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1945: línea divisoria entre el desarrollo de la vanguardia artística y las múltiples
tendencias postvanguardistas. Fuerte cambio en el panorama político y social:
No se puede hablar de una total ruptura
con las vanguardias históricas del periodo de entreguerras.
que creará su propio público y su propia clientela especializada. Estas
galerías tienen unas reglas de mercado y, en algunos casos, se encuentran
más cerca del marketing de empresa que de los valores propiamente
artísticos. Estamos ahora muy
como el Museo de Arte Moderno de Nueva
York, el de París o el de Roma, el Museo Salomón Guggenheim de Nueva
York, la exposición de la Biennale Internationale de Venecia o la Bienale de
París. Actualmente, España se ha incorporado a este circuito internacional
con la Exposición Internacional Arco.
La década de los sesenta fue un periodo crucial en el desarrollo y evolución del arte
contemporáneo. y se produce la
mayor mutación en la Historia del arte contemporáneo.
El Informalismo se había convertido prácticamente en un academicismo reiterativo, razón
que marcó su declive y con él el de las diferentes tendencias de vanguardia que habían
dominado el siglo XX.
Frente a esta situación surgen diversas tendencias como respuesta:
que se entendió como una crisis de lo abstracto.
frente a la falta de expresión de la abstracción
refleja la realidad de la nueva cultura de masas a través de sus objetos.
comprensibles y críticos frente a la falta de contenidos del
Informalismo.
Esta encrucijada de estilos, junto al definitivo traslado del foco artístico desde París a
Nueva York, hacen que la década de los sesenta sea un periodo crucial para el arte en el
que si aún se mantiene el mito de la vanguardia, comienza a despuntar la Posmodernidad
que aflorará ya en la década siguiente.
ESTEBAN VICENTE: “nº 11”, 1960 LUCIO FONTANA, “Concepto espacial”, 1962
Segundas
vanguardias:
se va perdiendo la
figuración, la
referencia a lo real.
Avance hacia el arte más
conceptual de la postmodernidad
LUCIAN FREUD: “Interior
en Paddington”,1951
ANDY WARHOL:
“”Campbell Soup”, 1969
YVES KLEIN: “Venus blue”, 1961
BRIDGET RILEY: “Fiesta”
Más tarde se amplió su uso para abarcar la actividad de
aquellos artistas que empleaban imágenes populares dentro de un contexto de
“arte culto” o de “élite”.
No es un arte dirigido al pueblo, sino que toma de él, de sus intereses, la
temática. nacido en las grandes urbes y
ajeno totalmente a la naturaleza.
El Pop crea obras de arte a partir de elementos preexistentes casi
exclusivamente, donde la contribución del artista estaría más en los aspectos
técnicos y en el hecho de establecer conexiones entre ellos, yuxtaponiéndolos,
que en hacer objetos nuevos.
Utiliza las imágenes conocidas con un sentido
diferente para lograr una nueva estética o alcanzar una postura crítica de la
sociedad de consumo.
usan imágenes como
elementos prestados de los medios de comunicación
utilizan los propios objetos de consumo
Este arte suponía una nueva indagación de un aspecto olvidado de la realidad
que
, hilo
conductor que une al Dadaísmo, al Surrealismo y al Pop Art.
HAMILTON: “Pero, ¿ qué es lo que hace a los hogares
de hoy día tan diferentes, tan atractivos?”, 1956
PAOLOZZI: “I was a rich man's plaything”, 1947
(…)
La moda comenzó en lo más alto de una estructura
social por completo rígida, y poco a poco se fue filtrando hacia abajo, volviéndose
menos elaborada y menos elegante a medida que lo hacía. La elaboración y el estilo
fueron, de hecho, casi lo mismo y mucha gente no tenía tiempo ni dinero para ser
elegante en absoluto. La máquina cambió esta situación. Produjo más dinero y más
tiempo libre, y al mismo tiempo impuso una lógica propia. Si el hombre quería cosas
hechas a máquina, era esencial, desde el punto de vista económico, que estas se
hicieran en cantidad. Se descubrió que la moda suministraba un ímpetu poderoso donde
la máquina estaba involucrada. Las cosas se pasaban de moda con mucha más rapidez
que la que se gastaban. La moda aceleró el proceso de sustituir, y ayudó a mantener la
industria en funcionamiento. Al mismo tiempo el proceso de democratización condujo al
sentimiento a que todo el mundo tiene derecho a ser elegante si lo desea.”
NIKOS STANGOS: “Conceptos de arte moderno: Del Fauvismo al posmodernismo”
PAOLOZZI: “Dr Pepper”, 1948
.
Merce Cunningham Dance
Company performing Minutiae
(1954) ante una obra de
Rausenberg
TIRMAN OSTERWOLD: “POP ART”. TASCHEN
El rock y los Beatles ponen la banda sonora
al arte pop en Inglaterra. Las relaciones son
muy estrechas: PETER BLAKE hace la
portada de “Sargent Pepper’s”
“La conducta heterodoxa y provocativa, la conmoción y la alteración
de lo cotidiano, la ruptura de los tabúes y el final de la mojigatería
formaban parte de esta contracultura. Este proceso puso en marcha
la inversión de los valores en las relaciones humanas y cuestionó el
tradicional reparto de papeles: la educación antiautoritaria, la
emancipación de la mujer, las nuevas estructuras profesionales y la
liberación de la sexualidad, se desarrollaron con arreglo a esta
“revolución cultural”, se acabó el jugar al escondite con los pósters de
chicas y las revistas dudosas (Playboy): Un nuevo sistema de
comunicación surgió a través de los periódicos marginales, los fan-
magazine, los pósters, los carteles, las octavillas, etc.”
TIRMAN OSTERWOLD: “POP ART”. TASCHEN
El pop art, sentenció el veterano dadaísta ,
Según Richter, el pop art no era más que un estilo
derivativo, neodadaísta. Sin embargo, la crítica de las condiciones
sociales y políticas existentes, o de intentar mejorarlas mediante la
protesta artística, estaba muy lejos de las mentes de los
protagonistas del pop art.
Así, Richter criticó una falta de compromiso cuando se había
pretendido que hubiera alguno.
"A mediados del siglo XX la primacía de la alta cultura sobre la popular comenzaba a
disolverse de manera irreversible. La vanguardia histórica estaba dando paso a sonidos,
imágenes y palabras que se originaban en la publicidad y en los mass-media.
Los temas generales del Pop Art eran la subcultura, la cultura popular, las imágenes de
los medios de comunicación, las nuevas tecnologías, el diseño, la industria de consumo y
la interrelación de estas manifestaciones y su influencia sobre el hombre. Los orígenes
del arte pop se encuentran en el dadaísmo y su poca importancia puesta en el objeto de
arte final. Sin embargo, el Arte Pop descarga de la obra de arte toda la filosofía anti-arte
del Dadá y encuentra una vía para construir nuevos objetos a partir de imágenes
tomadas de la vida cotidiana, al igual que Duchamp había hecho con sus ready-mades. En
cuanto a las técnicas, también toma del dadaísmo el uso del collage y el fotomontaje.“
JUAN F. RUIZ (revista MEMORIA)
Artistas que, según el crítico,
Alloway, “no sentían el disgusto
por la cultura comercial que sentía
la mayoría de los intelectuales,
sino que la aceptaban como un
hecho, la discutían en detalle y la
consumían con entusiasmo”
Aparece en los años
sesenta mostrándose más
extrema y radical en sus
planteamientos.
Las características pop se dan
menos definidas y agresivas
que en los otros artistas.
A diferencia del estilo más
romántico, sentimental y
humorístico de Inglaterra,
los artistas norteamericanos
produjeron obras de mayor
fuerza y agresividad.
PATRICK CAULFIELD:
"Cerámica", 1969
PAOLOZZI: I was a rich man's
plaything, collage de 1947, que
se ha considerado como la
primera muestra real del Pop Art
PETER BLAKE'S Mystery Tour
KITAJ: "The Refugees", 1983
RICHARD SMITH: “Piano”, 1963
A. JONES: ”Secretarias”, 1972
HOCKNEY: “Two deck chairs “, 1972
RICHARD HAMILTON:
"The Solomon R. Guggenheim, 1965
Richard Hamilton
Richard Smith
El arte pop temprano de Inglaterra se puede considerar
como una serie de ideas alimentadas por la cultura
popular norteamericana vista desde lejos mientras que
los artistas norteamericanos estaban inspirados en la
experiencia de vivir dentro de dicha cultura.
En 1952 un grupo de artistas, arquitectos e intelectuales
forman el Independent Group, dentro del Institute of
Contemporary Art de Londres, que se había creado en 1947
(por Herbert Read) como centro de debate. En el
Independent Group estaban Hamilton y Paolozzi, los
arquitectos Smithson, Banham (historiador del arte), el crítico
Alloway y algunos músicos. En las discusiones se hablaba de
los nuevos medios, las películas de serie B, la tecnología, la
filosofía (Mc Luhan), la moda, la música pop y muy poco de
arte (sólo una conferencia sobre expresionismo abstracto).
Sin preocuparse de las diferencias entre las artes, la
tecnología y las imágenes de la cultura popular.
Algunos artistas se dieron cuenta de que la cultura cada vez estaba
más influenciada por los medios de masas, las tecnologías y los
mecanismos civilizadores, y que este proceso también estaba ligado
a una apreciable consolidación del americanismo en Europa.
Este cambio cultural ya no concordaba con el introvertido y
expresivo estilo abstracto de la pasada generación de artistas en
Inglaterra representada por Henry Moore, Graham Sutherland,
Bárbara Hepworth, etc.
Desde el debate, toman conciencia de que la cultura establecida
hasta entonces ya no es válida e intentan buscar una postura
alternativa para comprender los problemas de la cultura
contemporánea y satisfacer las exigencias de la nueva época. Así
Richard Hamilton y Eduardo Paolozzi inician el Pop Art londinense.
Pintor británico (Londres 1922-2011), uno de los iniciadores
del Pop Art inglés. A los dieciséis años entra en la Royal
Academy of Art para cursar estudios de pintura durante
dos años. Entre 1941 y 1945 fue delineante técnico y en
1950 realiza su primera exposición en solitario
presentando una colección de aguafuertes.
Admirador de la obra de Duchamp. Con claras influencias
de Cézanne, el cubismo, el futurismo y la cronofotografía,
se interesa por el movimiento y la perspectiva. En 1952
imparte clases de tipografía y diseño industrial en la
Escuela Central de Arte y Diseño de Londres. Fue uno de los
fundadores del Independent Group. Se convirtió en el
máximo impulsor en Inglaterra de este nuevo arte nacido
de lo urbano, provocador, cargado de humor, colores
chillones... En 2007 la ciudad de Fráncfort le otorgó
el Premio Max Beckmann. Fue el diseñador de la cubierta
del White Album de The Beatles, en 1968. Hamilton
produjo series exquisitas de pinturas, dibujos e impresiones
que abordan temas como el glamour, el consumismo, la
mercancía y la cultura popular.
En 2009 edita con Ferran Adrià el libro “Comer para pensar.
Pensar para comer”, sobre el trabajo en el Bulli.
Richard Hamilton en su
estudio en Oxfordshire 2003
“Por lo general se acepta que la primera obra verdadera de pop art que se hizo
en Gran Bretaña fue el collage de Richard Hamilton “Sencillamente, ¿qué hace
que los hogares de hoy sean tan diferentes, tan llamativos?” Se realizó para una
exposición llamada “Esto es el mañana”, celebrada en Whitechapel Art Gallery
en 1956. El primer gran impacto que causó el pop en el público británico fue en
la “Exposición de contemporáneos jóvenes” de 1961, que incluía obras de David
Hockney, Derek Boshier, Allen Jones, Peter Phillips y R.B. Kitaj, y estableció a una
generación entera de artistas jóvenes. En el mismo año Peter Blake hizo su
primera exposición en el Institute of Contemporany Art.” NIKOS STANGOS:
“Conceptos de arte moderno: Del fauvismo al posmodernismo”
Esta obra es una auténtica
declaración de principios para
el Pop Art inglés. En ella se
encuentran presentes muchos
de los elementos de la cultura
trivial americana: una chica de
revista con la pantalla de una
lámpara como sombrero, un
culturista, un televisor, un
emblema de la Ford, un cartel
de cómic, una aspiradora, un
cartel de cine, un retrato de
un antepasado centenario y
un enorme chupa-chups con
la inscripción ‘pop', sostenido
por el culturista a modo de
raqueta de tenis, todo ello
bajo un techo que no es más
que el planeta Tierra.
HAMILTON: “Pero, ¿ qué es lo que hace a los hogares
de hoy día tan diferentes, tan atractivos?”, 1956
Parte de la
instalación
“Fun house”
de la muestra
“THIS IS
TOMORROW”
en 1956
“Fun House”, instalación en la que los visitantes de la
exposición pueden deambular por salones y pasillos de
una vivienda diseñada por Hamilton y decorada con
carteles, revistas y otros elementos de época y con una
proyección continua en cine de experimentos realizados
por el artista.
RICHARD HAMILTON: “Para una verificación definitiva de las
nuevas tendencias en la ropa y accesorios masculinos”, 1960
RICHARD HAMILTON: “ Adonis in Y fronts”, 1963
RICHARD HAMILTON: “Interior II”, 1964. Collage. 121 x 162 cm.
Marcel Duchamp: “El Gran vidrio”, reconstrucción de Richard Hamilton, 1965-66.
Para Hamilton fue decisiva la influencia de Duchamp. Este fue el primero en exponer objetos
cotidianos, fabricados en serie, en galerías y museos, y Hamilton le rindió su propio homenaje, primero,
en 1960 con una versión tipográfica de la Caja verde, y más tarde con una réplica del Gran vidrio.
RICHARD HAMILTON: “D’aprés Marcel Duchamp” 1971
RICHARD HAMILTON: "The Solomon R. Guggenheim”, 1965 "Guggenheim" (cromo), 1970
Las creaciones de Richard Hamilton se inspiran en la industria del ocio y el consumo, en la
publicidad y en la Historia del Arte. Siempre interesado por las nuevas tecnologías, trabaja
a partir de imágenes emblemáticas que usa como espejos para criticar la saturación visual
de la vida moderna. El suyo es un Pop culto y de hondo contenido intelectual.
RICHARD HAMILTON: "The Solomon R. Guggenheim, 1967RICHARD HAMILTON: "The Solomon R.
Guggenheim”, 1965-1966. Fibra de vidrio y celulosa,
Sobre estas obras, Hamilton comentó: "Fue un intento de reflejar toda la actividad
de la arquitectura en los confines de un panel de cuatro metros cuadrados."
RICHARD HAMILTON: "The Solomon R. Guggenheim, 1965-66
Estas obras
del
Guggenheim
tal vez son
una ironía,
entre el
museo como
obra de arte
y la obra de
arte como
museo.
No se trata
de un
homenaje a
Marilyn sino
un mero
análisis
intuitivo de
los
mecanismos
a los que
debía su
éxito.
RICHARD HAMILTON: “My Marilyn”, 1965
RICHARD HAMILTON:
“Naturaleza muerta”,
1965
RICHARD HAMILTON: ”Trafalgar Square”, 1967
Óleo y fotografía sobre tabla..
TEMAS: extraídos de la propaganda industrial, de la tecnología y de la
ciencia ficción: coches cromados, aviones, anuncios fluorescentes de
grandes comercios, tipografías chillonas, imágenes de bulevares, etc.
Este cartel es uno de un grupo de
pinturas y grabados que Richard
Hamilton hizo después de que su
marchante de arte Robert Fraser y
Mick Jagger, cantante de los Rolling
Stones, fueron arrestados (y en el caso
de Fraser finalmente encarcelado) por
la posesión de drogas en 1967.
Richard Hamilton: “Durísimos 67”, Londres
Aparecen esposados el galerista
Robert Fraser y Mick Jagger
RICHARD HAMILTON: “La Scala Milano”, 1989
RICHARD HAMILTON:
“Hotel Europa”, 1984
El collage fue
utilizado por los
dadaístas y los
cubistas como medio
para explorar las
diferencias entre la
representación y la
realidad. En manos
de los artistas pop se
desarrolló como arte
de “assemblage”.
Richard Hamilton: “ ¿Qué es exactamente lo que hace
a los hogares de hoy tan diferentes? ”, 1992
“Remake” de una imagen Hamilton creó originalmente en 1956 como parte de su contribución
a la exposición colectiva This is Tomorrow celebró en la Whitechapel Art Gallery de Londres.
RICHARD HAMILTON: « Hotel du Rhône », 2005
Richard Hamilton: “La obra maestra desconocida”.
Una pintura en tres partes, 2011
“La obsesión por el desnudo femenino, compartida
con su héroe artístico Marcel Duchamp, el estudio
constante del espacio y la perspectiva que definen un
cuadro, la influencia de los clásicos en su obra más
tardía que plasma en imágenes generadas por
ordenador…
(…) Una mujer desnuda se recuesta en el lecho bajo la
mirada de tres personajes masculinos, los pintores
Poussin, Courbet y Tiziano, en ese tríptico que plasma
una historia corta (con el mismo título) firmada por
Honoré de Balzac en 1831: el relato sobre un pintor
del siglo XVII que trabaja incansablemente en el
retrato de una mujer en busca de la representación
perfecta. La obra maestra desconocida de Hamilton
también podría verse, a decir de los expertos, como su
respuesta a otro cuadro de Marcel Duchamp -Étant
donnés, el último realizado por el artista francés y hoy
propiedad del Museo de Arte de Filadelfia-, a quien
siempre consideró su gran maestro.”
PATRICIA TUBELLA: “La última palabra del pope del
pop”, elpais.com
Richard Hamilton: “La obra maestra desconocida”.
Una pintura en tres partes - 1, 2011
Desde 1947 hasta 1949 trabajó en París, donde recibió la influencia del surrealismo. A su
regreso a Gran Bretaña se implicó abiertamente en el desarrollo del Pop Art. Galardonado
en 1960 con el premio al mejor escultor de la Bienal de Venecia y en 1967 con el de la
Exposición Internacional Carnegie de Pintura y Escultura Contemporáneas, de Pittsburg
(Estados Unidos), Paolozzi expuso en museos y galerías de todo el mundo. Paolozzi, que
fue coronado “Escultor de su Majestad” por la Reina Isabel II y recibió el título de Sir,
diseñó a comienzos de los ochenta los mosaicos para la estación del metro de Tottenham
Court Road, en el centro de Londres.
Escultor y pintor escocés (1924-
2005), pionero del Pop Art en la
década de 1950 y, desde
entonces, uno de los artistas
británicos más destacados. De
padres italianos. Entre 1943 y
1947 estudió en las escuelas de
arte de Edimburgo y de Slade.
Uno de los fundadores del
Independent Group, considerado
como precursor del movimiento
británico pop art de los 60.
PAOLOZZI: “I was a rich man's plaything”, 1947
En 1947, Eduardo Paolozzi expuso su
obra esta obra considerada por buena
parte de la crítica como la obra pionera
del Pop Art británico, a su vez
precedente del Pop Art norteamericano
de los años 60. Se podría considerar
como una obra fundacional.
Sin embargo, Paolozzi no aceptó
plenamente este calificativo. Para él era
una obra más próxima al Surrealismo
que al propio Pop Art. En cualquier caso,
la utilización de imágenes procedentes
de los medios de comunicación de
masas, el desenfado, el empleo de la
yuxtaposición como recurso compositivo
y la referencia a la técnica serigráfica,
son evidentes motivos para mantener la
relación entre esta obra y el Pop Art.
PAOLOZZI: “Screenprint on paper from bunk”, 1948 A New Brand of Brilliance 1972
PAOLOZZI: "Mr. Gromyko", 1950 “One Man Track Team”, 1953
“Wittgenstein in New York from As is When", 1965EDUARDO PAOLOZZI: “Wittgenstein, soldado”, 1965
LUDWIG WITTGENSTEIN, filósofo austriaco. Paolozzi utiliza textos del filósofo en sus cuadros
PAOLOZZI: “Fun Helped Them Fight”, 1972 PAOLOZZI: “2000 Horses and Turbo-powered”, 1972
PAOLOZZI: “ Despegue”, 1972PAOLOZZI: “Refreshing and Delicious”, 1972
Paolozzi diseñó
la portada del
álbum “Red Rose
Speedway”
Mosaicos de
la estación
de metro de
Tottenham
Court Road.
Comienzos
de los 80
Estación de metro de
Tottenham Court Road
PAOLOZZI:
“El último ídolo”, 1963
Aluminio y óleo.
244 x 61 x 11 cm.
PAOLOZZI: “Robot”,
1956. Bronce con
pátina marrón de oro.
48,3 cms
Las esculturas de Eduardo
Paolozzi nacen de su varia
influencia que va desde el
movimiento dadá y el
surrealismo hasta la de sus
propios compañeros de
generación, precursores del
pop art de los años sesenta,
como Henry Moore.
Michelangelo's 'David', 1987
En la década de 1950 Paolozzi incorporó piezas de maquinaria a sus esculturas de
bronce, mientras que su obra última incluye esculturas de formas abstractas
gigantes, casi arquitectónicas, realizadas con extrañas combinaciones de formas
mecanicistas. Entre estas composiciones cabe destacar la obra Río (1964-1965,
Hunterian Art Gallery, Glasgow), una escultura de bronce fundida en seis secciones.
PAOLOZZI :“Río”, 1964-1965, Hunterian Art Gallery, Glasgow
PAOLOZZI: "Bring The Foot Of The Walk Home"
A principios de 1960 Paolozzi desarrolló una nueva forma de crear su escultura mediante la
colaboración con empresas de ingeniería industrial y, finalmente, el uso de aluminio.
PAOLOZZI: “Vulcan”, 1998 - 1999
Esta impresionante
escultura se encuentra en
la Galería Nacional
Escocesa de Arte
Moderno. Llega desde la
planta baja hasta el techo
de la primera planta.
Vulcano se muestra
balanceando el martillo y
marchando a través de la
Gran Sala. Es mitad
hombre y mitad máquina -
un monumento a la era
moderna.
PAOLOZZI: “Isaac Newton" Biblioteca Nacional de Londres, 1995
(Southampton, 1937) Pintor y escultor británico. Se formó en el Hornsey College y en el Royal
College of Art de Londres. Junto con R. Hamilton, fue uno de los iniciadores del pop-art en su
país. Su obra se caracteriza por la representación violenta e irónica de la realidad cotidiana.
Posteriormente realizó muñecas de tamaño natural (Perfect Match, 1966-1967). Un tema
dominante en su obra es todo lo relacionado con la sexualidad.
Su trabajo en la década de los sesenta fue influenciado por la psicología y por la lectura de
Nietzsche, Freud y Jung.
En 1963 recibió el Premio de las Jeunes Artistes en la Bienal de París.
En 1964 se trasladó a Nueva York y viajó por todo EE.UU.
ALLEN JONES:
“Hombre-Mujer”, 1963
Óleo sobre lienzo.
213 x 183 cm.
ALLEN JONES: “Sun Plane”, 1963
Allen Jones: ”Englische Graphik”, 1964-1966
Es característico de su obra el
empleo de una gama cromática
muy rica y exaltada, en la que
distintas tonalidades de rojo
suelen contrastar con verdes,
amarillos o azules.
Las esculturas de Jones retratan la belleza femenina. Piernas, maniquíes de
cuerpos esbeltos y pinturas de siluetas delgadas destacan en su trabajo. Usa el
arte pop para dar énfasis en la sexualidad: examina el deseo representando
provocativas y explícitas imágenes de mujeres vistas a través de la fantasía de
la publicidad y la imaginación masculina. Realiza escenas que llaman la
atención sobre un erotismo eufórico y vacío con rasgos sadistas
ALLEN JONES: “Table", 1969. Fibra de vidrio pintada, piel y cabello. Tamaño natural
La trayectoria de Jones sufrió un cambio bastante profundo tras su estancia en EE.UU.,
durante 1965 y 1967, cuando se instaló en Nueva York.
Sus temas se hicieron mucho más explícitos y el erotismo que emana de sus figuras
femeninas resulta extraordinariamente patente. A fines de los años sesenta llegó incluso
a realizar muebles Girl-Table en los que una figura femenina tridimensional, casi
desvestida y ejecutada en fibra de vidrio, servía de pie a una mesa de cristal. A esta línea
responden también carácter fetichista realizadas ya a comienzos de la década siguiente.
ALLEN JONES: ”Abu Ghraib Coffee Table” resina moldeada, plexiglás.
ALLEN JONES: “Silla”, 1969. Fibra de vidrio pintada, cuero y cabello. Tamaño natural
ALLEN JONES: “Neither forget youre legs”, 1965
ALLEN JONES: “Perfect match”, 1966-67
“En tres piezas montadas formando un tríptico vertical, el pintor presenta
la imagen del ideal femenino según el deseo masculino en una época de
transformaciones sociales y culturales. Es, al mismo tiempo, la imagen de
los miedos ocultos Cada parte ha sido agudizada para representar las
preferencias o psicosis individuales, de forma que podrían funcionar en
solitario. La boca, y los pechos en la parte superior, caderas, nalgas, pubis y
muslos en la parte central; y pantorrillas, tobillos y pies en el campo
inferior. Los contornos muy definidos y con sombreados, subrayan el cliché
y lo intensifican hasta la frontera de lo caricaturesco.
El margen del cuadro está situado sobre
la boca. El rostro no cuenta. Una
minifalda enseña más de lo que
esconde… “como en la vida real”. Las
piernas se mueven en la técnica de
reproducción del arte futurista, un guiño
a Marcel Duchamp y su célebre
“Desnudo bajando una escalera” (1912).
(…) Los colores despliegan un estridente
concierto visual muy a lo pop.. Sin duda,
el pintor ha concebido una imagen
fetiche moderna.”
KLAUS HONNEF: “Pop Art”
ALLEN JONES: ”Secretarias”, 1972
ALLEN JONES: “III”, 1976ALLEN JONES: “VI”, 1976
ALLEN JONES: “Bañistas”, 2000
ALLEN JONES:
“City Shadow I”, 2003
ALLEN JONES: “City Shadow II”, 2003
Artista inglés, (Dafford, Inglaterra, 1932). Formado
en el Gravesend Technical College and School of Art
y en el Royal College of Art de Londres. Ejerció la
docencia en St´s Martin School of Art de Londres, la
Walthamstow School of Art y el Royal College of
Art.
Perteneciente a la primera generación de artistas
pop británicos, trabajó en artes gráficas y siempre
mostró interés por la imaginería popular. Sus
primeras obras, a mediados de los cincuenta, tenían
el aspecto de los cartelones de feria que se podían
encontrar en cualquier sitio.
Blake se anticipó a los artistas Pop de Nueva
York como Lichtenstein, Oldenburg y Andy Warhol.
A diferencia de otros artistas de vanguardia de la
época, como Hamilton y Paolozzi, que utilizaban
recortes de imágenes de anuncios y revistas, Blake
presentaba imágenes ready-made sin alterar. En
1975, fundo la Hermandad de los Ruralistas un
grupo de siete pintores establecidos en West
Country, que trabajaban y veraneaban juntos, con
un interés común en el espíritu campestre.
“Siempre emprendo mis obras como un
viaje en el que explorarlo todo; como Alicia
en el País de las Maravillas"
Ganador en 1961 del primer premio en la
galería de John Moore en Liverpool, gracias a
su obra: ”Autorretrato con chapas”, desde
entonces da sobradas muestras de un
tremendo potencial creativo que pronto
tendrá una notable repercusión.
”Autorretrato con chapas”, 1961PETER BLAKE: “Autorretrato”, 1949.
PETER BLAKE: “Niños de las sesiones
matinales de los cines ABC' 1960
En 1975, fundo la Hermandad de los
Ruralistas un grupo de siete pintores
establecidos en West Country, que
trabajaban y veraneaban juntos, con un
interés común en el espíritu campestre.
Desde su época de estudiante su obra
refleja un gran interés por el arte popular y
el folclore. Sus primeras obras, realizadas en
la década de 1950, sobre todo en paneles
de madera envejecida, retratan niños
con cómics y chapas, como por ejemplo,
Niños leyendo cómics
PETER BLAKE: “En el balcón” 1957
En esta obra, junto a un
verdadero montón de símbolos
alusivos a la época, Blake centra
27 variantes del tema del
balcón, entre ellas el cuadro de
Manet del mismo nombre y las
fotografías de la familia real
inglesa saludando desde el
balcón de Buckingham place.
PETER BLAKE: “The Toy Shop”, 1962
En su obra
conviven las
imágenes de los
escaparates de
juguetes con los
pins, tebeos y
pósters de los
ídolos de la
música pop o
del cine.
Sus
composiciones,
aparentemente
naifs, revelan
una actitud
muy poco
ingenua y en
ellas se reúnen
elementos
cuidadosamente
seleccionados
por su
significación.
BLAKE: “Portrait of David Hockney in
a Hollywood Spanish Interior”, 1965
Artista prolífico, amante de la
cultura popular, maestro del
collage y referente obligado
del Pop Art, posee además
un extraordinario talento
para el diseño que le ha
otorgado un privilegiado
puesto en la icónica industria
musical. Así, las múltiples
carátulas elaboradas para
reputadas bandas o artistas
como Paul Weller, The
Who, The Beach Boys o The
Beatles y su mítico álbum
Sgt. Pepper´s Lonely Hearts
Club Band en 1967 que le dio
la fama. Realizó singles Live
Aid en 1985.
Peter Blake lleva a los
espectadores a un viaje
mágico en un viejo autobús.
Él se une a personajes que
han poblado su imaginación
en los últimos años - Elvis,
Ian Dury, Howerd Frankie y
Kim Novak, entre
otros. Profundamente
enraizado en esta
generación, su iconografía
es un paradigma del pop en
el sentido más difundido del
término -estrellas de cine,
como Kim Novak, cantantes
como Elvis, grupos
musicales, pop y jazz,
comics…-
Peter Blake's Mystery Tour
Peter Blake: “Tuesday Weld. Kim Novak
La fascinación por el coleccionismo y la preocupación por lo “efímero de la vida moderna”
están presentes en su obra de finales de la década de 1950, en la que empezó a hacer collages
y composiciones con tarjetas postales, fotografías e ilustraciones de actores y artistas pop
contemporáneos, combinándolas con formas geométricas de brillantes colores.
Peter Blake: “Bellas Bits Arte”
PETER BLAKE: “Martes”, 1961
PETER BLAKE: “The Fine Art Bit”, 1959
La fascinación por el coleccionismo y la preocupación por lo “efímero de la vida moderna”
están presentes en su obra de finales de la década de 1950, en la que empezó a hacer
collages y composiciones con tarjetas postales, fotografías e ilustraciones de actores y
artistas pop contemporáneos, combinándolas con formas geométricas de brillantes colores.
Portada del álbum Sgt. Pepper´s Lonely Hearts Club
Band en actualizada en 2012 por el propio Blake
Fila arriba: Amy Winehouse, Sir Paul Smith, Ian
Curtis, Nick Park, Robin Day, Lucienne Day,
Francis Bacon, Roald Dahl, Alfred Hitchcock,
Lucian Freud, Kate Moss, Paul Weller, Sir Tom
Stoppard, Danny Boyle, Sir Mick Jagger, Fanny
Craddock, Mr Chow.
Segunda fila: Martin Parr, Sir Tim Berners-Lee,
John Peel, Sir Terence Conran, Robyn Hitchcock,
JRR Tolkien, JK Rowling, Anish Kapoor, Mary
Quant, David Bailey, Harold Pinter, David
Chipperfield.
Tercera fila: Agatha Christie, Barbara Hulanicki,
John Hurt, Gavin Turk, Rick Stein, Sir Paul
McCartney, Sir Jonathan Ive, Tracey Emin, Sir
David Lean, Peter Saville, Sir David
Attenborough, Bridget Riley, Lord Norman Foster,
Justin De Villeneuve, Sir Ridley Scott, Sir Terrence
Rattigan, Vidal Sassoon, Richard Curtis, Mark Hix.
Fila al medio: Delia Smith, David Bowie, Twiggy, Audrey Hepburn, Gary Oldman, Damien Hirst, Stella
McCartney, Mary McCartney, Alexander McQueen, Dame Vivienne Westwood, Dame Helen Mirren,
Grayson Perry, Wreckless Eric.
Fila quinta: Richard Rogers, Noel Gallagher, Dame Shirley Bassey, Jeremy King, Chrissy Blake, Sir Peter
Blake, Chris Corbin, Rose Blake, Sir Elton John, Daisy Blake, Ian Dury, David Hockney.
Fila abajo: Monty Python foot, Elvis Costello, Liberty Blake (con bandera), Victoria Vintage, Eric Clapton.
The Who. Face Dances, 1981.
Peter Blake, “No son modales para
empezar, ya sabes, "dijo la Rosa”, 1970
SERIE ALICE
ALICIA A TRAVÉS DEL ESPEJO
Ilustraciones
PETER BLAKE: “Bueno, esto es grandioso!, dijo Alice”, 1970-1971
PETER BLAKE: “…y los dos caballeros se
sentaron y se miraron sin hablar”, 1970
PETER BLAKE: “Justo en ese momento,
de alguna manera u otra, comenzó a
funcionar” 1970
PETER BLAKE: “La
Reunión” (o Have a
Nice Day, el Sr.
Hockney), 1981-1983
Reunión entre tres amigos, pintores británicos: Howard Hodgkin (izquierda), Peter Blake (centro) y
David Hockney (derecha). La escena es una irónica reelaboración de Gustave Courbet de su obra
"Bonjour Monsieur Courbet” que muestra al artista saludando a dos amigos.
Blake se traslada
este encuentro en
el entorno urbano
de Venice Beach,
California. A
diferencia de la
vestimenta formal
de Gran Bretaña,
Hockney está en
su elemento,
vestido de manera
informal entre las
vallas, palmeras y
hermosas
patinadores
GUSTAVE COURBET:
"Bonjour Monsieur Courbet”, 1854
PETER BLAKE: “La Reunión” (o Have a
Nice Day, el Sr. Hockney), 1981-1983
PETER BLAKE: “Beduína”, 1964-1965
“Después de asistir al
comienzo del Pop Art,
después de haber tomado
parte en su desarrollo y
haber estado un poco a la
cabeza del movimiento, me
apresuro a añadir que he
hecho una inversión perfecta,
he vuelto a algo que es más
o menos académico”.
PETER BLAKE
PETER BLAKE: “Tarzán, Jane, niño y chita”, 1966-1975
PETER BLAKE: “Muchacha en
un campo de la amapola”, 1974
PETER BLAKE: “Kate”, 2006. Acuarela
“An Alphabet” de 2007, es una muestra de 26 serigrafías y muestra
la fascinación de Sir Peter Blake con letras, fuentes y tipografía
PETER BLAKE: “Kate”, 2013
PETER BLAKE: “Río Támesis-Regatta”, 2012. Serigrafía
“Dylan Thomas, Kim Novak & James Joyce
in New York.” Digital lenticular
"And when you think of all those
babies she’s got". Una de las
secuencias oníricas de la obra de
Dylan Thomas según la interpretación
de Peter Blake. 2013
Peter Blake recrea a
Dylan Thomas. Peter
Blake presenta 170
ilustraciones sobre
“Bajo el bosque lácteo”,
la pieza de radioteatro
del escritor galés Dylan
Thomas, de cuyo
nacimiento se cumplen
cien años en 2014.
Rosie Probert. Rosie Probert, una de las
protagonistas de la obra de Dylan Thomas,
interpretada por el artista Peter Blake
"Mother is making Welshcakes in
the snow". El trabajo de Peter
Blake para ilustrar la obra de
Dylan Thomas empezó en 1986
"The dead come out in their Sunday best".
Ilustración de Peter Blake
Pintor y grabador Inglés conocido por sus
cuadros de arte pop. Patrick Caulfield
estudió en la Chelsea School of Art de la
década de 1950, y en el Royal College of Art
desde 1960 hasta 1963, lugar en el que su
obra quedó vinculada a la generación del
pop art británico Entre sus compañeros de
clase estaban David Hockney y RB Kitaj.
Caulfield nunca se sintió cómodo en ese
grupo, aunque compartía el interés de estos
artistas por la imaginería banal y el kitsch
comercial que relanzaba la cultura popular.
Él se consideraba un pintor clásico de
rigurosa normativa a semejanza del pintor
que más admiraba, Juan Gris. Desde
mediados de los años 1970 comenzó a
incorporar elementos realistas en su
trabajo.
Esta pintura que es una
transcripción de un cuadro de
Delacroix, retrotrae al espectador
a la destrucción total de la gran
tradición clásica, pero lo hace de
un modo indirecto, a través de un
velo romántico, uniendo su
sentimiento de pérdida con una
dosis muy contemporánea de
despreocupación.
Patrick Caulfield
y Delacroix,
Grecia expirando
sobre las ruinas
de Missolonghi
1826 y 1963
“El cubista clásico Juan
Gris no comprende el
mundo pop y los
artistas pop no
comprenden el mundo
formalizado y cubista.
Mediante la reducción
de colores y las líneas a
los hábitos
representativos del
mundo cotidiano,
Caulfield retrata a un
artista que, utilizando
los instrumentos de la
composición abstracta,
precisamente ha
intentado liberar al arte
de estos elementos
banales.”
TILMAN OSTERWOLD
PATRICK CAULFIELD: “ The Letter”, 1967
PATRICK CAULFIELD: "Cerámica", 1969
Los objetos de cerámica en esta
pintura se han representado desde
diferentes puntos de vista en función
de su situación en la composición
general. Los que están en la parte
inferior de la imagen están pintados
como si se ve desde un punto de
vista elevado, los que están cerca del
centro parecen ser vistos desde el
nivel del ojo y aquellos hacia la parte
superior del lienzo se muestran
desde abajo. Este dispositivo hace
hincapié en el efecto global de la
apilamiento de un gran número de
objetos similares.
Los contornos negros y colores
fuertes son características de gran
parte de la obra de Caulfield. El
artista ha escrito de esta pintura que
"fue una excusa para utilizar un
montón de colores “.
Caulfield realiza pinturas figurativas
interpretando objetos sencillos.
Normalmente utiliza tintas planas
atravesadas por simples líneas.
Algunas de sus obras están
dominadas por una sola tonalidad.
PATRICK CAULFIELD: “Bathroom Mirror”, 1968
PATRICK CAULFIELD: “ Interior: Morning”, 1971
PATRICK CAULFIELD:
“Interior: Night”, 1971
“Los cuadros de Caulfield,
parecidos a ilustraciones,
muestran que el Pop Art fue
el último en poner fin a las
esperanzas de un desarrollo
artístico convincente y
vanguardista. Las antiguas
conquistas y modas artísticas
son arrastradas por las
exigencias del presente. El
Pop Art abandona el
desarrollo tradicional del
arte y toma el camino del
autoanálisis de un presente
trivial percibido de una
forma consciente.”
TILMAN OSTERWOLD
PATRICK CAULFIELD: « Les Demoiselles
d'Avignon vues de derrière », 1999
Esta serigrafía es un juego de la
famosa obra de Picasso que
representa a las prostitutas, Les
Demoiselles d'Avignon, que
marcó el inicio del cubismo.
Caulfield ha revertido la
imagen de Picasso para que en
lugar de ver a las mujeres de
frente, se vea por la espalda. La
reversión de esta imagen es a la
vez un juego de palabras visual
en el proceso de impresión, el
cual invierte el diseño original y
un juego de palabras verbal en
el derrière palabra francesa que
significa extremo posterior.
(EE.UU, 1932-2007) RB Kitaj estudió en
Londres en el RCA con un influyente grupo
de estudiantes entre ellos David
Hockney. Vive y trabaja en Los Angeles.
Desde 1970, sus pinturas, dibujos y
grabados se han concentrado en la forma
humana. Basándose en su amplia lectura y
la preocupación por la historia y la identidad
judía, sus obras han sido descritas como
"alegórico y descriptiva, tradicional y
completamente modernista".
Su importancia ha sido reconocida en tres
exposiciones retrospectivas internacionales:
• Ohio, EE.UU. 1951-1952
• Academia de Bellas Artes de Viena 1957-
1959
• Escuela Ruskin de Dibujo, Oxford 1959-61
Royal College of Art de Londres.
En 1962 comenzaría a visitar España
durante largas temporadas, sobre
todo Cataluña y más concretamente
el pueblo de Sant Feliu dónde en
1972 compró una casa, de manera
que viajaría de forma intermitente a
lo largo de la década siguiente.
“Sus obras tienen vínculos con el pasado a través de una sorprendente variedad de referencias (Van
Gogh, Giorgione, Miguel Ángel, Cezanne, Goya, Bacon, y Degas…); a la literatura y la filosofía (Kafka,
Ramón Lull, Erasmus, Nietzsche); a los acontecimientos notables (el Holocausto, el asesinato de John
Kennedy, el auge del fascismo); a los paisajes (de Londres en las orillas del lago Erie, a Cataluña, al
puerto griego de El Pireo).
Estas no son
conexiones triviales,
forjadas por el bien de
un tradicionalismo
vacío o al servicio de
un sesgo
conservador; más
bien, nos permiten
saber quiénes somos
en el aquí y ahora,
como individuos y
como miembros de un
todo mayor.” (política).
GINA MARANTO:
“RB Kitaj y el arte de la
memoria”
“La lucha del pueblo español por su libertad”
Del conjunto "En nuestro tiempo“, 1969
"El espíritu del ghetto"
R.B. KITAJ: “El ascenso del fascismo”, 1975-78
R.B. KITAJ: “¿Conoce usted la tierra, donde crecen los limoneros?”, 1962
Kitaj trasladará su
reflexión sobre la
Guerra Civil a
Londres.
Este mismo año
ejecutará la
emblemática Kennst
Du das Land?, que
representa a un
grupo
de soldados
sumergidos en una
especie de mar
nevado, donde
indaga sobre
las terribles
consecuencias del
conflicto bélico para
ambos bandos.
R.B. KITAJ: “Desmontaje de
la tienda roja”, 1963
R.B. KITAJ: “Synchromy con FB” 1968-1969
R.B. KITAJ: “La Pandilla de Ohio”, 1964
R.B. KITAJ: “Juan de la Cruz”, 1967
R.B. KITAJ: "El otoño del centro de París", 1972-73
Muchas de las obras tempranas
de Kitay, se apoyan en las
yuxtaposiciones sorprendentes
del collage -con marcada
discordancia en la inclusión de
elementos-, con el propósito de
producir un arte que exprese
sin adornos visuales los
vagabundeos de la mente
humana. Otoño en el centro de
París. A la manera de Walter
Benjamín. (1972-1973) es
quizás la primera
materialización pictórica de sus
preocupaciones a partir de los
años setenta: temas
relacionados con el exilio y la
identidad y versiones emotivas
de acontecimientos de la
historia moderna, como el
Fascismo y Holocausto.
R.B. KITAY: "Si no, no", 1975-1976
R.B. KITAY: " Retrato de Walter Lippman", 1975-1976
R.B. KITAY: "Esmirna griega
(Nikos)", 1976-1977
R.B. KITAY: "La hispanista”
(Nissa Torrents)
R.B. KITAY:“El orientalista”
La hispanista (Nissa Torrents
que ejerció como profesora
de literatura y cine
latinoamericano en el
University Collage de
Londres) representa el
compromiso de Kitaj con
España. Pertenece a una
serie de retratos de una sola
figura, todos realizados
sobre lienzos de las mismas
dimensiones alargadas, que
muestra a personajes tanto
reales como imaginarios,
que para Kitaj encarnaban
una idea de exilio o
desplazamiento.
Este retrato se puede
considerar como el fin de los
temas españoles dentro de
la pintura de Kitaj. Ya que a
partir de 1980, tras su
primera visita a Israel,
decidió buscar su propia
identidad dentro del
judaísmo y no a través de
otras culturas.
“Marynka Smoking” 1980
En 1974, impresionado por la obra de Edgar Degas, adopta el pastel como técnica para una serie de estudios
del cuerpo humano del natural, que aportan a su producción una sensualidad nueva y un claro erotismo.
R.B KITAJ:“Mary An”, 1980
R.B.KITAJ: “Father reading Tom Sawyer to his son”, 1994
R.B. KITAY: "Baseball", 1983-1984
R.B. KITAJ: “Apotheosis of Groundlessness”, 1964
R.B. KITAJ: “El hombre de los bosques y el gato de las montañas”, 1973
R. B. KITAJ: “The Architects”, 1981
"Este retrato de mi
amigo Nikos Stangos
inspirado en su
compatriota el poeta
griego Kavafis y en
sus descripciones
sobre su paseo diario
por los burdeles del
puerto de Alejandría.
Yo acababa de volver
a Londres de mi
único viaje a Grecia,
que duró muy pocos
días, y entonces él
posó para mí en esa
actitud de paseante.
Le conté a Stangos mi
extraño y no
consumado vagar por
el puerto de El Pireo,
imitando a Kavafis.
Por tanto el cuadro
se refiere a los dos
poetas y a mí
mismo".
R. B. KITAJ“El griego de Esmirna”, 1976-77
R.B. KITAY: "Cecil Court, Londres WC2 (Los Refugiados)", 1983-1984
R.B. KITAY:“El Roble”, 1991
R.B. KITAY: “Greenwich Village”, 1990-93
Autorretrato, 2006
RBK, Edad 73, 2006
Pintor y director de cine británico nacido en Lechworth
(Herts) el 27 de octubre de 1931.
Comenzó sus estudios de arte en la Escuela de Luton, en
Londres. Tras el servicio militar en las Fuerzas Aéreas,
Smith retomó sus estudios de pintura en 1952 y en
1954 amplió éstos en la Escuela de Arte de St. Alban,
donde ya manifestó su interés por la publicidad, el
diseño comercial y las teorías sobre los medios de
masas elaboradas por esos años por Marshall McLuhan.
Tras su paso por esta institución, Smith se matriculó en
el Real Colegio de Arte de Londres. Allí compartió clases
de pintura con otros representativos pintores del Pop
Art británico, como Joe Tilson y Peter Blake. Con ellos
expuso en la muestra celebrada en las galerías RBA que
se celebró en 1954 y que llevó por título "Jóvenes
contemporáneos", exposición que presentó los trabajos
de una serie de jóvenes artistas del Reino Unido que
tenían como nexo común su interés por el papel de los
medios de masas y la sociedad de consumo en el
desarrollo del individuo.
En 1957 realizó un breve viaje a Italia y a Estados Unidos
e inició su labor como docente en el Colegio de Arte
Hammersmith de Londres.
Su obra ha sido premiada en importantes
certámenes de arte internacionales como
la Bienal de Venecia (1966) o la Bienal de
Sao Paulo (1967), lo que contribuyó a su
nombramiento como caballero de la Orden
del Imperio Británico en 1972. Desde
1976, reside y trabaja en Nueva York.
Sus primeras obras revelan la
influencia del Expresionismo
Abstracto, especialmente Rothko,
cuya obra conoció en la Tate
Gallery de Londres en 1956.
La impronta de la escuela
norteamericana se aprecia en su
gusto por los formatos
desmesurados y su tendencia a la
abstracción. Lo que acerca su
obra al Pop Art es su interés por
el tema e imágenes que
representa en ella: publicidad,
revistas, productos de consumo.
Realizó su primera exposición
individual en la Green Gallery de
Nueva York en 1961. Presentó
lienzos de gran formato en los
que el artista presentaba objetos
banales, pero demostrando una
preferencia hacia la abstracción RICHARD SMITH: “Marilyn Art”, 1959
RICHARD SMITH: "Panatella”, 1961
RICHARD SMITH: “PM Zoom”, 1963
RICHARD SMITH: “Papel de regalo”, 1963
RICHARD SMITH: "Piano“, 1963
RICHARD SMITH: “A Whole Year
and Half a Day IX”, 1966
“Sin
título”, 1964
“PTO
Apollinaire”
1968
RICHARD SMITH: “Sin título”, 1971-72
RICHARD SMITH:
“Small Blue”, 1977
RICHARD SMITH:
“Small Yellow”, 1977
Artista inglés (1937) afincado en Los Ángeles. Pintor,
ilustrador, dibujante y escenógrafo es considerado uno
de los artistas más influyentes del s. XX. Empezó a
pintar en el Royal College de Londres, adonde llegó en
1959 y donde sus obras empezaron a ser conocidas
entre crítica y público. En 1964 se instaló en California,
atraído por el ambiente efervescente de Los Ángeles.
Allí realizó buena parte de las obras que le han hecho
famoso en todo el mundo, de carácter marcadamente
naturalista y realista, como sus famosas piscinas
californianas. Fue profesor en las universidades de
Iowa, Colorado y California, y a fines de los sesenta
empezó a experimentar con la fotografía. Entre 1973 y
1975 residió en París, donde diseñó escenografías,
experimentó con nuevas técnicas de grabados y, tras
una década utilizando pintura acrílica, retomó el óleo.
En los ochenta, utilizó la técnica del fotocollage y
volvió a la pintura, y en los noventa y hasta la
actualidad ha seguido experimentando con las nuevas
tecnologías, especialmente con el iPhone y el iPad,
instrumentos que ha incorporado a su trabajo como
nuevos y revolucionarios medios de expresión.
El artista pop más importante de la
segunda generación, aunque él mismo se
considera situado en la periferia del
movimiento. Sus obras de la década de
1960, como la serie sobre piscinas de Los
Ángeles, están pintadas en un estilo
deliberadamente ingenuo y colorista, con
una temática extraída de la cultura popular.
HOCKNEY: "Hombre en un museo", 1962
Hockney: "Rocky mountains and Tired Indians", 1964
Hockney: "Hombre duchándose en Beverly-Hills", 1964
Hockney: "Olympic Blvd", 1964
DAVID HOCKNEY: "Retrato rodeado de artefactos artísticos", 1965
Hockney: “Piscina en Holliwood", 1964
DAVID HOCKNEY: “Ama de casa de Beverly Hills”, 1966
Hockney: “Sunbather", 1966
Hockney: “Sunbather", 1966
DAVID HOCKNEY:
“Nick Wilder”, 1966
DAVID HOCKNEY: “Una gran salpicadura”, 1966
“El tema de agua
propicia un cambio
drástico en su
carrera, que
evolucionará de una
modernidad afectada
en sus inicios a
dominios más fríos.
La pintura al óleo,
material demasiado
exigente, se convierte
en este preciso
momento en una
traba para la mano
rápida, que pide
grandes superficies
geométricas de pocos
tonos y colores vivos
según dicta la
realidad que va a ser
pintada…
HOCKNEY: " A Bigger splash", 1967
… La pintura acrílica… seca
mucho más rápido, permite
menos sutilezas, pero se
deja extender mansamente
en superficies homogéneas
como las que necesita
Hockney, como las de ahí
fuera. Viendo las fotos que
ya por estas fechas, toma
con su Polaroid, Hockney
parece decirse a sí mismo
“¡no toques nada!”.
California es
suficientemente atractiva
por sí misma.
(…) Hockney se zambulle así
a placer en su tema favorito
de estos años…
FRANCISCO J.R. CHAPARRO
(DESCUBRIR EL ARTE, nº 126)
DAVID HOCKNEY: “Peter getting out of Nick's pool”, 1966
En la terraza de una mansión brilla el agua de una piscina. Un hombre se lanza al agua
en la quietud de un ambiente relajado. Todo conduce al placer de los sentidos y el goce
vital. Esta es la esencia de la pintura de Hockney que le hizo internacionalmente
conocido en la década de los sesenta. El uso de colores intensos y planos junto al
dominio de la composición dan a su obra la brillantez de las mejores producciones pop.
DAVID HOCKNEY: “Fred and Marcia weisman”, 1968
DAVID HOCKNEY: “Retrato de artista ONU”, 1971
HOCKNEY: " A Lawn Being Sprinkled", 1967
DAVID HOCKNEY: “Christopher Isherwood y Don Bachardy”, 1968
DAVID HOCKNEY: “Sr y Sra Clark y Percy ”, 1970
DAVID HOCKNEY: “Cartel olímpico
para los Juegos de Munich”, 1972
DAVID HOCKNEY: “Beach Umbrella”, 1971
DAVID HOCKNEY: "Dos sillas“, 1972
DAVID HOCKNEY: “Mis padres”, 1977
DAVID HOCKNEY: “Modelo con Autorretrato Inacabado”, 1977
DAVID HOCKNEY:
“Nichols Canyon”, 1980
“Yo persigo lo que
siento. Esencialmente,
amo al mundo, creo
que es bello. Pienso
que el proceso de mirar
el mundo es bello y si
puedo indicárselo a la
gente a través de mi
trabajo, lo hago; si falta
algo, que así sea, pero
es noble perseguir lo
que uno siente.“
DAVID HOCKNEY
David Hockney: ” Three Chairs with a Section of a Picasso Mural”, 1998
DAVID HOCKNEY: “La llegada de la primavera en WOLDGATE, EAST YORKSHIRE”, 2011
“Hockney regresó a Inglaterra a principios de 2002. Tras más de 20 años viviendo en Los
Ángeles, se sumergió de lleno en una húmeda primavera londinense cuando Lucian Freud
le pidió que posara para él. Fue entonces, al atravesar por las mañanas Holland Park para
acudir al estudio de Freud, cuando se dio cuenta de que echaba de menos la lluvia y
observar cómo florecen los campos, los árboles. La evolución del paisaje a través de los
largos inviernos y veranos y los cortos otoños y primaveras.” JULIA LUZÁN. EL PAÍS
"Etiquetado inicialmente como artista pop, Hockney se vincula en la
actualidad a la Escuela de Londres, concepto que empleó por primera vez,
a mediados de los años setenta el pintor Kitaj para describir el notable
abanico de pintura figurativa que había presidido la escena londinense
desde finales de los años cuarenta, a pesar del dominio internacional de la
abstracción. Sin embargo, ninguna de estas clasificaciones le hace justicia.
Ni siquiera en los años sesenta, Hockney se sintió cómodo con la etiqueta
de artista pop. Sus preocupaciones eran excesivamente personales y su
enfoque demasiado idiosincrásico para encajar en ella. Y nunca demostró
sentir la sana preocupación por el sudor y la materia física que caracteriza
la obra de muchos pintores de la Escuela de Londres... Hockney y Kitaj
tendieron a dar un enfoque gráfico a sus cuadros y se influyeron
mutuamente durante un tiempo"
JON THOMPSON: "Cómo leer la pintura moderna"
“Siempre he creído que los grandes artistas
son aquellos que osan dar derecho de
hermosura a cosas tan naturales que,
después obligan a decir a quien las ve:
“¿Cómo no había yo comprendido hasta
ahora que era tan hermoso…?"
ANDRÉ GIDE
FUENTES
http://www.arteseleccion.com/maestros-es/segal-george-30
http://www.picassomio.es/george-segal.html
http://www.epdlp.com/pintor.php?id=6565
http://cultura.elpais.com/cultura/2014/06/06/actualidad/1402076484_159992.htmlht
tp://www.thedranggallery.com/downloads/Blakecatalogue.pdf
http://www.thedranggallery.com/index.php/artists/sir-peter-blake
http://www.20minutos.es/fotos/artes/peter-blake-recrea-a-dylan-thomas-
10012/?formato=mosaico#xtor=AD-15&xts=467263
http://www.disturbis.esteticauab.org/DisturbisII/Indice_13_files/Kitaj,otra%20vida%
20en%20Sant%20Feliu.pdf
TIRMAN OSTERWOLD: “POP ART”. Edit. Taschen
NIKOS STANGOS: “Conceptos de arte moderno: Del Fauvismo al posmodernismo”
JUAN F. RUIZ (revista MEMORIA)
PATRICIA TUBELLA: “La última palabra del pope del pop”, elpais.com
KLAUS HONNEF: “Pop Art”. Taschen
GINA MARANTO: “RB Kitaj y el arte de la memoria”
FRANCISCO J.R. CHAPARRO (DESCUBRIR EL ARTE, nº 126)
JON THOMPSON: "Cómo leer la pintura moderna“ Edit. Electa
RUHRBERG, SCHNECKENBURGER, FRICKE, HONNEF: “Arte del siglo XX”. Edit. Taschen WILL
GOMPERTZ: "Qué estás mirando?...Edit. Taurus
FLAMINIO GALDONI: “ART. Todos los movimientos del siglo XX” Edit. Skira
STEPHEN FARTHING: “ARTE. TODA LA HISTORIA”. Edit. Blume

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POP ART EN INGLATERRA

  • 1.
  • 2. 1945: línea divisoria entre el desarrollo de la vanguardia artística y las múltiples tendencias postvanguardistas. Fuerte cambio en el panorama político y social: No se puede hablar de una total ruptura con las vanguardias históricas del periodo de entreguerras.
  • 3. que creará su propio público y su propia clientela especializada. Estas galerías tienen unas reglas de mercado y, en algunos casos, se encuentran más cerca del marketing de empresa que de los valores propiamente artísticos. Estamos ahora muy como el Museo de Arte Moderno de Nueva York, el de París o el de Roma, el Museo Salomón Guggenheim de Nueva York, la exposición de la Biennale Internationale de Venecia o la Bienale de París. Actualmente, España se ha incorporado a este circuito internacional con la Exposición Internacional Arco.
  • 4. La década de los sesenta fue un periodo crucial en el desarrollo y evolución del arte contemporáneo. y se produce la mayor mutación en la Historia del arte contemporáneo. El Informalismo se había convertido prácticamente en un academicismo reiterativo, razón que marcó su declive y con él el de las diferentes tendencias de vanguardia que habían dominado el siglo XX. Frente a esta situación surgen diversas tendencias como respuesta: que se entendió como una crisis de lo abstracto. frente a la falta de expresión de la abstracción refleja la realidad de la nueva cultura de masas a través de sus objetos. comprensibles y críticos frente a la falta de contenidos del Informalismo. Esta encrucijada de estilos, junto al definitivo traslado del foco artístico desde París a Nueva York, hacen que la década de los sesenta sea un periodo crucial para el arte en el que si aún se mantiene el mito de la vanguardia, comienza a despuntar la Posmodernidad que aflorará ya en la década siguiente.
  • 5. ESTEBAN VICENTE: “nº 11”, 1960 LUCIO FONTANA, “Concepto espacial”, 1962 Segundas vanguardias: se va perdiendo la figuración, la referencia a lo real. Avance hacia el arte más conceptual de la postmodernidad LUCIAN FREUD: “Interior en Paddington”,1951 ANDY WARHOL: “”Campbell Soup”, 1969 YVES KLEIN: “Venus blue”, 1961 BRIDGET RILEY: “Fiesta”
  • 6. Más tarde se amplió su uso para abarcar la actividad de aquellos artistas que empleaban imágenes populares dentro de un contexto de “arte culto” o de “élite”. No es un arte dirigido al pueblo, sino que toma de él, de sus intereses, la temática. nacido en las grandes urbes y ajeno totalmente a la naturaleza. El Pop crea obras de arte a partir de elementos preexistentes casi exclusivamente, donde la contribución del artista estaría más en los aspectos técnicos y en el hecho de establecer conexiones entre ellos, yuxtaponiéndolos, que en hacer objetos nuevos.
  • 7. Utiliza las imágenes conocidas con un sentido diferente para lograr una nueva estética o alcanzar una postura crítica de la sociedad de consumo. usan imágenes como elementos prestados de los medios de comunicación utilizan los propios objetos de consumo Este arte suponía una nueva indagación de un aspecto olvidado de la realidad que , hilo conductor que une al Dadaísmo, al Surrealismo y al Pop Art.
  • 8. HAMILTON: “Pero, ¿ qué es lo que hace a los hogares de hoy día tan diferentes, tan atractivos?”, 1956 PAOLOZZI: “I was a rich man's plaything”, 1947
  • 9. (…) La moda comenzó en lo más alto de una estructura social por completo rígida, y poco a poco se fue filtrando hacia abajo, volviéndose menos elaborada y menos elegante a medida que lo hacía. La elaboración y el estilo fueron, de hecho, casi lo mismo y mucha gente no tenía tiempo ni dinero para ser elegante en absoluto. La máquina cambió esta situación. Produjo más dinero y más tiempo libre, y al mismo tiempo impuso una lógica propia. Si el hombre quería cosas hechas a máquina, era esencial, desde el punto de vista económico, que estas se hicieran en cantidad. Se descubrió que la moda suministraba un ímpetu poderoso donde la máquina estaba involucrada. Las cosas se pasaban de moda con mucha más rapidez que la que se gastaban. La moda aceleró el proceso de sustituir, y ayudó a mantener la industria en funcionamiento. Al mismo tiempo el proceso de democratización condujo al sentimiento a que todo el mundo tiene derecho a ser elegante si lo desea.” NIKOS STANGOS: “Conceptos de arte moderno: Del Fauvismo al posmodernismo”
  • 11. . Merce Cunningham Dance Company performing Minutiae (1954) ante una obra de Rausenberg TIRMAN OSTERWOLD: “POP ART”. TASCHEN El rock y los Beatles ponen la banda sonora al arte pop en Inglaterra. Las relaciones son muy estrechas: PETER BLAKE hace la portada de “Sargent Pepper’s”
  • 12. “La conducta heterodoxa y provocativa, la conmoción y la alteración de lo cotidiano, la ruptura de los tabúes y el final de la mojigatería formaban parte de esta contracultura. Este proceso puso en marcha la inversión de los valores en las relaciones humanas y cuestionó el tradicional reparto de papeles: la educación antiautoritaria, la emancipación de la mujer, las nuevas estructuras profesionales y la liberación de la sexualidad, se desarrollaron con arreglo a esta “revolución cultural”, se acabó el jugar al escondite con los pósters de chicas y las revistas dudosas (Playboy): Un nuevo sistema de comunicación surgió a través de los periódicos marginales, los fan- magazine, los pósters, los carteles, las octavillas, etc.” TIRMAN OSTERWOLD: “POP ART”. TASCHEN
  • 13. El pop art, sentenció el veterano dadaísta , Según Richter, el pop art no era más que un estilo derivativo, neodadaísta. Sin embargo, la crítica de las condiciones sociales y políticas existentes, o de intentar mejorarlas mediante la protesta artística, estaba muy lejos de las mentes de los protagonistas del pop art. Así, Richter criticó una falta de compromiso cuando se había pretendido que hubiera alguno.
  • 14.
  • 15. "A mediados del siglo XX la primacía de la alta cultura sobre la popular comenzaba a disolverse de manera irreversible. La vanguardia histórica estaba dando paso a sonidos, imágenes y palabras que se originaban en la publicidad y en los mass-media. Los temas generales del Pop Art eran la subcultura, la cultura popular, las imágenes de los medios de comunicación, las nuevas tecnologías, el diseño, la industria de consumo y la interrelación de estas manifestaciones y su influencia sobre el hombre. Los orígenes del arte pop se encuentran en el dadaísmo y su poca importancia puesta en el objeto de arte final. Sin embargo, el Arte Pop descarga de la obra de arte toda la filosofía anti-arte del Dadá y encuentra una vía para construir nuevos objetos a partir de imágenes tomadas de la vida cotidiana, al igual que Duchamp había hecho con sus ready-mades. En cuanto a las técnicas, también toma del dadaísmo el uso del collage y el fotomontaje.“ JUAN F. RUIZ (revista MEMORIA)
  • 16. Artistas que, según el crítico, Alloway, “no sentían el disgusto por la cultura comercial que sentía la mayoría de los intelectuales, sino que la aceptaban como un hecho, la discutían en detalle y la consumían con entusiasmo” Aparece en los años sesenta mostrándose más extrema y radical en sus planteamientos. Las características pop se dan menos definidas y agresivas que en los otros artistas. A diferencia del estilo más romántico, sentimental y humorístico de Inglaterra, los artistas norteamericanos produjeron obras de mayor fuerza y agresividad.
  • 17. PATRICK CAULFIELD: "Cerámica", 1969 PAOLOZZI: I was a rich man's plaything, collage de 1947, que se ha considerado como la primera muestra real del Pop Art PETER BLAKE'S Mystery Tour KITAJ: "The Refugees", 1983 RICHARD SMITH: “Piano”, 1963 A. JONES: ”Secretarias”, 1972 HOCKNEY: “Two deck chairs “, 1972 RICHARD HAMILTON: "The Solomon R. Guggenheim, 1965
  • 18. Richard Hamilton Richard Smith El arte pop temprano de Inglaterra se puede considerar como una serie de ideas alimentadas por la cultura popular norteamericana vista desde lejos mientras que los artistas norteamericanos estaban inspirados en la experiencia de vivir dentro de dicha cultura.
  • 19. En 1952 un grupo de artistas, arquitectos e intelectuales forman el Independent Group, dentro del Institute of Contemporary Art de Londres, que se había creado en 1947 (por Herbert Read) como centro de debate. En el Independent Group estaban Hamilton y Paolozzi, los arquitectos Smithson, Banham (historiador del arte), el crítico Alloway y algunos músicos. En las discusiones se hablaba de los nuevos medios, las películas de serie B, la tecnología, la filosofía (Mc Luhan), la moda, la música pop y muy poco de arte (sólo una conferencia sobre expresionismo abstracto). Sin preocuparse de las diferencias entre las artes, la tecnología y las imágenes de la cultura popular.
  • 20. Algunos artistas se dieron cuenta de que la cultura cada vez estaba más influenciada por los medios de masas, las tecnologías y los mecanismos civilizadores, y que este proceso también estaba ligado a una apreciable consolidación del americanismo en Europa. Este cambio cultural ya no concordaba con el introvertido y expresivo estilo abstracto de la pasada generación de artistas en Inglaterra representada por Henry Moore, Graham Sutherland, Bárbara Hepworth, etc. Desde el debate, toman conciencia de que la cultura establecida hasta entonces ya no es válida e intentan buscar una postura alternativa para comprender los problemas de la cultura contemporánea y satisfacer las exigencias de la nueva época. Así Richard Hamilton y Eduardo Paolozzi inician el Pop Art londinense.
  • 21. Pintor británico (Londres 1922-2011), uno de los iniciadores del Pop Art inglés. A los dieciséis años entra en la Royal Academy of Art para cursar estudios de pintura durante dos años. Entre 1941 y 1945 fue delineante técnico y en 1950 realiza su primera exposición en solitario presentando una colección de aguafuertes. Admirador de la obra de Duchamp. Con claras influencias de Cézanne, el cubismo, el futurismo y la cronofotografía, se interesa por el movimiento y la perspectiva. En 1952 imparte clases de tipografía y diseño industrial en la Escuela Central de Arte y Diseño de Londres. Fue uno de los fundadores del Independent Group. Se convirtió en el máximo impulsor en Inglaterra de este nuevo arte nacido de lo urbano, provocador, cargado de humor, colores chillones... En 2007 la ciudad de Fráncfort le otorgó el Premio Max Beckmann. Fue el diseñador de la cubierta del White Album de The Beatles, en 1968. Hamilton produjo series exquisitas de pinturas, dibujos e impresiones que abordan temas como el glamour, el consumismo, la mercancía y la cultura popular. En 2009 edita con Ferran Adrià el libro “Comer para pensar. Pensar para comer”, sobre el trabajo en el Bulli. Richard Hamilton en su estudio en Oxfordshire 2003
  • 22. “Por lo general se acepta que la primera obra verdadera de pop art que se hizo en Gran Bretaña fue el collage de Richard Hamilton “Sencillamente, ¿qué hace que los hogares de hoy sean tan diferentes, tan llamativos?” Se realizó para una exposición llamada “Esto es el mañana”, celebrada en Whitechapel Art Gallery en 1956. El primer gran impacto que causó el pop en el público británico fue en la “Exposición de contemporáneos jóvenes” de 1961, que incluía obras de David Hockney, Derek Boshier, Allen Jones, Peter Phillips y R.B. Kitaj, y estableció a una generación entera de artistas jóvenes. En el mismo año Peter Blake hizo su primera exposición en el Institute of Contemporany Art.” NIKOS STANGOS: “Conceptos de arte moderno: Del fauvismo al posmodernismo”
  • 23. Esta obra es una auténtica declaración de principios para el Pop Art inglés. En ella se encuentran presentes muchos de los elementos de la cultura trivial americana: una chica de revista con la pantalla de una lámpara como sombrero, un culturista, un televisor, un emblema de la Ford, un cartel de cómic, una aspiradora, un cartel de cine, un retrato de un antepasado centenario y un enorme chupa-chups con la inscripción ‘pop', sostenido por el culturista a modo de raqueta de tenis, todo ello bajo un techo que no es más que el planeta Tierra. HAMILTON: “Pero, ¿ qué es lo que hace a los hogares de hoy día tan diferentes, tan atractivos?”, 1956
  • 24. Parte de la instalación “Fun house” de la muestra “THIS IS TOMORROW” en 1956 “Fun House”, instalación en la que los visitantes de la exposición pueden deambular por salones y pasillos de una vivienda diseñada por Hamilton y decorada con carteles, revistas y otros elementos de época y con una proyección continua en cine de experimentos realizados por el artista.
  • 25. RICHARD HAMILTON: “Para una verificación definitiva de las nuevas tendencias en la ropa y accesorios masculinos”, 1960
  • 26. RICHARD HAMILTON: “ Adonis in Y fronts”, 1963
  • 27. RICHARD HAMILTON: “Interior II”, 1964. Collage. 121 x 162 cm.
  • 28. Marcel Duchamp: “El Gran vidrio”, reconstrucción de Richard Hamilton, 1965-66. Para Hamilton fue decisiva la influencia de Duchamp. Este fue el primero en exponer objetos cotidianos, fabricados en serie, en galerías y museos, y Hamilton le rindió su propio homenaje, primero, en 1960 con una versión tipográfica de la Caja verde, y más tarde con una réplica del Gran vidrio.
  • 29.
  • 30. RICHARD HAMILTON: “D’aprés Marcel Duchamp” 1971
  • 31. RICHARD HAMILTON: "The Solomon R. Guggenheim”, 1965 "Guggenheim" (cromo), 1970 Las creaciones de Richard Hamilton se inspiran en la industria del ocio y el consumo, en la publicidad y en la Historia del Arte. Siempre interesado por las nuevas tecnologías, trabaja a partir de imágenes emblemáticas que usa como espejos para criticar la saturación visual de la vida moderna. El suyo es un Pop culto y de hondo contenido intelectual.
  • 32. RICHARD HAMILTON: "The Solomon R. Guggenheim, 1967RICHARD HAMILTON: "The Solomon R. Guggenheim”, 1965-1966. Fibra de vidrio y celulosa, Sobre estas obras, Hamilton comentó: "Fue un intento de reflejar toda la actividad de la arquitectura en los confines de un panel de cuatro metros cuadrados."
  • 33. RICHARD HAMILTON: "The Solomon R. Guggenheim, 1965-66 Estas obras del Guggenheim tal vez son una ironía, entre el museo como obra de arte y la obra de arte como museo.
  • 34. No se trata de un homenaje a Marilyn sino un mero análisis intuitivo de los mecanismos a los que debía su éxito. RICHARD HAMILTON: “My Marilyn”, 1965
  • 36. RICHARD HAMILTON: ”Trafalgar Square”, 1967 Óleo y fotografía sobre tabla.. TEMAS: extraídos de la propaganda industrial, de la tecnología y de la ciencia ficción: coches cromados, aviones, anuncios fluorescentes de grandes comercios, tipografías chillonas, imágenes de bulevares, etc.
  • 37. Este cartel es uno de un grupo de pinturas y grabados que Richard Hamilton hizo después de que su marchante de arte Robert Fraser y Mick Jagger, cantante de los Rolling Stones, fueron arrestados (y en el caso de Fraser finalmente encarcelado) por la posesión de drogas en 1967. Richard Hamilton: “Durísimos 67”, Londres Aparecen esposados el galerista Robert Fraser y Mick Jagger
  • 38. RICHARD HAMILTON: “La Scala Milano”, 1989
  • 39. RICHARD HAMILTON: “Hotel Europa”, 1984 El collage fue utilizado por los dadaístas y los cubistas como medio para explorar las diferencias entre la representación y la realidad. En manos de los artistas pop se desarrolló como arte de “assemblage”.
  • 40. Richard Hamilton: “ ¿Qué es exactamente lo que hace a los hogares de hoy tan diferentes? ”, 1992 “Remake” de una imagen Hamilton creó originalmente en 1956 como parte de su contribución a la exposición colectiva This is Tomorrow celebró en la Whitechapel Art Gallery de Londres.
  • 41. RICHARD HAMILTON: « Hotel du Rhône », 2005
  • 42. Richard Hamilton: “La obra maestra desconocida”. Una pintura en tres partes, 2011 “La obsesión por el desnudo femenino, compartida con su héroe artístico Marcel Duchamp, el estudio constante del espacio y la perspectiva que definen un cuadro, la influencia de los clásicos en su obra más tardía que plasma en imágenes generadas por ordenador… (…) Una mujer desnuda se recuesta en el lecho bajo la mirada de tres personajes masculinos, los pintores Poussin, Courbet y Tiziano, en ese tríptico que plasma una historia corta (con el mismo título) firmada por Honoré de Balzac en 1831: el relato sobre un pintor del siglo XVII que trabaja incansablemente en el retrato de una mujer en busca de la representación perfecta. La obra maestra desconocida de Hamilton también podría verse, a decir de los expertos, como su respuesta a otro cuadro de Marcel Duchamp -Étant donnés, el último realizado por el artista francés y hoy propiedad del Museo de Arte de Filadelfia-, a quien siempre consideró su gran maestro.” PATRICIA TUBELLA: “La última palabra del pope del pop”, elpais.com
  • 43. Richard Hamilton: “La obra maestra desconocida”. Una pintura en tres partes - 1, 2011
  • 44. Desde 1947 hasta 1949 trabajó en París, donde recibió la influencia del surrealismo. A su regreso a Gran Bretaña se implicó abiertamente en el desarrollo del Pop Art. Galardonado en 1960 con el premio al mejor escultor de la Bienal de Venecia y en 1967 con el de la Exposición Internacional Carnegie de Pintura y Escultura Contemporáneas, de Pittsburg (Estados Unidos), Paolozzi expuso en museos y galerías de todo el mundo. Paolozzi, que fue coronado “Escultor de su Majestad” por la Reina Isabel II y recibió el título de Sir, diseñó a comienzos de los ochenta los mosaicos para la estación del metro de Tottenham Court Road, en el centro de Londres. Escultor y pintor escocés (1924- 2005), pionero del Pop Art en la década de 1950 y, desde entonces, uno de los artistas británicos más destacados. De padres italianos. Entre 1943 y 1947 estudió en las escuelas de arte de Edimburgo y de Slade. Uno de los fundadores del Independent Group, considerado como precursor del movimiento británico pop art de los 60.
  • 45. PAOLOZZI: “I was a rich man's plaything”, 1947 En 1947, Eduardo Paolozzi expuso su obra esta obra considerada por buena parte de la crítica como la obra pionera del Pop Art británico, a su vez precedente del Pop Art norteamericano de los años 60. Se podría considerar como una obra fundacional. Sin embargo, Paolozzi no aceptó plenamente este calificativo. Para él era una obra más próxima al Surrealismo que al propio Pop Art. En cualquier caso, la utilización de imágenes procedentes de los medios de comunicación de masas, el desenfado, el empleo de la yuxtaposición como recurso compositivo y la referencia a la técnica serigráfica, son evidentes motivos para mantener la relación entre esta obra y el Pop Art.
  • 46. PAOLOZZI: “Screenprint on paper from bunk”, 1948 A New Brand of Brilliance 1972
  • 47. PAOLOZZI: "Mr. Gromyko", 1950 “One Man Track Team”, 1953
  • 48. “Wittgenstein in New York from As is When", 1965EDUARDO PAOLOZZI: “Wittgenstein, soldado”, 1965 LUDWIG WITTGENSTEIN, filósofo austriaco. Paolozzi utiliza textos del filósofo en sus cuadros
  • 49. PAOLOZZI: “Fun Helped Them Fight”, 1972 PAOLOZZI: “2000 Horses and Turbo-powered”, 1972
  • 50. PAOLOZZI: “ Despegue”, 1972PAOLOZZI: “Refreshing and Delicious”, 1972
  • 51. Paolozzi diseñó la portada del álbum “Red Rose Speedway”
  • 52. Mosaicos de la estación de metro de Tottenham Court Road. Comienzos de los 80
  • 53. Estación de metro de Tottenham Court Road
  • 54. PAOLOZZI: “El último ídolo”, 1963 Aluminio y óleo. 244 x 61 x 11 cm. PAOLOZZI: “Robot”, 1956. Bronce con pátina marrón de oro. 48,3 cms
  • 55. Las esculturas de Eduardo Paolozzi nacen de su varia influencia que va desde el movimiento dadá y el surrealismo hasta la de sus propios compañeros de generación, precursores del pop art de los años sesenta, como Henry Moore. Michelangelo's 'David', 1987
  • 56. En la década de 1950 Paolozzi incorporó piezas de maquinaria a sus esculturas de bronce, mientras que su obra última incluye esculturas de formas abstractas gigantes, casi arquitectónicas, realizadas con extrañas combinaciones de formas mecanicistas. Entre estas composiciones cabe destacar la obra Río (1964-1965, Hunterian Art Gallery, Glasgow), una escultura de bronce fundida en seis secciones. PAOLOZZI :“Río”, 1964-1965, Hunterian Art Gallery, Glasgow
  • 57. PAOLOZZI: "Bring The Foot Of The Walk Home" A principios de 1960 Paolozzi desarrolló una nueva forma de crear su escultura mediante la colaboración con empresas de ingeniería industrial y, finalmente, el uso de aluminio.
  • 58. PAOLOZZI: “Vulcan”, 1998 - 1999 Esta impresionante escultura se encuentra en la Galería Nacional Escocesa de Arte Moderno. Llega desde la planta baja hasta el techo de la primera planta. Vulcano se muestra balanceando el martillo y marchando a través de la Gran Sala. Es mitad hombre y mitad máquina - un monumento a la era moderna.
  • 59. PAOLOZZI: “Isaac Newton" Biblioteca Nacional de Londres, 1995
  • 60. (Southampton, 1937) Pintor y escultor británico. Se formó en el Hornsey College y en el Royal College of Art de Londres. Junto con R. Hamilton, fue uno de los iniciadores del pop-art en su país. Su obra se caracteriza por la representación violenta e irónica de la realidad cotidiana. Posteriormente realizó muñecas de tamaño natural (Perfect Match, 1966-1967). Un tema dominante en su obra es todo lo relacionado con la sexualidad. Su trabajo en la década de los sesenta fue influenciado por la psicología y por la lectura de Nietzsche, Freud y Jung. En 1963 recibió el Premio de las Jeunes Artistes en la Bienal de París. En 1964 se trasladó a Nueva York y viajó por todo EE.UU.
  • 61. ALLEN JONES: “Hombre-Mujer”, 1963 Óleo sobre lienzo. 213 x 183 cm.
  • 62. ALLEN JONES: “Sun Plane”, 1963
  • 63. Allen Jones: ”Englische Graphik”, 1964-1966 Es característico de su obra el empleo de una gama cromática muy rica y exaltada, en la que distintas tonalidades de rojo suelen contrastar con verdes, amarillos o azules.
  • 64. Las esculturas de Jones retratan la belleza femenina. Piernas, maniquíes de cuerpos esbeltos y pinturas de siluetas delgadas destacan en su trabajo. Usa el arte pop para dar énfasis en la sexualidad: examina el deseo representando provocativas y explícitas imágenes de mujeres vistas a través de la fantasía de la publicidad y la imaginación masculina. Realiza escenas que llaman la atención sobre un erotismo eufórico y vacío con rasgos sadistas ALLEN JONES: “Table", 1969. Fibra de vidrio pintada, piel y cabello. Tamaño natural
  • 65. La trayectoria de Jones sufrió un cambio bastante profundo tras su estancia en EE.UU., durante 1965 y 1967, cuando se instaló en Nueva York. Sus temas se hicieron mucho más explícitos y el erotismo que emana de sus figuras femeninas resulta extraordinariamente patente. A fines de los años sesenta llegó incluso a realizar muebles Girl-Table en los que una figura femenina tridimensional, casi desvestida y ejecutada en fibra de vidrio, servía de pie a una mesa de cristal. A esta línea responden también carácter fetichista realizadas ya a comienzos de la década siguiente. ALLEN JONES: ”Abu Ghraib Coffee Table” resina moldeada, plexiglás.
  • 66. ALLEN JONES: “Silla”, 1969. Fibra de vidrio pintada, cuero y cabello. Tamaño natural
  • 67. ALLEN JONES: “Neither forget youre legs”, 1965
  • 68. ALLEN JONES: “Perfect match”, 1966-67 “En tres piezas montadas formando un tríptico vertical, el pintor presenta la imagen del ideal femenino según el deseo masculino en una época de transformaciones sociales y culturales. Es, al mismo tiempo, la imagen de los miedos ocultos Cada parte ha sido agudizada para representar las preferencias o psicosis individuales, de forma que podrían funcionar en solitario. La boca, y los pechos en la parte superior, caderas, nalgas, pubis y muslos en la parte central; y pantorrillas, tobillos y pies en el campo inferior. Los contornos muy definidos y con sombreados, subrayan el cliché y lo intensifican hasta la frontera de lo caricaturesco. El margen del cuadro está situado sobre la boca. El rostro no cuenta. Una minifalda enseña más de lo que esconde… “como en la vida real”. Las piernas se mueven en la técnica de reproducción del arte futurista, un guiño a Marcel Duchamp y su célebre “Desnudo bajando una escalera” (1912). (…) Los colores despliegan un estridente concierto visual muy a lo pop.. Sin duda, el pintor ha concebido una imagen fetiche moderna.” KLAUS HONNEF: “Pop Art”
  • 70. ALLEN JONES: “III”, 1976ALLEN JONES: “VI”, 1976
  • 73. ALLEN JONES: “City Shadow II”, 2003
  • 74. Artista inglés, (Dafford, Inglaterra, 1932). Formado en el Gravesend Technical College and School of Art y en el Royal College of Art de Londres. Ejerció la docencia en St´s Martin School of Art de Londres, la Walthamstow School of Art y el Royal College of Art. Perteneciente a la primera generación de artistas pop británicos, trabajó en artes gráficas y siempre mostró interés por la imaginería popular. Sus primeras obras, a mediados de los cincuenta, tenían el aspecto de los cartelones de feria que se podían encontrar en cualquier sitio. Blake se anticipó a los artistas Pop de Nueva York como Lichtenstein, Oldenburg y Andy Warhol. A diferencia de otros artistas de vanguardia de la época, como Hamilton y Paolozzi, que utilizaban recortes de imágenes de anuncios y revistas, Blake presentaba imágenes ready-made sin alterar. En 1975, fundo la Hermandad de los Ruralistas un grupo de siete pintores establecidos en West Country, que trabajaban y veraneaban juntos, con un interés común en el espíritu campestre. “Siempre emprendo mis obras como un viaje en el que explorarlo todo; como Alicia en el País de las Maravillas"
  • 75. Ganador en 1961 del primer premio en la galería de John Moore en Liverpool, gracias a su obra: ”Autorretrato con chapas”, desde entonces da sobradas muestras de un tremendo potencial creativo que pronto tendrá una notable repercusión. ”Autorretrato con chapas”, 1961PETER BLAKE: “Autorretrato”, 1949.
  • 76. PETER BLAKE: “Niños de las sesiones matinales de los cines ABC' 1960 En 1975, fundo la Hermandad de los Ruralistas un grupo de siete pintores establecidos en West Country, que trabajaban y veraneaban juntos, con un interés común en el espíritu campestre. Desde su época de estudiante su obra refleja un gran interés por el arte popular y el folclore. Sus primeras obras, realizadas en la década de 1950, sobre todo en paneles de madera envejecida, retratan niños con cómics y chapas, como por ejemplo, Niños leyendo cómics
  • 77. PETER BLAKE: “En el balcón” 1957 En esta obra, junto a un verdadero montón de símbolos alusivos a la época, Blake centra 27 variantes del tema del balcón, entre ellas el cuadro de Manet del mismo nombre y las fotografías de la familia real inglesa saludando desde el balcón de Buckingham place.
  • 78. PETER BLAKE: “The Toy Shop”, 1962 En su obra conviven las imágenes de los escaparates de juguetes con los pins, tebeos y pósters de los ídolos de la música pop o del cine. Sus composiciones, aparentemente naifs, revelan una actitud muy poco ingenua y en ellas se reúnen elementos cuidadosamente seleccionados por su significación.
  • 79. BLAKE: “Portrait of David Hockney in a Hollywood Spanish Interior”, 1965
  • 80. Artista prolífico, amante de la cultura popular, maestro del collage y referente obligado del Pop Art, posee además un extraordinario talento para el diseño que le ha otorgado un privilegiado puesto en la icónica industria musical. Así, las múltiples carátulas elaboradas para reputadas bandas o artistas como Paul Weller, The Who, The Beach Boys o The Beatles y su mítico álbum Sgt. Pepper´s Lonely Hearts Club Band en 1967 que le dio la fama. Realizó singles Live Aid en 1985.
  • 81. Peter Blake lleva a los espectadores a un viaje mágico en un viejo autobús. Él se une a personajes que han poblado su imaginación en los últimos años - Elvis, Ian Dury, Howerd Frankie y Kim Novak, entre otros. Profundamente enraizado en esta generación, su iconografía es un paradigma del pop en el sentido más difundido del término -estrellas de cine, como Kim Novak, cantantes como Elvis, grupos musicales, pop y jazz, comics…- Peter Blake's Mystery Tour
  • 82. Peter Blake: “Tuesday Weld. Kim Novak La fascinación por el coleccionismo y la preocupación por lo “efímero de la vida moderna” están presentes en su obra de finales de la década de 1950, en la que empezó a hacer collages y composiciones con tarjetas postales, fotografías e ilustraciones de actores y artistas pop contemporáneos, combinándolas con formas geométricas de brillantes colores. Peter Blake: “Bellas Bits Arte”
  • 83. PETER BLAKE: “Martes”, 1961 PETER BLAKE: “The Fine Art Bit”, 1959
  • 84. La fascinación por el coleccionismo y la preocupación por lo “efímero de la vida moderna” están presentes en su obra de finales de la década de 1950, en la que empezó a hacer collages y composiciones con tarjetas postales, fotografías e ilustraciones de actores y artistas pop contemporáneos, combinándolas con formas geométricas de brillantes colores.
  • 85. Portada del álbum Sgt. Pepper´s Lonely Hearts Club Band en actualizada en 2012 por el propio Blake
  • 86. Fila arriba: Amy Winehouse, Sir Paul Smith, Ian Curtis, Nick Park, Robin Day, Lucienne Day, Francis Bacon, Roald Dahl, Alfred Hitchcock, Lucian Freud, Kate Moss, Paul Weller, Sir Tom Stoppard, Danny Boyle, Sir Mick Jagger, Fanny Craddock, Mr Chow. Segunda fila: Martin Parr, Sir Tim Berners-Lee, John Peel, Sir Terence Conran, Robyn Hitchcock, JRR Tolkien, JK Rowling, Anish Kapoor, Mary Quant, David Bailey, Harold Pinter, David Chipperfield. Tercera fila: Agatha Christie, Barbara Hulanicki, John Hurt, Gavin Turk, Rick Stein, Sir Paul McCartney, Sir Jonathan Ive, Tracey Emin, Sir David Lean, Peter Saville, Sir David Attenborough, Bridget Riley, Lord Norman Foster, Justin De Villeneuve, Sir Ridley Scott, Sir Terrence Rattigan, Vidal Sassoon, Richard Curtis, Mark Hix. Fila al medio: Delia Smith, David Bowie, Twiggy, Audrey Hepburn, Gary Oldman, Damien Hirst, Stella McCartney, Mary McCartney, Alexander McQueen, Dame Vivienne Westwood, Dame Helen Mirren, Grayson Perry, Wreckless Eric. Fila quinta: Richard Rogers, Noel Gallagher, Dame Shirley Bassey, Jeremy King, Chrissy Blake, Sir Peter Blake, Chris Corbin, Rose Blake, Sir Elton John, Daisy Blake, Ian Dury, David Hockney. Fila abajo: Monty Python foot, Elvis Costello, Liberty Blake (con bandera), Victoria Vintage, Eric Clapton.
  • 87. The Who. Face Dances, 1981.
  • 88. Peter Blake, “No son modales para empezar, ya sabes, "dijo la Rosa”, 1970 SERIE ALICE ALICIA A TRAVÉS DEL ESPEJO Ilustraciones
  • 89. PETER BLAKE: “Bueno, esto es grandioso!, dijo Alice”, 1970-1971 PETER BLAKE: “…y los dos caballeros se sentaron y se miraron sin hablar”, 1970
  • 90. PETER BLAKE: “Justo en ese momento, de alguna manera u otra, comenzó a funcionar” 1970
  • 91. PETER BLAKE: “La Reunión” (o Have a Nice Day, el Sr. Hockney), 1981-1983 Reunión entre tres amigos, pintores británicos: Howard Hodgkin (izquierda), Peter Blake (centro) y David Hockney (derecha). La escena es una irónica reelaboración de Gustave Courbet de su obra "Bonjour Monsieur Courbet” que muestra al artista saludando a dos amigos. Blake se traslada este encuentro en el entorno urbano de Venice Beach, California. A diferencia de la vestimenta formal de Gran Bretaña, Hockney está en su elemento, vestido de manera informal entre las vallas, palmeras y hermosas patinadores
  • 92. GUSTAVE COURBET: "Bonjour Monsieur Courbet”, 1854 PETER BLAKE: “La Reunión” (o Have a Nice Day, el Sr. Hockney), 1981-1983
  • 93. PETER BLAKE: “Beduína”, 1964-1965 “Después de asistir al comienzo del Pop Art, después de haber tomado parte en su desarrollo y haber estado un poco a la cabeza del movimiento, me apresuro a añadir que he hecho una inversión perfecta, he vuelto a algo que es más o menos académico”. PETER BLAKE
  • 94. PETER BLAKE: “Tarzán, Jane, niño y chita”, 1966-1975 PETER BLAKE: “Muchacha en un campo de la amapola”, 1974
  • 95. PETER BLAKE: “Kate”, 2006. Acuarela
  • 96. “An Alphabet” de 2007, es una muestra de 26 serigrafías y muestra la fascinación de Sir Peter Blake con letras, fuentes y tipografía
  • 97.
  • 98.
  • 100. PETER BLAKE: “Río Támesis-Regatta”, 2012. Serigrafía
  • 101. “Dylan Thomas, Kim Novak & James Joyce in New York.” Digital lenticular
  • 102. "And when you think of all those babies she’s got". Una de las secuencias oníricas de la obra de Dylan Thomas según la interpretación de Peter Blake. 2013 Peter Blake recrea a Dylan Thomas. Peter Blake presenta 170 ilustraciones sobre “Bajo el bosque lácteo”, la pieza de radioteatro del escritor galés Dylan Thomas, de cuyo nacimiento se cumplen cien años en 2014.
  • 103. Rosie Probert. Rosie Probert, una de las protagonistas de la obra de Dylan Thomas, interpretada por el artista Peter Blake
  • 104. "Mother is making Welshcakes in the snow". El trabajo de Peter Blake para ilustrar la obra de Dylan Thomas empezó en 1986
  • 105. "The dead come out in their Sunday best". Ilustración de Peter Blake
  • 106. Pintor y grabador Inglés conocido por sus cuadros de arte pop. Patrick Caulfield estudió en la Chelsea School of Art de la década de 1950, y en el Royal College of Art desde 1960 hasta 1963, lugar en el que su obra quedó vinculada a la generación del pop art británico Entre sus compañeros de clase estaban David Hockney y RB Kitaj. Caulfield nunca se sintió cómodo en ese grupo, aunque compartía el interés de estos artistas por la imaginería banal y el kitsch comercial que relanzaba la cultura popular. Él se consideraba un pintor clásico de rigurosa normativa a semejanza del pintor que más admiraba, Juan Gris. Desde mediados de los años 1970 comenzó a incorporar elementos realistas en su trabajo.
  • 107. Esta pintura que es una transcripción de un cuadro de Delacroix, retrotrae al espectador a la destrucción total de la gran tradición clásica, pero lo hace de un modo indirecto, a través de un velo romántico, uniendo su sentimiento de pérdida con una dosis muy contemporánea de despreocupación.
  • 108. Patrick Caulfield y Delacroix, Grecia expirando sobre las ruinas de Missolonghi 1826 y 1963
  • 109. “El cubista clásico Juan Gris no comprende el mundo pop y los artistas pop no comprenden el mundo formalizado y cubista. Mediante la reducción de colores y las líneas a los hábitos representativos del mundo cotidiano, Caulfield retrata a un artista que, utilizando los instrumentos de la composición abstracta, precisamente ha intentado liberar al arte de estos elementos banales.” TILMAN OSTERWOLD
  • 110. PATRICK CAULFIELD: “ The Letter”, 1967
  • 111. PATRICK CAULFIELD: "Cerámica", 1969 Los objetos de cerámica en esta pintura se han representado desde diferentes puntos de vista en función de su situación en la composición general. Los que están en la parte inferior de la imagen están pintados como si se ve desde un punto de vista elevado, los que están cerca del centro parecen ser vistos desde el nivel del ojo y aquellos hacia la parte superior del lienzo se muestran desde abajo. Este dispositivo hace hincapié en el efecto global de la apilamiento de un gran número de objetos similares. Los contornos negros y colores fuertes son características de gran parte de la obra de Caulfield. El artista ha escrito de esta pintura que "fue una excusa para utilizar un montón de colores “.
  • 112. Caulfield realiza pinturas figurativas interpretando objetos sencillos. Normalmente utiliza tintas planas atravesadas por simples líneas. Algunas de sus obras están dominadas por una sola tonalidad. PATRICK CAULFIELD: “Bathroom Mirror”, 1968 PATRICK CAULFIELD: “ Interior: Morning”, 1971
  • 113. PATRICK CAULFIELD: “Interior: Night”, 1971 “Los cuadros de Caulfield, parecidos a ilustraciones, muestran que el Pop Art fue el último en poner fin a las esperanzas de un desarrollo artístico convincente y vanguardista. Las antiguas conquistas y modas artísticas son arrastradas por las exigencias del presente. El Pop Art abandona el desarrollo tradicional del arte y toma el camino del autoanálisis de un presente trivial percibido de una forma consciente.” TILMAN OSTERWOLD
  • 114. PATRICK CAULFIELD: « Les Demoiselles d'Avignon vues de derrière », 1999 Esta serigrafía es un juego de la famosa obra de Picasso que representa a las prostitutas, Les Demoiselles d'Avignon, que marcó el inicio del cubismo. Caulfield ha revertido la imagen de Picasso para que en lugar de ver a las mujeres de frente, se vea por la espalda. La reversión de esta imagen es a la vez un juego de palabras visual en el proceso de impresión, el cual invierte el diseño original y un juego de palabras verbal en el derrière palabra francesa que significa extremo posterior.
  • 115. (EE.UU, 1932-2007) RB Kitaj estudió en Londres en el RCA con un influyente grupo de estudiantes entre ellos David Hockney. Vive y trabaja en Los Angeles. Desde 1970, sus pinturas, dibujos y grabados se han concentrado en la forma humana. Basándose en su amplia lectura y la preocupación por la historia y la identidad judía, sus obras han sido descritas como "alegórico y descriptiva, tradicional y completamente modernista". Su importancia ha sido reconocida en tres exposiciones retrospectivas internacionales: • Ohio, EE.UU. 1951-1952 • Academia de Bellas Artes de Viena 1957- 1959 • Escuela Ruskin de Dibujo, Oxford 1959-61 Royal College of Art de Londres. En 1962 comenzaría a visitar España durante largas temporadas, sobre todo Cataluña y más concretamente el pueblo de Sant Feliu dónde en 1972 compró una casa, de manera que viajaría de forma intermitente a lo largo de la década siguiente.
  • 116. “Sus obras tienen vínculos con el pasado a través de una sorprendente variedad de referencias (Van Gogh, Giorgione, Miguel Ángel, Cezanne, Goya, Bacon, y Degas…); a la literatura y la filosofía (Kafka, Ramón Lull, Erasmus, Nietzsche); a los acontecimientos notables (el Holocausto, el asesinato de John Kennedy, el auge del fascismo); a los paisajes (de Londres en las orillas del lago Erie, a Cataluña, al puerto griego de El Pireo). Estas no son conexiones triviales, forjadas por el bien de un tradicionalismo vacío o al servicio de un sesgo conservador; más bien, nos permiten saber quiénes somos en el aquí y ahora, como individuos y como miembros de un todo mayor.” (política). GINA MARANTO: “RB Kitaj y el arte de la memoria” “La lucha del pueblo español por su libertad” Del conjunto "En nuestro tiempo“, 1969 "El espíritu del ghetto"
  • 117. R.B. KITAJ: “El ascenso del fascismo”, 1975-78
  • 118. R.B. KITAJ: “¿Conoce usted la tierra, donde crecen los limoneros?”, 1962 Kitaj trasladará su reflexión sobre la Guerra Civil a Londres. Este mismo año ejecutará la emblemática Kennst Du das Land?, que representa a un grupo de soldados sumergidos en una especie de mar nevado, donde indaga sobre las terribles consecuencias del conflicto bélico para ambos bandos.
  • 119. R.B. KITAJ: “Desmontaje de la tienda roja”, 1963
  • 120. R.B. KITAJ: “Synchromy con FB” 1968-1969 R.B. KITAJ: “La Pandilla de Ohio”, 1964
  • 121. R.B. KITAJ: “Juan de la Cruz”, 1967
  • 122. R.B. KITAJ: "El otoño del centro de París", 1972-73 Muchas de las obras tempranas de Kitay, se apoyan en las yuxtaposiciones sorprendentes del collage -con marcada discordancia en la inclusión de elementos-, con el propósito de producir un arte que exprese sin adornos visuales los vagabundeos de la mente humana. Otoño en el centro de París. A la manera de Walter Benjamín. (1972-1973) es quizás la primera materialización pictórica de sus preocupaciones a partir de los años setenta: temas relacionados con el exilio y la identidad y versiones emotivas de acontecimientos de la historia moderna, como el Fascismo y Holocausto.
  • 123. R.B. KITAY: "Si no, no", 1975-1976
  • 124. R.B. KITAY: " Retrato de Walter Lippman", 1975-1976
  • 125. R.B. KITAY: "Esmirna griega (Nikos)", 1976-1977 R.B. KITAY: "La hispanista” (Nissa Torrents) R.B. KITAY:“El orientalista” La hispanista (Nissa Torrents que ejerció como profesora de literatura y cine latinoamericano en el University Collage de Londres) representa el compromiso de Kitaj con España. Pertenece a una serie de retratos de una sola figura, todos realizados sobre lienzos de las mismas dimensiones alargadas, que muestra a personajes tanto reales como imaginarios, que para Kitaj encarnaban una idea de exilio o desplazamiento. Este retrato se puede considerar como el fin de los temas españoles dentro de la pintura de Kitaj. Ya que a partir de 1980, tras su primera visita a Israel, decidió buscar su propia identidad dentro del judaísmo y no a través de otras culturas.
  • 126. “Marynka Smoking” 1980 En 1974, impresionado por la obra de Edgar Degas, adopta el pastel como técnica para una serie de estudios del cuerpo humano del natural, que aportan a su producción una sensualidad nueva y un claro erotismo. R.B KITAJ:“Mary An”, 1980
  • 127. R.B.KITAJ: “Father reading Tom Sawyer to his son”, 1994
  • 129. R.B. KITAJ: “Apotheosis of Groundlessness”, 1964
  • 130. R.B. KITAJ: “El hombre de los bosques y el gato de las montañas”, 1973
  • 131. R. B. KITAJ: “The Architects”, 1981 "Este retrato de mi amigo Nikos Stangos inspirado en su compatriota el poeta griego Kavafis y en sus descripciones sobre su paseo diario por los burdeles del puerto de Alejandría. Yo acababa de volver a Londres de mi único viaje a Grecia, que duró muy pocos días, y entonces él posó para mí en esa actitud de paseante. Le conté a Stangos mi extraño y no consumado vagar por el puerto de El Pireo, imitando a Kavafis. Por tanto el cuadro se refiere a los dos poetas y a mí mismo". R. B. KITAJ“El griego de Esmirna”, 1976-77
  • 132. R.B. KITAY: "Cecil Court, Londres WC2 (Los Refugiados)", 1983-1984
  • 134. R.B. KITAY: “Greenwich Village”, 1990-93
  • 136. Pintor y director de cine británico nacido en Lechworth (Herts) el 27 de octubre de 1931. Comenzó sus estudios de arte en la Escuela de Luton, en Londres. Tras el servicio militar en las Fuerzas Aéreas, Smith retomó sus estudios de pintura en 1952 y en 1954 amplió éstos en la Escuela de Arte de St. Alban, donde ya manifestó su interés por la publicidad, el diseño comercial y las teorías sobre los medios de masas elaboradas por esos años por Marshall McLuhan. Tras su paso por esta institución, Smith se matriculó en el Real Colegio de Arte de Londres. Allí compartió clases de pintura con otros representativos pintores del Pop Art británico, como Joe Tilson y Peter Blake. Con ellos expuso en la muestra celebrada en las galerías RBA que se celebró en 1954 y que llevó por título "Jóvenes contemporáneos", exposición que presentó los trabajos de una serie de jóvenes artistas del Reino Unido que tenían como nexo común su interés por el papel de los medios de masas y la sociedad de consumo en el desarrollo del individuo. En 1957 realizó un breve viaje a Italia y a Estados Unidos e inició su labor como docente en el Colegio de Arte Hammersmith de Londres. Su obra ha sido premiada en importantes certámenes de arte internacionales como la Bienal de Venecia (1966) o la Bienal de Sao Paulo (1967), lo que contribuyó a su nombramiento como caballero de la Orden del Imperio Británico en 1972. Desde 1976, reside y trabaja en Nueva York.
  • 137. Sus primeras obras revelan la influencia del Expresionismo Abstracto, especialmente Rothko, cuya obra conoció en la Tate Gallery de Londres en 1956. La impronta de la escuela norteamericana se aprecia en su gusto por los formatos desmesurados y su tendencia a la abstracción. Lo que acerca su obra al Pop Art es su interés por el tema e imágenes que representa en ella: publicidad, revistas, productos de consumo. Realizó su primera exposición individual en la Green Gallery de Nueva York en 1961. Presentó lienzos de gran formato en los que el artista presentaba objetos banales, pero demostrando una preferencia hacia la abstracción RICHARD SMITH: “Marilyn Art”, 1959
  • 139. RICHARD SMITH: “PM Zoom”, 1963 RICHARD SMITH: “Papel de regalo”, 1963 RICHARD SMITH: "Piano“, 1963
  • 140. RICHARD SMITH: “A Whole Year and Half a Day IX”, 1966 “Sin título”, 1964 “PTO Apollinaire” 1968
  • 141. RICHARD SMITH: “Sin título”, 1971-72
  • 144. Artista inglés (1937) afincado en Los Ángeles. Pintor, ilustrador, dibujante y escenógrafo es considerado uno de los artistas más influyentes del s. XX. Empezó a pintar en el Royal College de Londres, adonde llegó en 1959 y donde sus obras empezaron a ser conocidas entre crítica y público. En 1964 se instaló en California, atraído por el ambiente efervescente de Los Ángeles. Allí realizó buena parte de las obras que le han hecho famoso en todo el mundo, de carácter marcadamente naturalista y realista, como sus famosas piscinas californianas. Fue profesor en las universidades de Iowa, Colorado y California, y a fines de los sesenta empezó a experimentar con la fotografía. Entre 1973 y 1975 residió en París, donde diseñó escenografías, experimentó con nuevas técnicas de grabados y, tras una década utilizando pintura acrílica, retomó el óleo. En los ochenta, utilizó la técnica del fotocollage y volvió a la pintura, y en los noventa y hasta la actualidad ha seguido experimentando con las nuevas tecnologías, especialmente con el iPhone y el iPad, instrumentos que ha incorporado a su trabajo como nuevos y revolucionarios medios de expresión. El artista pop más importante de la segunda generación, aunque él mismo se considera situado en la periferia del movimiento. Sus obras de la década de 1960, como la serie sobre piscinas de Los Ángeles, están pintadas en un estilo deliberadamente ingenuo y colorista, con una temática extraída de la cultura popular.
  • 145. HOCKNEY: "Hombre en un museo", 1962
  • 146. Hockney: "Rocky mountains and Tired Indians", 1964
  • 147. Hockney: "Hombre duchándose en Beverly-Hills", 1964
  • 149. DAVID HOCKNEY: "Retrato rodeado de artefactos artísticos", 1965
  • 150. Hockney: “Piscina en Holliwood", 1964
  • 151. DAVID HOCKNEY: “Ama de casa de Beverly Hills”, 1966
  • 155. DAVID HOCKNEY: “Una gran salpicadura”, 1966 “El tema de agua propicia un cambio drástico en su carrera, que evolucionará de una modernidad afectada en sus inicios a dominios más fríos. La pintura al óleo, material demasiado exigente, se convierte en este preciso momento en una traba para la mano rápida, que pide grandes superficies geométricas de pocos tonos y colores vivos según dicta la realidad que va a ser pintada…
  • 156. HOCKNEY: " A Bigger splash", 1967 … La pintura acrílica… seca mucho más rápido, permite menos sutilezas, pero se deja extender mansamente en superficies homogéneas como las que necesita Hockney, como las de ahí fuera. Viendo las fotos que ya por estas fechas, toma con su Polaroid, Hockney parece decirse a sí mismo “¡no toques nada!”. California es suficientemente atractiva por sí misma. (…) Hockney se zambulle así a placer en su tema favorito de estos años… FRANCISCO J.R. CHAPARRO (DESCUBRIR EL ARTE, nº 126)
  • 157. DAVID HOCKNEY: “Peter getting out of Nick's pool”, 1966
  • 158. En la terraza de una mansión brilla el agua de una piscina. Un hombre se lanza al agua en la quietud de un ambiente relajado. Todo conduce al placer de los sentidos y el goce vital. Esta es la esencia de la pintura de Hockney que le hizo internacionalmente conocido en la década de los sesenta. El uso de colores intensos y planos junto al dominio de la composición dan a su obra la brillantez de las mejores producciones pop.
  • 159.
  • 160. DAVID HOCKNEY: “Fred and Marcia weisman”, 1968
  • 161. DAVID HOCKNEY: “Retrato de artista ONU”, 1971
  • 162. HOCKNEY: " A Lawn Being Sprinkled", 1967
  • 163. DAVID HOCKNEY: “Christopher Isherwood y Don Bachardy”, 1968
  • 164. DAVID HOCKNEY: “Sr y Sra Clark y Percy ”, 1970
  • 165. DAVID HOCKNEY: “Cartel olímpico para los Juegos de Munich”, 1972 DAVID HOCKNEY: “Beach Umbrella”, 1971
  • 166. DAVID HOCKNEY: "Dos sillas“, 1972
  • 167. DAVID HOCKNEY: “Mis padres”, 1977
  • 168. DAVID HOCKNEY: “Modelo con Autorretrato Inacabado”, 1977
  • 169. DAVID HOCKNEY: “Nichols Canyon”, 1980 “Yo persigo lo que siento. Esencialmente, amo al mundo, creo que es bello. Pienso que el proceso de mirar el mundo es bello y si puedo indicárselo a la gente a través de mi trabajo, lo hago; si falta algo, que así sea, pero es noble perseguir lo que uno siente.“ DAVID HOCKNEY
  • 170. David Hockney: ” Three Chairs with a Section of a Picasso Mural”, 1998
  • 171.
  • 172. DAVID HOCKNEY: “La llegada de la primavera en WOLDGATE, EAST YORKSHIRE”, 2011 “Hockney regresó a Inglaterra a principios de 2002. Tras más de 20 años viviendo en Los Ángeles, se sumergió de lleno en una húmeda primavera londinense cuando Lucian Freud le pidió que posara para él. Fue entonces, al atravesar por las mañanas Holland Park para acudir al estudio de Freud, cuando se dio cuenta de que echaba de menos la lluvia y observar cómo florecen los campos, los árboles. La evolución del paisaje a través de los largos inviernos y veranos y los cortos otoños y primaveras.” JULIA LUZÁN. EL PAÍS
  • 173. "Etiquetado inicialmente como artista pop, Hockney se vincula en la actualidad a la Escuela de Londres, concepto que empleó por primera vez, a mediados de los años setenta el pintor Kitaj para describir el notable abanico de pintura figurativa que había presidido la escena londinense desde finales de los años cuarenta, a pesar del dominio internacional de la abstracción. Sin embargo, ninguna de estas clasificaciones le hace justicia. Ni siquiera en los años sesenta, Hockney se sintió cómodo con la etiqueta de artista pop. Sus preocupaciones eran excesivamente personales y su enfoque demasiado idiosincrásico para encajar en ella. Y nunca demostró sentir la sana preocupación por el sudor y la materia física que caracteriza la obra de muchos pintores de la Escuela de Londres... Hockney y Kitaj tendieron a dar un enfoque gráfico a sus cuadros y se influyeron mutuamente durante un tiempo" JON THOMPSON: "Cómo leer la pintura moderna"
  • 174.
  • 175.
  • 176. “Siempre he creído que los grandes artistas son aquellos que osan dar derecho de hermosura a cosas tan naturales que, después obligan a decir a quien las ve: “¿Cómo no había yo comprendido hasta ahora que era tan hermoso…?" ANDRÉ GIDE
  • 177. FUENTES http://www.arteseleccion.com/maestros-es/segal-george-30 http://www.picassomio.es/george-segal.html http://www.epdlp.com/pintor.php?id=6565 http://cultura.elpais.com/cultura/2014/06/06/actualidad/1402076484_159992.htmlht tp://www.thedranggallery.com/downloads/Blakecatalogue.pdf http://www.thedranggallery.com/index.php/artists/sir-peter-blake http://www.20minutos.es/fotos/artes/peter-blake-recrea-a-dylan-thomas- 10012/?formato=mosaico#xtor=AD-15&xts=467263 http://www.disturbis.esteticauab.org/DisturbisII/Indice_13_files/Kitaj,otra%20vida% 20en%20Sant%20Feliu.pdf TIRMAN OSTERWOLD: “POP ART”. Edit. Taschen NIKOS STANGOS: “Conceptos de arte moderno: Del Fauvismo al posmodernismo” JUAN F. RUIZ (revista MEMORIA) PATRICIA TUBELLA: “La última palabra del pope del pop”, elpais.com KLAUS HONNEF: “Pop Art”. Taschen GINA MARANTO: “RB Kitaj y el arte de la memoria” FRANCISCO J.R. CHAPARRO (DESCUBRIR EL ARTE, nº 126) JON THOMPSON: "Cómo leer la pintura moderna“ Edit. Electa RUHRBERG, SCHNECKENBURGER, FRICKE, HONNEF: “Arte del siglo XX”. Edit. Taschen WILL GOMPERTZ: "Qué estás mirando?...Edit. Taurus FLAMINIO GALDONI: “ART. Todos los movimientos del siglo XX” Edit. Skira STEPHEN FARTHING: “ARTE. TODA LA HISTORIA”. Edit. Blume