los años cuarenta y mediados de los sesenta. Por informal se entiende ausencia total de formas reconocibles, máxima indeterminación y dispersión. Es un arte libre de esquemas geométricos, de líneas regulares o de colores planos en la que cuenta la expresividad del artista dentro de la no figuración: se valora el proceso creativo tanto como el resultado, lo que lleva a la denominada Action Painting y a la creación artística casi como un espectáculo de la actividad febril y veloz del pintor. JACKSON POLLOCK, MARC ROTHKO Asimismo la al representar un gesto con los procedimientos gráficos de un cómic, evidencia de la total falta de impulso natural de la legión de pintores informalistas.
  • 5. “De la artesanía, a la producción en serie. Con la democratización de las máquinas, llegó una nueva forma de consumir. Estanterías repletas de cajas, botes y bolsas que repiten el mismo patrón de colores y formas comienzan a poblar las tiendas. Ya no importa tanto que los productos sean únicos, sino asequibles y ampliamente disponibles. Con punto de partida las investigaciones de Duchamp sobre las cualidades estéticas de los objetos cotidianos (con aquel urinario que es a la vez Virgen y Buda como máxima enseña), las vanguardias de principios del siglo XX comenzaron a partir de ahí a atisbar lo que de sublime puede tener lo banal.” SILVIA HERNANDO, en Infolibre
  • 6. …la incorporación de un mundo de objetos de consumo para transformarlos en imágenes con un sentido plástico sacudió al espectador de su rutina al colocar delante de él algo con un sentido y un significado diferente al que se le atribuía. Roy Lichtenstein: “El refrigerador”, 1962
  • 7. Fue en los Estados Unidos donde el Pop Art arraigó de una manera especial, adquiriendo su El movimiento no fue bien acogido en un principio por parte de la crítica norteamericana, pues daba la sensación de que los artistas Pop echaban por tierra los logros alcanzados en la década anterior por los artistas del Pero al final acabó por implantarse y conseguir llegar al público entendido e interesar a los grandes coleccionistas y marchantes. Las grandes ciudades americanas, con su acumulación abigarrada de objetos, arquitectónicos o publicitarios, con la sociedad más capitalista y consumista del mundo, constituyeron, no sólo el telón de fondo natural de esta nueva tendencia, sino además su más importante fuente de inspiración.
  • 8. RAUSCHENBERG: “Kennedy” JASPER JOHNS: “Mapa” 1959 ANDY WARHOL: “5 botellas de Coca-Cola”, 1962 ROY LICHTENSTEIN: “Mujer en el baño”, 1963 GEORGE SEGAL: “Mujer peinándose en silla verde”, 1964 CLAES OLDENBURG: “Dropped Cone”, 2001 Tom Wesselmann: “Naturaleza muerta n º 24” 1962 JAMES ROSENQUIST: “Marilin Monroe I”, 1962
  • 9. . Coleccionista, galerista y marchante de arte italiano. Nació en Trieste en 1907 y murió en Manhattan en 1999. Hijo de un banquero húngaro, recibió una esmerada educación y, gracias a sus continuos viajes por toda Europa, llegó a convertirse en un joven cosmopolita, culto y políglota introducido en los ambientes más selectos. Su pasión por el arte le llevó a abrir su primera galería en 1936, en París. Viajó a Nueva York en el año 1941 y cursó estudios de postgrado en Historia Económica en la Universidad de Columbia. Adquirió el derecho a la nacionalidad americana al hacer el servicio militar en los Estados Unidos. En 1956, organizó, en Nueva York, la mítica "Exposición de la calle 9", en la que presentó a 61 artistas, aún desconocidos y que se apartaban de los movimientos establecidos. Hombre capaz de crear mitos, con una gran intuición para descubrir nuevos valores y con un interés incansable por lo novedoso, se convirtió en uno de los más importantes promotores del arte de vanguardia. Fue uno de los impulsores del expresionismo abstracto, considerado como el primer movimiento pictórico netamente americano, pero sin duda su fama la adquirió como "descubridor" del pop art: en 1951 descubrió a Rauschenberg y Warhol, en el 1957 a Jasper Jons y Twonbly. Después promocionó a los minimalistas y los conceptuales. Su galería neoyorquina, abierta en el 57, fue uno de los centros neurálgicos del arte del momento, cuando las vanguardias artísticas se sucedían en esta ciudad que había heredado de París el protagonismo mundial de las corrientes artísticas en la segunda mitad de siglo XX.
  • 11. (Nueva York, 1923-1997) Fue uno de los máximos exponentes del arte pop americano. De familia acomodada, de Manhattan. Durante su juventud, desarrolla un gran interés por el dibujo y pasa mucho tiempo dibujando y construyendo maquetas de aviones. Su educación artística comienza en 1940 cuando al finalizar la educación secundaria se inscribe en las clases de verano del Art Students League of New York. Continúa su formación en la Universidad Estatal de Ohio hasta que en 1943 se une al ejército para servir en la Segunda Guerra Mundial. A su vuelta trabaja como oficinista y dibujante, agrandando para su oficial viñetas del periódico del ejército Stars & Stripes (Estrellas y Barras). Vuelve a la universidad y tres años más tarde obtiene una licenciatura y un máster en Bellas Artes, en 1946 y 1949 respectivamente, entra en el programa de postgrado y es contratado como profesor de arte. Como pintor, escultor y grabador recibe numerosos premios internacionales y distinciones académicas de varias universidades. La Medalla Nacional de la Artes le es concedida en 1995. En el momento de su muerte, en 1997, a los 73 años, estaba empezando a investigar una nueva realidad fabricada, los llamados “cuadros virtuales”.
  • 12. , de la vida cotidiana y de la cultura de masas, que sacaba de la publicidad, los cómics y las revistas populares. A través de estas composiciones, en apariencia sencillas, pintadas casi exclusivamente con colores primarios, hizo una personal crítica del mundo contemporáneo. que había en los papeles de envolver chicles, libremente interpretadas y mezcladas con imágenes sacadas de los cuadros del Viejo Oeste de otro artista estadounidense, Frederick Remington. Son ampliaciones de los personajes de los dibujos animados, reproducidas a mano, con la misma técnica de puntos y los mismos colores primarios y brillantes que se utilizan para imprimirlos. Imágenes comerciales de producción masiva.  Sus últimas obras, entre las que están las de la crónica social, muestran la influencia de Henri Matisse y Pablo Picasso. También sus esculturas recrean los efectos de los cómics. Ha realizado obras en cerámica.  El caracteriza la obra de Lichtenstein, como lo hizo en el trabajo de muchos de sus contemporáneos del arte pop como Warhol.
  • 13.  Variedad de técnicas: óleo, pastel, acuarela, tinta, lápiz y en estampas realizadas a partir de grabados de madera y de lino.  Pintura acrílica de secado rápido soluble en aguarrás llamada Magna para las grandes superficies de sus lienzos, pero, dado que ésta se seca demasiado rápido, sigue pintando los puntos Benday (método cercano al puntillismo) con óleo, usando para ello unas plantillas de metal perforadas.  Lichtenstein revierte la tendencia de la automatización en las artes visuales con su reproducción a mano.  Cromatismo plano y brillante. Utiliza sobre todo colores primarios: rojos estándar, amarillos, azules. Figuras delineadas con perfiles en negro.  Formatos grandes, ampliaciones de los personajes de los dibujos animados.  Técnicas específicas del cómic, tales como las burbujas de diálogo.  Cuadros abstractos, luminosos y muy empastados.  Contraposición de tramas, superficies lisas.  Utiliza materiales industriales como plexiglás, metal, motores, lámparas y un plástico multi-lente llamado Rowlux, que produce un efecto de resplandor.  Incorpora el bronce a su repertorio de materiales.  Realiza esculturas a gran escala en latón y cristal tintado inspiradas en diseños Déco.  Pinturas modulares con imágenes de estos mismos diseños.
  • 14. Es una técnica de impresión empleada en el método de reproducción de documentos e imágenes sobre cualquier material, y consiste en transferir una tinta a través de una malla tensada en un marco, el paso de la tinta se bloquea en las áreas donde no habrá imagen mediante una emulsión o barniz, quedando libre la zona donde pasará la tinta. El sistema de impresión es repetitivo, esto es, que una vez que el primer modelo se ha logrado, la impresión puede ser repetida cientos y hasta miles de veces sin perder definición. Es la expresión artística más característica del dadaísmo, que trata de transformar objetos de uso cotidiano en obras de arte sin modificar su aspecto externo siendo su principal objetivo generar una sensación de absurdo y de sorpresa tratando, de este modo, de socavar todo concepto artístico tradicional. Los primeros ready-made fueron ideados y realizados por Duchamp en 1913. Extensiones de puntos que imitan las tramas utilizadas, como una técnica de sombreado, en el diseño gráfico y la impresión. Utilizados por Roy Liechtenstein. Pintura acrílica de secado rápido soluble en aguarrás, para las grandes superficies.
  • 15. (…) “Lichtenstein, al igual que Warhol, no había encontrado aún un estilo con el que se sintiera cómodo y por el que fuera inmediatamente reconocible. Hasta que llegó a los cómics en 1961. Su método consistía en encontrar una escena de tebeo dramática, recortarla y hacer un dibujo exacto de esta. La ampliaba proyectándola sobre un lienzo, la dibujaba de nuevo en una escala mayor, hacía algunos ajustes compositivos y luego la coloreaba. El resultado era un cuadro de gran formato idéntico a la pequeña viñeta original que le había servido de modelo. Los cómics eran un territorio muy próximo para que los artistas del pop art llevaran a cabo sus investigaciones, lo que explica que él y Warhol, igual que otro pintor llamado James Rosenquist, llegaran a la misma idea casi simultáneamente. Sin embargo, la diferencia entre ellos era el método pictórico empleado por Lichtenstein. Este imitaba el estilo gráfico, las letras y los bocadillos de texto de los cómics y también su proceso de impresión.” WILL GOMPERTZ: "Qué estás mirando?
  • 16. “En la década de 1960, los cómics se imprimían mediante una técnica llamada puntos Ben-Day. Se basaba en los mismos principios que el puntillismo de Seurat: puntos de color aplicados sobre una superficie blanca que nunca se superponían y que dejaban una mínima superficie entre ellos. El ojo humano percibe un «resplandor» de color alrededor de cada punto y opera mezclando los puntos de diferentes colores que los rodean, lo que suponía un ahorro para los impresores y para los compradores de tebeos. Si la impresión no cubría toda la superficie de papel, sino que solo se entintaban puntos de color, el coste era mucho menor. Lichtenstein copió este método y, al hacerlo, surgió un estilo que hizo que sus obras fueran reconocibles al instante.” WILL GOMPERTZ: "Qué estás mirando? ROY LICHTENSTEIN: “Oh, Jeff ... Te Amo, también ... Pero ... “, 1964
  • 17. Utilización de plantillas como en la pintura industrial Roy Lichtenstein: “Hopeless”, 1962. Acrilico
  • 18. 1940: retratos y naturalezas muertas en la línea de Picasso y Braque. Estudia en un curso con el profesor Sherman titulado Dibujar mirando, en el que los estudiantes, sentados en la oscuridad, deben dibujar objetos colocados o suspendidos en medio de una habitación, iluminados durante un solo segundo por un fogonazo de luz. A partir de ese momento, las teorías de Sherman sobre la “percepción organizada” constituyen la base del trabajo de Lichtenstein. Realiza esculturas de estilo precolombino. En 1948 Lichtenstein forma parte de una exposición colectiva en la Ten-Thirty Gallery de Cleveland, una cooperativa de artistas. Allí expone cuadros de músicos, de obreros, de un piloto de carreras y hasta de un buzo de alta mar, pintados a partir de sencillas formas biomórficas bien delineadas, que plasman el estilo caprichoso e infantil de Paul Klee. 1949: personajes inspirados en cuentos de hadas a los que rodea de una selección de flora y fauna surrealista. A comienzos de 1952, Lichtenstein se une al elenco de artistas de la John Heller Gallery en Nueva York y expone interpretaciones de destacadas obras del siglo XIX americano. Otro motivo destacado en la obra correspondiente a su periodo pre-Pop son los vaqueros e indios americanos. "The Cowboy (Red)”, 1951
  • 19. Primera exposición en solitario en Nueva York, en abril de 1951 en la Carlebach Gallery. "El final del camino”, 1951
  • 20. "Washington que cruza Delaware”, 1951
  • 21. En el otoño de 1957, Su obra se vuelve más abstracta y expresionista. En 1958 se pueden descifrar imágenes de Mickey Mouse, el Pato Donald y Bugs Bunny ocultas en algunos de sus trabajos. 1959: Sus cuadros abstractos, luminosos y muy empastados, se exhiben en la Riley Gallery de Nueva York. "Perseguido por los indios americanos”, 1952 A comienzos de 1952, Lichtenstein se une al elenco de artistas de la John Heller Gallery en Nueva York y expone interpretaciones de destacadas obras del siglo XIX americano. Otro motivo destacado en la obra correspondiente a su periodo pre-Pop son los vaqueros e indios americanos.
  • 22. En el otoño de 1957, Su obra se vuelve más abstracta y expresionista. En 1958 se pueden descifrar imágenes de Mickey Mouse, el Pato Donald y Bugs Bunny ocultas en algunos de sus trabajos. 1959: Sus cuadros abstractos, luminosos y muy empastados, se exhiben en la Riley Gallery de Nueva York.
  • 23.  Comienza una serie con cabezas realizadas en cerámica y con platos y tazas apilados. Pinta grandes óleos a base de gigantescas pinceladas que cruzan el lienzo.  Crea paisajes terrestres y marinas utilizando materiales industriales como plexiglás, metal, motores, lámparas y un plástico multi-lente llamado Rowlux, que produce un efecto de resplandor. Comienza su serie sobre pintura moderna inspirada en los motivos Art Déco del Radio City Music Hall del Rockefeller Center en Manhattan e introduce en su trabajo el efecto de graduación de los puntos Benday.  Crea su primera serie de esculturas a gran escala en latón y cristal tintado inspiradas en diseños Déco. Poco después llegarán las pinturas modulares con imágenes de estos mismos diseños.  Introduce el tema de los almiares y de la catedral de Rouen vista a distintas horas del día. inspirado por las series de cuadros de Claude Monet,  Realiza su primera y última película para el programa Arte y Tecnología de Los Ángeles County Museum of Art.  Su serie más famosa apareció en la década de 1960, cuando presentó una conjunto de piezas que partían de imágenes tomadas del mundo del cómic, presentadas en formatos grandes sobre una trama tipográfica de puntos, sobre fondo blanco. Su intención era despojarlas de toda intencionalidad y reducirlas a meros elementos decorativos, a lo que contribuía la restricción de colores, reducidos a amarillo, rojo y azul, perfilados por gruesas líneas negras.  A principios del verano de 1961 pinta Look Mickey, su primer trabajo clásico con una viñeta, en el que emplea un efecto de media tonalidad con los puntos *Benday que obtiene sumergiendo un pincel de pelo de perro en pintura de óleo. Ese otoño Leo Castelli acepta representar las obras de Lichtenstein y las ventas pronto se disparan.
  • 24. Lichtenstein buscaba la imagen clara y contundente que el espectador pudiera reconocer al instante. Roy Lichtenstein: ”Look Mickey”, 1961
  • 27. Roy Lichtenstein: “Neumático” , 1962 Lichtenstein elevaba a los altares el objeto, le otorgaba el don de la individualidad y lo transformaba en abstracto. Roy Lichtenstein:“Golf ball”, 1962
  • 28. “Ovillo de cordel”, 1963“Lupa”, 1963
  • 31. “Art“, 1962 “Para Lichtenstein era casi imposible observar el arte con la reverencia que le otorgaba la clase media educada. El aura que lo envolvía era como un globo de aire caliente que Lichtenstein no podía evitar pinchar. El cuadro de gran tamaño “Art” era un signo para ser colgado en la pared que implicaba que su propietario era un coleccionista, una persona cultivada. ¿En qué se había convertido el arte, sino en una mercancía, un símbolo de la clase coleccionista?... (…) el arte merecía que se lo pusiera de nuevo en contacto con la realidad en forma de cultura popular.” JANIS HENDRICKSON
  • 32. Roy Lichtenstein: “Girl with ball”, 1961 Roy Lichtenstein: “El refrigerador”, 1962 Contornos negros con una paleta que se reducía al blanco, el negro y los colores primarios (amarillo, rojo y azul).
  • 33. En febrero de 1962, Leo Castelli exhibe los cuadros de Lichtenstein en una exposición monográfica de obras basadas en las series de tiras de cómics e imágenes publicitarias rudimentarias de la prensa. A lo largo de ese año, el trabajo pop de Lichtenstein se muestra en seis grandes exposiciones por todo el país. Sus obras son expuestas junto a las de otros artistas pop como Andy Warhol y Jasper Johns en Leo Castelli Gallery, donde en 1962 todas las obras de su exposición individual se venden anticipadamente antes de la inauguración. La influencia de los coleccionistas pesa más que la de aquellos críticos que consideran sus representaciones de objetos cotidianos y viñetas de comic vacías y vulgares. Las series de lienzos basadas en viñetas de mujeres de DC Comics e imágenes de explosiones lo posicionan como uno de los artistas Pop Art más reconocidos en la escena internacional.
  • 35. En los cuadros-viñeta que lo hicieron popular, la acción se sitúa fuera del lienzo y lo que captura el pintor es un momento sin principio ni final, coronado con una frase enigmática dentro de un bocadillo. Siempre consideró la composición como uno de los pilares fundamentales de un cuadro. La contraposición de las tramas, las superficies lisas y las burbujas buscaban ser un collage de texturas. Roi Lichtenstein: “Masterpiece”, 1962
  • 36. Roy Lichtenstein: ”El beso”, 1962 El beso fue una de las primeras pinturas de "tiras de cómic" por las que Roy Lichtenstein se convirtió famoso en los círculos artísticos.
  • 37. Roy Lichtenstein: ” Eddie Diptych”, 1962
  • 38. “Mujer en el baño”, 1963 1963: comienza una serie sobre mujeres de programas televisivos y motivos bélicos de la Segunda Guerra Mundial que había encontrado en las páginas de D. C. Comics. Con un proyector opaco amplía en sus lienzos los bocetos realizados con lápices de colores y comienza a usar una pintura acrílica de secado rápido soluble en aguarrás llamada Magna para las grandes superficies de sus lienzos, pero, dado que ésta se seca demasiado rápido, sigue pintando los puntos Benday con óleo, usando para ello unas pantallas de metal perforadas que adquiere en tiendas.
  • 39. Una joven llora a mares en el río de sus propias lágrimas, Se está ahogando en sus emociones y se ha abandonado a las fuerzas destructoras. Brad debe haberla herido profundamente y prefiere la muerte antes que pedirle ayuda. Lichtenstein adopta una técnica de cómic sofisticada. La cabeza de la chica es monumental, el cuadro tiene casi la misma medida que una mujer alta. Yace en el agua como si fuera una cama, una mezcla de erotismo y de lugar de reposo final. La elegante ola, a modo de almohada es una adaptación de “La gran ola” del artista japonés Hokusai según admitió el propio Lichtenstein. JANIS HENDRICKSON Roi Lichtenstein: “Chica ahogándose”, 1963
  • 40. Roy Lichtenstein: “En el coche”, 1963. Magna sobre lienzo. 76 x 101.6 cm. En noviembre de 2005, Christie’s vendía un lienzo (In the car) de tamaño medio de Lichtenstein por 16.256.000 dólares (12.558.600 euros). euros). La cantidad más alta pagada en subasta por una obra de uno de los grandes nombres del arte pop. La pintura muestra a una pareja en el interior de un automóvil. Y está pintada con esa fórmula de puntos gruesos simulando una viñeta de cómic que le hizo célebre. A la sociedad y a los artistas les interesa ese enorme potencial que tiene el coche para narrar historias.
  • 41. Roy Lichtenstein: “I Konw Brad”, 1963 “Pensando en él”, 1963
  • 43. “Ohhh... Alright...”, 1964. Óleo y resina acrílica Magna sobre lienzo
  • 44. Roy Lichtenstein: “Crying girl”, 1964.
  • 45. Roy Lichtenstein: “Crying girl”, 1964.
  • 51. “La melodía me persigue en mi ensueño”, 1965
  • 52. “Lo que hago es forma, mientras que la tira de historietas no está formada en el sentido a que me refiero; las historietas tienen formas pero no se ha hecho ningún esfuerzo por unificarlas intensamente. El propósito es diferente: se pretende reproducir, y yo pretendo unificar.” Roy LICHTENSTEIN Roy Lichtenstein: “M-Maybe” (A Girl's PiclUrc), 1965 Magna sobre tela, 152X 152cm
  • 53. M-maybe”, 1965 Comenzó a transformar las fórmulas del cómic en un lenguaje pictórico. Los contornos eran negros, la paleta se reducía al blanco, el negro y los colores primarios (amarillo, rojo y azul). En 1961 empezó a aplicar extensiones de puntos que imitan las tramas de impresión o puntos Benday (en honor a su inventor, Benjamin Day, ilustrador y grabador). En estas primeras obras Lichtenstein los pintó a mano, pero después adoptó un sistema de plantillas.
  • 54. Entre sus pinturas, siempre de gran formato, destaca Takka, Takka de 1962, donde se aprecia la voluntaria exención de dramatismo mediante la homogeneidad de la malla de puntos, el cromatismo plano y brillante y la supresión de la gestualidad en la pincelada, para representar una escena de temática siempre banal.
  • 57. “Destacar lo absurdo de la agresión militar es un objetivo secundario de mis pinturas de guerra. Personalmente opino que gran parte de nuestra política exterior ha sido increíblemente aterradora, pero no es de eso de lo que trata mi obra, y no tengo intención de sacar provecho de esta pura postura popular. Mi obra trata más bien de la definición americana de las imágenes y de la comunicación visual” ROY LICHTENSTEIN “Whaam”, 1963, pintura acrílica sobre lienzo.
  • 59. “As I opened fire”, 1964
  • 68. “Head blu shadow”, 1964 “Head red shadow”, 1964 “Head black shadow”, 1965
  • 71. “Templo de Apolo”, 1964 El templo griego como símbolo de una atracción turística estereotipada.
  • 73. "Paisaje ártico“, 1964 En 1964, Lichtenstein retoma las imágenes inventadas con una serie de paisajes de horizonte compuestos principalmente de puntos Benday.
  • 75. "Paisaje“, 1964 Se dejó influir en los sesenta, setenta, los ochenta y los noventa por el cubismo, el expresionismo y el surrealismo. La abstracción comenzó con ejemplos como Landscape with column (1965) o Yellow sky (1966). Continuó con las pinturas tipo mural de Figures in landscape (1977) y lo acompañó hasta el final de su vida con paisajes minimalistas, de influencia japonesa, como Landscape in fog (1996).
  • 79. “Pintura moderna con Sun Rays”, 1967 Petróleo y Magna sobre lienzo 122,3 x 172,7 cm
  • 80. “Still life after Picasso”, 1964 ”Paris Review Poster”, 1966
  • 81. “Con su serie de pinturas sobre “Brushtrokes” (Pinceladas), Lichtenstein ironizaba acerca del culto exagerado que la pincelada recibía en el expresionismo abstracto, como por ejemplo en los cuadros de Jackson Pollock y otros artistas, aunque al mismo tiempo minaba el fundamento de la visión que el arte moderno tiene de si mismo, basado en la originalidad artística y en el carácter único, por principio, de cada obra de arte. Lichtenstein aisló la pincelada del contexto pictórico, la amplió y aumentó por medio de la proyección, y reprodujo el resultado en el lenguaje estandarizado del cómic, especializado en la producción impresa en masa. “Pincelada amarilla y verde” muestra dos garabatos superpuestos realizados con un pincel, junto con algunas salpicaduras de color… “Pinceladas amarilla y verde”, 1966
  • 82. “Pequeña gran pintura”, 1965 … Pero por muy sencilla que pueda parecer la configuración del cuadro, presenta una complicada estructura. El primer ejemplo para la serie procedía de un dibujo del cómic, pero las demás variaciones son resultado del penoso proceso de pruebas y ensayos llevado a cabo hasta hallar la forma deseada.. Lo que, gracias a su admirable dinámica se presenta como una constelación espontánea, prácticamente casual, es el producto de un complicado proceso mecanizado.” KLAUS HONNEF: “Pop Art”
  • 83. “Gran pintura N º 6”, 1965
  • 84. “Si las obras de Pollock o Rothko versaban sobre la existencia y los sentimientos, las de Lichtenstein y Warhol se centraban en el aspecto material, y de paso eliminaban toda huella de sí mismos. Lichtenstein incluso pintó un cuadro titulado Brochazo (Brushtroke, 1965) en el que parodiaba el expresionismo abstracto y convertía el símbolo de la expresión personal (un gran brochazo gestual) en un objeto impersonal y producido en serie.” WILL GOMPERTZ: "Qué estás mirando? “Brushtroke ”, 1965
  • 85. “ Red Painting ”, 1965
  • 86. “ Yellow and red brushstrokes ”, 1966
  • 87. “Brushstrokes”, 1965. Petróleo y magna sobre lienzo. 122 x 122 cm
  • 90. CATEDRAL N º 6, DE LA SERIE CATEDRAL, 1969SERIE CATEDRAL Nº 4, 1969 Lichtenstein se apropia de géneros existentes. En sus obras se aprecia su predilección por Picasso y experimentará con el cubismo, pero también con el surrealismo, futurismo y expresionismo, cogerá un Picasso, un Mondrain, las catedrales de Monet, el Jinete Rojo de Carrá, y los adaptará al lenguaje del cómic.
  • 91. SERIE CATEDRAL Nº 5, 1960 MONET, CLAUDE, CATEDRAL DE ROUEN, 1894
  • 93. “Espejo # 4”, 1970 “Espejo”, 1972 Espejos y entablamentos son motivos centrales en sus trabajos de la década de 1970
  • 94. “Espejo de Seis Paneles # 2”, 1970 Estos espejos muestran un nivel de abstracción tal que si no fuera por el título serían difícilmente reconocibles para el espectador.
  • 95. “Espejo de Seis Paneles # 3”, 1970 Los espejos dan al artista la oportunidad de convertir algo tan inmaterial como la luz en una presencia definida.
  • 96. “Entablamento”, 1975 Los entablamentos están dibujados con las sombras que dan ellos mismos. Al igual que en los espejos el juego de luz es esencial. El aspecto que más interesaba a la sensibilidad de Liechtenstein era la repetición mecánica de elementos carentes de emoción.
  • 97. "Uvas azules”, 1972 “Vidrio y limón en un espejo”, 1974 1971: deja Manhattan y decide irse a vivir y trabajar a Southampton, en la punta este de Long Island. Lichtenstein toma prestados algunos temas de maestros modernos y pasa los años siguientes creando naturalezas muertas que sintetizan su estilo propio y el de los maestros. También empieza a experimentar con nuevos colores y texturas en sus cuadros.
  • 98. Roy Lichtenstein: “Still Life with Goldfish Bowl”, 1972 “Naturaleza muerta con peces de colores”, 1974
  • 99. “Plátanos y pomelo # 1”, 1972 “Cristal IV”, 1977
  • 100. “Estudio de artista, Mira Mickey “, 1973
  • 101. “Estudio del artista - La danza“, 1974
  • 102. ROY LICHTENSTEIN: “Estudio del artista - La danza“, 1974 MATISSE: “La danza”, 1909
  • 103. Roy Lichtenstein Joven con lágrima III, 1977
  • 104. "Desnuda en la playa“, 1977
  • 106. "Figuras con la puesta del sol“, 1978 Al final de la década, sus bocetos de Naturalezas muertas, Cabezas y Paisajes han recorrido todo el espectro estilístico, desde el cubismo al surrealismo y al expresionismo alemán.
  • 107. Roy Lichtenstein: “Figures in landscape”, 1977 Se fue distanciando poco a poco de la realidad, creando un mundo artificial que lo devolvía progresivamente a la abstracción. Se suele atribuir una presunta frialdad a las obras de Lichtenstein, por la meticulosidad del diseño y las composiciones limpias, casi mecánicas.
  • 108. “Naturaleza muerta con expediente”, 1976“Autorretrato”, 1978
  • 109. “El jinete rojo”, 1974 Carra pretendía comunicar el patetismo, la velocidad y el heroísmo, el olor del sudor humano y animal y el retumbar de cascos galopantes. Para Carrá el protagonismo lo da el jinete con sus patas y el lomo de caballo, mientras que Lichtenstein integra toda la imagen con cierta igualdad. Carrá: “El Jinete Rojo”, 1913 Versión de “El Jinete Rojo” de Carrá de 1913, adaptado al lenguaje del cómic.
  • 110. “El jinete rojo”, 1974 Tanto la superficie del caballo como la del jinete con su unidad estructural. La sombra en estas unidades da el volumen y profundidad. La cabeza del caballo tiene una apariencia mecánica; el pie desnudo del jinete con una forma circular evoca el pedal de una bicicleta. Los perfiles vibrantes comunican movimiento en el tiempo. Lichtenstein conservó su selección cromática con sombras de rojo, amarillo y azul. Aplicó colores primarios puros, descomponiéndolos en puntos bendéi para conseguir medios tonos. Consigue el volumen graduando el tamaño de los puntos bendéi. Aunque no logra la sensación de superficie plana. Para Carrá el protagonismo lo da el jinete con sus patas y el lomo de caballo, mientras que Lichtenstein integra toda la imagen con cierta igualdad.
  • 111. En los ochenta decide reinstalar su estudio en Manhattan. Se centra entonces en las líneas del estilo abstracto. En su indagación del expresionismo abstracto yuxtapone pinceladas desestructuradas junto a réplicas firmadas de sus pinceladas. A principios de 1985, la abstracción geométrica es objeto de una atención semejante en sus series Perfecto, Imperfecto y Plus y Minus. Al final de la década, la reflexión es el tema predominante en su trabajo. Reconfigura algunos de los motivos, de su repertorio Pop con un formato de composición nuevo y audaz. “Expressionist head“, 1980
  • 112. Roy Lichtenstein: “Tema Indígena Americano”, 1980 Grabado en madera, impreso en color
  • 113. “Paisaje con figuras y arco iris”, 1980
  • 115. “Paisaje con figuras y el sol”, 1980
  • 116. "Pintura Perfect # 1“, 1985
  • 118. Roy Lichtenstein: “Reflexiones de Arte”, 1988
  • 119. Roy Lichtenstein: “Bauhaus stairway”, 1989 La Bauhaus es un referente para cualquier diseñador Oskar Schlemmer: “Bauhaus Stairway“, 1932
  • 121. En los noventa, series con vistas interiores de casas sacadas de los pequeños anuncios de las páginas amarillas. Siguen presentes el trabajo y las indagaciones de Lichtenstein sobre el ilusionismo, la abstracción, la serialización, la estilización . “Interior con espejo de pared”, 1991
  • 122. “Interior con espejo de pared”, 1991
  • 123. "Interior con el móvil“, 1992
  • 125. “Desnudos con balón de playa”, 1994
  • 127. “Paisaje en la niebla”, 1996
  • 128. TIMES STATION SQUARE, la calle 42 del metro estrena TIMES SQUARE MURAL EN 2002 (Collage 1990, hecho en 1.994) esmalte de porcelana en la pared TIMES SQUARE MURAL captura el espíritu del metro, su movimiento lineal y la energía dinámica. Con un guiño tanto al pasado como al futuro -su imagen central es un coche con forma de bala futurista. Es Times Square, en el corazón de la ciudad de Nueva York.
  • 129. Roy Lichtenstein: “La Cara de Barcelona”, 1991-92 En esta década de los 90, finaliza una serie de proyectos escultóricos y pictóricos a gran escala que le habían sido encargados desde los sectores público y privado.
  • 130. “Brushstroke” 1996. Aluminio y pintura Brushstroke (Pincelada) es una escultura monumental que trata el tema del oficio de pintor, como el título indica, vinculada a la pintura que Lichtenstein realizó en 1965 en referencia al Action Painting a través de «citas» de la pincelada gestual que caracteriza al expresionismo abstracto. A partir de los años ochenta, Lichtenstein adapta la temática del brochazo a las tres dimensiones mediante maquetas, esculturas de medio tamaño y formatos monumentales. Mediante esta obra, erige un gran signo plástico que parodia, de forma irónica, un estilo pictórico caracterizado por la introspección, el subjetivismo y el gesto personal y espontáneo del pintor. En la escultura monumental este gesto queda desnudado, mecanizado y reducido a su mínima expresión como signo. Por otro lado, la obra documenta la tendencia monocroma, en contraste con el cromatismo asociado al arte pop, del último período productivo del artista. Brushstroke fue instalada en el patio del edificio diseñado por Jean Nouvel para la ampliación del Museo Reina Sofía con motivo de la exposición Roy Lichtenstein. All About Art que tuvo lugar en 2004. MUSEO REINA SOFÍA
  • 131. “Fue el artista pop de más edad y, junto con Warhol, también uno de los más influyentes. Su enfoque afectó al pensamiento visual de la corriente central y de la subcultura de su propio país, de Europa, e incluso, en algunos casos, del Próximo y Lejano Oriente. Una simple mirada a las carteleras de la mayoría de ciudades o a los escaparates de sus tiendas, supermercados, drugstores o incluso bancos será suficiente para entenderlo. Básicamente, su proceso de conversión siguió el mismo curso que cuando Picasso y Mondrian fueron trivializados y se introdujeron en los niveles populares, en el diseño de interiores, en la publicidad o en patrones para vestidos. Pero la realimentación de un estilo cuyo tema principal ya era lo banal o mundano fue mucho más evidente que la influencia subliminal de Mondrian o el grupo de De Stijl. Lichtenstein contribuyó tanto como Warhol a este efecto de realimentación. Monumentalizó las tiras de historietas y, con la mezcla de fascinación e ironía tan típica del pop art, dió a los héroes y heroínas de los cómics la misma dignidad visual que su gran ídolo, Léger, había proporcionado al mundo de los obreros anónimos. Sin embargo, Lichtenstein también pagó su tributo al arte elevado, utilizando adornos míticos de los iconos sublimes y sagrados de la cultura occidental, desde el templo griego hasta la Catedral de Rouen de Monet, desde Picasso a Mondrian hasta las pinceladas del expresionismo abstracto, disolviéndolos en los patrones de puntos estériles de los métodos de la pintura comercial.” KARL RUHRBERG: “Arte del siglo XX”. Pintura. Taschen
  • 133. FUENTES JANIS HENDRICKSON: “Lichtenstein”. Edit. Taschen TIRMAN OSTERWOLD: “POP ART”. Edit. Taschen NIKOS STANGOS: “Conceptos de arte moderno: Del Fauvismo al posmodernismo” JUAN F. RUIZ (revista MEMORIA) KLAUS HONNEF: “Pop Art”. Taschen JON THOMPSON: "Cómo leer la pintura moderna“ Edit. Electa RUHRBERG, SCHNECKENBURGER, FRICKE, HONNEF: “Arte del siglo XX”. Edit. Taschen WILL GOMPERTZ: "Qué estás mirando?...Edit. Taurus FLAMINIO GALDONI: “ART. Todos los movimientos del siglo XX” Edit. Skira STEPHEN FARTHING: “ARTE. TODA LA HISTORIA”. Edit. Blum KARL RUHRBERG: “Arte del siglo XX”. Pintura. Taschen BIBLIOGRAFÍA http://www.wikiart.org/es/Artists-by-Art-Movement/pop-art http://www.artchive.com/artchive/pop_art.html http://web.archive.org/web/20081013145630/http://popartmachine.com/masters/ http://cultura.elpais.com/cultura/2014/06/06/actualidad/1402077242_412634.html http://www.wikiart.org/es/Artists-by-Art-Movement/pop-art http://www.epdlp.com/pintor.php?id=6565 http://cultura.elpais.com/cultura/2014/06/06/actualidad/1402076484_159992.html http://elpais.com/diario/2011/12/30/cultura/1325199601_850215.html