Tema 9 el gótico (escultura y pintura)

GÓTICO 2ª
PARTE
ESCULTURA Y
PINTURA
Antonio Casquet Chacón y Marta López Ave María Casa Madre 1

I. Escultura (guión apuntes)
 Mayor autonomía,. Liberalización del marco arquitectónico. Grupo de la Visitación
de Reims.
 Naturalismo y humanización de la figura humana. Le Beau Dieu de Amiens.
 Movimiento.
 Búsqueda de la belleza formal. La Virgen Blanca de la catedral de Toledo.
 Sentido narrativo y descriptivo. Juicio Final de la catedral de León.
 Temas dominantes: Antiguo y Nuevo Testamento, Vida de la Virgen y de los Santos.
 Nuevos géneros:
• Escultura funeraria: Claus Sluter en Dijon, (Borgoña) y Gil de Siloe en Burgos.
• Retablos:
a.Escultóricos y pictóricos.
b.Carácter pedagógico.
c.Madera dorada y policromada.
d.Estructurado en cuerpos y calles sobre banco y rematado con ático.
e.Ejemplos significativos, catedrales de Sevilla y Toledo.
Antonio Casquet Chacón y Marta López Ave María Casa Madre
2

CARACTERÍSTICAS GENERALES
1. Va liberándose poco a poco de la subordinación a la
arquitectura.
2. Sigue estando ligada a la decoración de los edificios
religiosos:
• Principal elemento de ornamentación de las fachadas.
• En el interior de los templos se redujo a:
• Los púlpitos (plataformas elevadas dentro de la iglesias desde
donde se predica)
• Los retablos (estructura arquitectónica, pictórica y escultórica
que se sitúa detrás del altar en las iglesias).
3. Las figuras fueron desarrollando, un marcado sentido
narrativo en la composición y en las figuras.

4. Humanización : se busca la captación de la belleza física y de los sentimientos
5. Estilización y elegancia.
6. Mayor naturalismo: gestos y en la expresión de los rostros.
7. Preocupación por representar el volumen de los ropajes y los cuerpos.
8. Uso de la policromía.
9. Situada en tímpanos, arquivoltas,
jambas, el dintel y el parteluz
10. Temática religiosa Juicio Final, la
Virgen María, santos, profetas y
ángeles.
11. Las figuras de las arquivoltas, las
jambas y el parteluz comenzaron a
situarse sobre MÉNSULAS y cubiertas
con DOSELETE (pequeña estructura
abovedada). Antonio Casquet Chacón y Marta López Ave María Casa Madre 4

12. Nuevas tipologías:
 SEPULCROS (posturas diversas: sedentes,
yacentes, orantes,…) fuerte preocupación por el
realismo e interés por la individualización de los
rostros.
 FIGURAS DEVOTAS EXENTAS: creciente realismo
e interés por la individualización de los rostros y
por reflejar sentimientos. Destacó el escultor
CLAUS SLUTER.
 RETABLOS: (estructura arquitectónica, pictórica y
escultórica que se sitúa detrás del altar en las
iglesias) sobreabundancia de elementos
decorativos
 Estas nuevas tipologías escultóricas utilizaban
materiales muy diversos (madera, piedra, alabastro) y
solían tener elementos policromados y dorados.

Evolución de la escultura gótica :
• Desde finales del siglo XII : mayor
búsqueda de la belleza física y la
serenidad.
• Siglos XIII y XIV las figuras fueron ganando
en naturalidad y expresividad: se
remarcaban los rasgos sentimentales y las
figuras eran más realistas.
• Siglo XV se buscaba expresar sentimientos
y despertar la emoción del espectador.

MANIFESTACIONES
1. Pórtico Real de Chartres
2. Grupo de la Visitación de Reims.
3. Le Beau Dieu de Amiens.
4. La Virgen Dorada de Amiens.
5. Portada el Sarmental de Burgos
6. Juicio Final de la catedral de León.
7. La Virgen Blanca de la catedral de
Toledo.
8. Escultura funeraria: Claus Sluter en Dijon,
(Borgoña) y Gil de Siloe en Burgos
9. Retablos: catedrales de Sevilla y Toledo.Antonio Casquet Chacón y Marta López Ave María Casa Madre 7

1145-1155)
• Considerada el punto de partida de la
escultura gótica.
• Desarrolla el modelo establecido
en Saint-Denis por el abad Suger.
• Más cercanas al naturalismo.
• Marca las pautas de distribución de los
principales temas de la iconografía
cristiana:
 La historia de Cristo en la fachada
Occidental.
 La historia de la Virgen en la fachada
norte.
 Las historias de los santos que, como
parte de la historia del hombre
culmina en el Juicio final, en la fachada
sur.

La Ascensión de Cristo La Segunda Parusía La Virgen entronizada
Estatuas columna con personajes del Antiguo Testamento: reyes y reinas bíblicos 9
Parusía:
Advenimiento
glorioso de
Jesús al final
de los tiempos

Jamba del Pórtico Real de la Catedral de Chartres,
portada central (1145 y 1155)
• Reyes y reinas del antiguo testamento.
• Perviven rasgos del Románico:
• Las figuras siguen adaptándose a la arquitectura
, su altísimo canon se justifica por el tamaño de
la columna a la que se adosan.
• Ropajes de pliegues paralelos.
• Frontalidad
• Sin relación con sus compañeras.
• Rígidas.
• Aunque más serenas, con menor severidad que las
del románico.

Portada central del Pórtico Real de Chartres
En el tímpano Cristo en majestad: maiestas
domini, sentado, con las escrituras en su mano
derecha y bendiciendo con la izquierda,
enmarcado en la mandorla y acompañado por
el tetramorfos.
En las arquivoltas, con
ligero apuntamiento,
los veinticuatro
ancianos del
apocalipsis de San
Juan
En el dintel y bajo una
arquería los doce
apóstoles dispuestos
en grupos de cuatro,
como los puntos
cardinales por los que
han predicado el
mensaje de Jesús.

El tímpano central de la portada occidental.

Las portadas sur y norte son de comienzos del siglo XIII. 13

En la portada central del transepto sur se
representa Juicio Final:
 En el tímpano Cristo Juez, a sus lados la
Virgen y San Juan como intercesores, en
los extremos ángeles portando los
símbolos de la pasión.
 En el arranque de las arquivoltas los
condenados a la izquierda de Cristo y
los bienaventurados a su derecha.
 En las jambas los discípulos de Cristo.
 Cristo en el mainel o parteluz.
Sigue manteniendo el carácter
didáctico.

En las jambas los apóstoles: figuras
individualizadas, más naturales, cargadas de
humanidad, el plegado de las telas se
muestra más real, las actitudes de las figuras
son distintas.
Los bienaventurados acogidos por ángeles.

Los pecadores, condenados , son arrastrados por los demonios
Una princesa Una monja Un avaro con su
bolsa de monedas
Una mujer a cuestas

Portada norte del transepto de la Catedral de Chartres, también de comienzos del siglo XIII. 17

La coronación de la Virgen. Tímpano central de la portada sur del transepto de Chartres. La Virgen sentada a
la derecha de Jesús que la bendice una vez coronada, las dos figuras del mismo tamaño acompañadas por
ángeles que rezan a sus lados o distribuyen incienso . Comienzos del siglo XIII.
18

• La catedral de Reims es el lugar en que se
coronaban los reyes de Francia.
• La decoración escultórica por todo el exterior
es impresionante en cantidad y calidad, llega
hasta la cumbre.
• Desaparecen los tímpanos esculpidos.
• La escultura se refugia en los gabletes.
• En las jambas de la fachada oeste:
• Anunciación y la Visitación a nuestra
derecha
• Presentación del Niño en el templo: a
nuestra izquierda
2. Grupo de la Visitación de Reims.
19

• Rasgos se individualizan
• El movimiento se
incrementa
• El naturalismo se
acentúa.
• Figuras exentas
colocadas posteriormente
en la jamba, sobre una
peana y bajo un dosel.
Grupo de la Visitación de Reims.
21

• Trabajaron diferentes
maestros:
• Una misma portada acoge:
• La obra antiquizante del
Maestro de la Visitación
• El ángel sonriente de una
Anunciación que responde a
los presupuestos del arte
cortesano y amable que triunfa
durante la segunda mitad del
siglo XIII.
22

• En la Anunciación está presente
el conocido como Maestro de la
Sonrisa.
• El ángel es esbelto, con un
canon muy alargado, y en su
rostro presenta una sonrisa
semejante a la de las esculturas
griegas arcaicas.
• A su lado está la figura de la
Virgen, con un canon y unos
plegados distintos a los del
ángel. Este maestro sigue los
modelos más calmados de
Amiens.

• En la Visitación:
• El encuentro de María e Isabel, ambas
embarazadas.
• Ambas en contrapposto: acaba con la
frontalidad y hieratismo.
• Sus cabezas se inclinan
• Manos gesticulan
• Rostros son expresivos y diferenciados
• Ropajes, modelados de pliegues profundos,
finos y delicados, envuelven los cuerpos, que se
encuentran bajo la ropa (técnica de los paños
mojados).
• Todo nos hace indicar que este escultor conoce
el arte clásico griego

3. Le Beau Dieu « El bello Dios »
Parteluz de la portada occidental, Catedral de Amiens
25

En la fachada occidental de Amiens hay tres
grandes puertas, más antiguas que la de la
Virgen Dorada. La central es famosa por la
figura del Bello Dios en el parteluz.
26

Arquivoltas:
ancianos
apocalipsis,
Vírgenes, mártires ,
ángeles
Tímpano: Jesús
resucitado, ángel
portando la cruz,
San Juan y la Virgen
Dintel: Resurrección
de los muertos

Le Beau Dieu “El Bello
Dios”
En el parteluz.
Un dios más humano, más
atractivo, con aspecto más
tierno.
Ya no aparece como juez
al tipo románico sino
como agradable anfitrión
de su casa
29

4. VIRGEN DORADA DE
AMIENS
• Pórtico de la Virgen dorada
transepto sur.
• Estilizada, está ladeada y
sonriendo, inicia el modelo
amanerado del s. XIV.
• Naturalismo acusado
• Comunicación figuras: Virgen
y el Niño se miran.
• Con la típica corona
real gótica y cubierta con
un doselete
30

5. PORTADA EL SARMENTAL CATEDRAL DE BURGOS (1240)
31

 Autores de origen francés
desconocidos
 En la fachada sur.
 Iconografía: EL JUICIO FINAL
(el PANTOCRÁTOR).
 Tetramorfos :los cuatro
evangelistas como escribanos
sentados en sus atriles.
 La figura de Cristo (jerarquizada) aún
muestra la frontalidad y rigidez
románicas, pero el resto de figuras
ya están humanizadas y son más
naturalistas (plenamente góticas).
32

En las
arquivoltas los
ángeles y los
ancianos del
Apocalipsis,
todos sobre
peanas
33

• Debajo del tímpano y
separado por un dintel se
sitúa el apostolado en
pose sedente con las
cabezas nimbadas y
llevando libros.
• Comunicación figuras,
naturalismo, gestualidad,
volumetría
• Cubierto por doselete
corrido
34

En el parteluz
aparece la figura de
un obispo con mitra
estrellada y una placa
decorada
35

• Segunda mitad siglo XIII.
• Iconografía: EL JUICIO FINAL.
• En el dintel: bienaventurados
y condenados al infierno: el fuego,
calderos de agua hirviendo, terribles
demonios que recuerdan al románico.
• En el tímpano Cristo enseñando las llagas
(Dios hombre que con su sufrimiento es
fuente de vida y de salvación)
• En las triples arquivoltas: ángeles
• En el parteluz: Virgen sobre peana y con
un doselete
6. PORTADA PRINCIPAL DE LA CATEDRAL DE LEÓN
36

Antonio Casquet Chacón y Marta López Ave
María Casa Madre
• En el dintel: bienaventurados y condenados al
infierno: el fuego, calderos de agua hirviendo,
terribles demonios que recuerdan al románico.
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En el tímpano Cristo enseñando las llagas (Dios hombre que
con su sufrimiento es fuente de vida y de salvación)
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LA VIRGEN BLANCA DE LEÓN
 Piedra, bulto redondo, adosada en el
parteluz, típico del gótico clásico.
 La original está en el interior ( capilla
de la girola)
 Técnicamente considerada una de
las mejores obras de la escultura
gótica
 Muestra una Virgen más
humanizada, un niño más
vivaracho, riqueza de los
pliegues, en definitiva, un
modelo más naturalista y
más próximo al hombre.

• Bella virgen de canon esbelto
• Ricos vestidos con pliegues
trabajados con naturalidad.
• Como reina (con la corona real
típica del gótico)
• De pie, bendiciendo, sobre el
dragón, alude a su condición de
nueva Eva y corredentora con su
Hijo, el niño que también
sonriendo bendice.
• Influencia de Reims en su
naturalismo, elegancia, estilización
y esa sonrisa.

Anónimo
Segunda mitad del siglo XIV
Coro de la Catedral de Toledo
Alabastro con dorado
Exenta
153 cm
7. VIRGEN BLANCA CATEDRAL DE TOLEDO
41

• Virgen de pie con el Niño cogido con el
brazo izquierdo.
• Comunicación entre ambos personaje: ,
se miran mutuamente, gesto del Niño
llevando su mano derecha en una caricia
hacia la barbilla de su madre.
• El cuerpo de la Virgen se arquea por el
peso del Niño generando una postura de
contraposto y movimiento en todo el
cuerpo que rompe el hieratismo y
frontalidad de épocas anteriores.
• Búsqueda de la belleza ideal tanto en los
rasgos de la Virgen como en los del Niño,
éste último representando con gracia
infantil.
• Naturalismo: tratamiento de los
plegados.
• La Virgen como Madre: sentimientos y
humanidad de los personajes es visible y
cercana.

Cristo crucificado
Museo de Santa Cruz (Toledo).
Comienzos del del siglo XIII.
Madera policromada.
 Se acerca más a la realidad de
la muerte en la cruz.
 Aparecen las heridas y la
sangre en el costado
 Tres clavos.
 Comienza a liberarse del
marco de la cruz.
 El cuerpo pesa y se desploma.
 Pero sigue manteniendo la
corona de rey y el rostro
inexpresivo.

Cristo Crucificado de Ochánduri
siglo XIV
Iglesia de la Concepción de Ochánduri (La
Rioja).
 Cristo muerto de tamaño natural,
 Ojos cerrados, largos cabellos, barba
con bucles.
 cabeza ladeada.
 cuerpo arqueado.
 costillaje marcado.
 paño de pureza hasta las rodillas con
pliegues en V.
 brazos algo arqueados.
 manos abiertas y pies sujetos a la cruz
con un solo clavo.

Nuevas tipologías: sepulcros
y retablos
• Escultura funeraria: Destacan los
escultores Claus Sluter en Dijon,
(Borgoña) y Gil de Siloe en Burgos.
• Retablos:
a.Escultóricos y pictóricos.
b.Carácter pedagógico.
c.Madera dorada y policromada.
d.Estructurado en cuerpos y calles
sobre banco y rematado con ático.
e.Ejemplos significativos, catedrales
de Sevilla y Toledo.
Retablo mayor de la catedral de Sevilla.
26 x 18 metros. Cuatro cuerpos y siete calles, con predela y dosel como
guardapolvo.
Madera dorada y policromada.
1481-1564.
Diseño de Pyeter Dancart.
Colosalismo.Antonio Casquet Chacón y Marta López Ave María Casa Madre 45

Ático : Parte superior de la calle central de
un retablo. Suele ser el lugar elegido para
disponer un calvario.
Banco: Parte inferior o
basamento de un retablo.
También llamado predela .
Sotabanco : Parte inferior de un
banco de retablo de dos pisos.
Calle : Nombre que reciben cada
una de las divisiones verticales de
un retablo,
Casa : Cada uno de los espacios de forma cuadrangular o
rectangular que, abiertos en los cuerpos y calles de un retablo,
sirven para alojar pinturas o esculturas.
Entrecalles: Divisiones verticales
más estrechas que las calles y
que las separan unas de otras.
Guardapolvo: Pieza o saledizo
que enmarca un retablo tanto
por los laterales como por la
parte superior, con la misión
de protegerlo del polvo;
también denominado polsera.
Cuerpo : Cada uno de los
pisos o de las divisiones
horizontales de un retablo.
Doselete o Chambrana:
protector de las imágenes
o pinturas colocadas en
una casa
EL RETABLO Y SUS PARTES

Ático
Sotabanco
Calle
Cuerpo
Casa
Guardapolvo
Banco o predela
Doselete
Retablo mayor de la
catedral de Toledo

Retablo de la Catedral
de Toledo.
Madera policromada y
dorada.
Varios autores
1498-1504.

Sepulcro de Felipe el Atrevido. Claus Sluter. Finales del siglo XIV. Mármoles
de distintos colores y varios tipos de piedra como el alabastro. Para la Cartuja
de Champmol. Dijon, Hoy en el Museo Arqueológico de la ciudad.
Felipe II el Audaz fue
un duque de
Borgoña
perteneciente a la
dinastía Valois.
50

En la cara superior del sepulcro el retrato idealizado de Felipe el atrevido, yacente en actitud de
oración, el león vigilante a sus pies, en la cabeza dos ángeles de alas desplegadas y libros en sus
manos. Antonio Casquet Chacón y Marta López Ave María Casa Madre 51

Algunos de los cuarenta
plañidores de las caras del
sepulcro. Naturalismo y pesadez
en el plegado de las telas. Todo un
repertorio en las actitudes, en las
expresiones de dolor y en los
vestidos Antonio Casquet Chacón y Marta López Ave María Casa Madre 52

El cortejo fúnebre integrado por sacerdotes, monaguillos,
militares y familiares. Cada personaje está tratado de
manera individual. Antonio Casquet Chacón y Marta López Ave María Casa Madre 53

Gil de Siloé
Retablo mayor y sepulcro de Juan II
de Castilla e Isabel de Portugal en
la Cartuja de Miraflores. Burgos.

Sepulcro de Juan II e Isabel de Portugal .Gil de Siloé.
Cartuja de Miraflores, Burgos. Finales del siglo XV. Alabastro.Antonio Casquet Chacón y Marta López Ave María Casa Madre
 Finales siglo XV.
 Gil de Siloé.
 Alabastro.
 Forma de estrella de 8
puntas.
 Eran los padres de
Isabel la Católica.
 En la Iglesia de la
Cartuja de
Miraflores (Burgos).
56

Los difuntos
yacentes, pero
no muertos. La
reina está
leyendo.

Sepulcro del Infante D. Alfonso.
Adosado.
El Difunto en actitud orante.

• Sepulcro del Infante don Alfonso.
• Finales siglo XV.
• Gil de Siloé.
• La estatua (ORANTE)
• En alabastro.
• Se encuentra en una hornacina o
nicho (arco conopial).
• Alfonso de Castilla era el
hermano de Isabel la
Católica.
• En la Iglesia de la Cartuja de
59

• Retablo Mayor de la Cartuja de
Miraflores.
• Finales siglo XV.
• Gil de Siloé.
• Madera.
• Policromado y dorado.
• Dividido en una única calle
y dos cuerpos o pisos.
• Cristo crucificado con tres clavos
(típico del gótico).
• En la Iglesia de la Cartuja de
60

PINTURA GÓTICA

Características generales de la pintura gótica
1. Debido a la drástica reducción del espacio destinado
a las pinturas por la generalización de las vidrieras:
• Abandono progresivo de la pintura mural al
fresco ( excepto en Italia)
• Se generaliza la pintura de vidrieras y la pintura
sobre tabla (retablos).
• La pintura sobre tabla: dípticos (dos tablas),
trípticos (tres tablas) y polípticos (varias
tablas).
• Retablo rígido: formado por múltiples tablas
distribuidas en cuerpos horizontales y calles
verticales encajados en un marco y apoyados
sobre otro cuerpo inferior.
2. Paralela difusión de la miniatura.

3. Temática:
• Fundamentalmente religiosa (vidas de Jesús, María y de santos).
• A partir del siglo XV: temas profanos, el retrato.
4. Rasgos Formales:
• Naturalismo en las proporciones
• Gran expresividad rostros.
• Uso de la luz para el modelado de
los cuerpos.
• Las escenas se enmarcan en arquitecturas
y paisajes

5. Técnica:
• Temple: la más utilizada en la mayor parte de Europa durante los siglos XIII
y XIV (los pigmentos se aglutinan con clara de huevo).
• Fresco: en Italia.
• Óleo: inventada en Flandes a principios del siglo XV, acabaría
generalizándose por todo el continente(los pigmentos se aglutinan con
aceite).
6. Escuelas:
• SIENA (Italia): Duccio,
Simone Martini
• FLORENCIA (Italia):
Giotto
• FLANDES o
FLAMENCA: Van Eyck

Siena, Italia: (siglo XIV, trecento.)
• Pintura al temple sobre
tabla.
• Bizantinismo.
• Belleza idealizada
• Fondos dorados.
• Línea sinuosa y ondulada.
• Riqueza de colorido.
Elegancia y refinamiento.
• Convencionalismos
espaciales.
• Duccio, la Maestá de la
catedral de Siena.
• Simone Martini, la
Anunciación de los Uffizi y
el retrato de Guidoriccio
da Fogliano. 67

Duccio de Buoninsegna.
La Virgen y el Niño con
Santo Domingo y Santa
Aurea.
Temple de huevo sobre
Hacia 1300.
madera
Tabla central, 62x38 cm.
68

El modelo de la Virgen con el Niño, con muy pocos cambios, Duccio de
Buoninsegna.
 Pintura al temple
sobre tabla.
 Bizantinismo.
 Belleza idealizada
 Fondos dorados.
 Línea sinuosa y
ondulada.
 Riqueza de colorido.
 Elegancia y
refinamiento.
 Convencionalismos
espaciales.
69

La pintura al temple sobre tabla.
 La estructura de madera la solía hacer un carpintero.
 Con frecuencia se colocaba una tela sobre toda la superficie a pintar .
 Se aplicaban varias capas de gesso ( pasta espesa de yeso con cola animal)
 Una vez seca la base era completamente blanca y brillante, parecida al marfil.
 Sobre esta base se dibujaba con carbón. Los principales contornos y dintornos se
grababan con punta metálica, por lo que no era fácil corregir.
 Las zonas doradas se preparaban con pan de oro sobre una o varias capas de bol rojo
mezclado con yema de huevo. Después se bruñía y se grababan coronas y nimbos.
 Después se pasaba a pintar, primero las telas y después las partes de carne. Los colores
se molían sobre una piedra dura, para evitar astillas, se mezclan con un poco de agua y
se les añadía yema de huevo al aplicarlos definitivamente. Los colores no solían
mezclarse y se hacía del más oscuro al más claro.
 Las zonas de carne se pintaban con tierra verde y blanco de plomo.
 El temple seca con rapidez, con lo que se puede pintar sobre lo ya pintado.
• Elaborado a partir de “Técnicas de los grandes pintores” Dirigida por Waldemar Januszczak

Azul conseguido con lapislázuli,
piedra semipreciosa muy cara
Tierra verde y blanco de plomo en
mayor o menor medida en función
de la luz y la sombra
Pan de oro sobre el
que se graba con
puntas metálicas.
Rojo sinopia y negro
para los ojos
Pinceladas cortas
aplicadas en capas
finas y planas

Catedral de Siena
2,13 m x 4,0 m
1308–1311
Pintura al temple y oro.
Reconstrucción ya que
algunas tablas están
separadas del conjunto
original o perdidas .
Duccio de Buoninsegna.
La Maestá.
73

Reconstrucción
de la parte
trasera con
todos sus
elementos.

 Tabla central, Virgen con el Niño entronizados, ángeles y santos.
 Rigurosa simetría
 Composición equilibrada, en balanza.
 Ausencia de espacio físico.
 Escala jerárquica.
 Fondos neutros, dorados.
 Volumen y sentido corpóreo de las figuras. Antonio Casquet Chacón y Marta López Ave
María Casa Madre
75

María Casa Madre
76

María Casa Madre
77

María Casa Madre
78

María Casa Madre
79

Cristo ante Pilatos.
La pesca milagrosa.
La Resurrección de Lázaro.
María Casa Madre
80

Simone Martini. La
Anunciación,
con San Ansano y Santa
Julia
1333 Tempera sobre
madera, 184 x 210 cm.
Galleria degli Uffizi,
Florence
María Casa Madre
81

 El pintor avanza en la representación de un
espacio más real: una línea separa claramente
suelo de pared.
 El fondo sigue siendo dorado y se organiza con
arcos apuntados tratados con minuciosidad.
 Sigue dominando el lujo, el sentido decorativo, la
belleza de las telas, la elegancia y contención en
los gestos.
 El jarrón con las azucenas símbolo de la pureza de
María.
 El arcángel, que acaba de posarse en el suelo,
ofrece a María una rama de olivo. De sus labios
las palabras “ave gratia plena”,
 La Virgen sentada con un libro en sus manos.
 El Espíritu Santo con forma de paloma rodeado de
querubines.

María Casa Madre
84

 Pintada al fresco en el palacio Público
de Siena. Año de 1315. 970 x 793
cm.
 Un paso más en la representación del
espacio. Se abandonan los fondos
dorados. Los postes del dosel se
pintan en perspectiva.
 Las figuras son todas del mismo
tamaño. Se ha superado la escala
jerárquica.
 Se mantiene la composición en
balanza, estrictamente simétrica,
pero las figuras se mueven con más
libertad.
 Las figuras ganan en volumen y en
corporeidad.
Simone Martini. La Maestá. Palacio Público de Siena.
86

Simone Martini.
RETRATO ECUESTRE DE GUIDORICCIO DE FOGLIANO.
 Año de 1328. Palacio Público de Siena. Fresco. 340 x 968 cm
 Representa la conquista de los castillos de Montemassi y Sassoforte en 1328 y ocupó la parte superior de la
pared opuesta a la Maestà en la Sala del Mappamondo del Palacio Público de la ciudad de Siena.
 El caballero, vencedor en la batalla, viste rico traje como su caballo.
 El paisaje de castillo, ciudad y campamento, se ha descrito con total minuciosidad, cobrando un gran
protagonismo en la pintura.
 Uno de los primeros retratos del arte medieval. A los pies del caballero la fecha de ejecución.
María Casa Madre
88

María Casa Madre
89

Escuela de Florencia. Italia: (siglo XIV, trecento.)
• Pintura al fresco sobre el muro.
• Interés por sugerir la profundidad del espacio.
• Incorporación del paisaje.
• Tridimensionalidad y volumen de los cuerpos.
• Estudio de la luz.
• Individualización de los rostros.
• Representación de los estados anímicos y el sentimiento.
• GIOTTO:
• La vida de San Francisco en la Basílica de Asís
• La Capilla Scrovegni en Padua
• Frescos de Santa Croce en Florencia.

RASGOS DE LA PINTURA DE GIOTTO
1. Técnica: fresco
2. Prescinden de elementos descriptivos, simplifica lo esencial de la escena.
3. Trazos robustos y volúmenes sólidos
4. Expresividad y dramatismo, por medio de:
• Ojos rasgados, de mirada penetrante
• Interrelación psicológica a través de las miradas
• Labios entreabiertos de rictus patético

5. Concepción volumétrica de las figuras (modelado, fuerza expresiva, uso de
la luz) naturalismo
6. El ser humano: carácter protagonista.
7. Ambienta escenas en paisajes rurales y urbanos muy esquemáticos.

María Casa Madre
Basílica de San Francisco en Asís y los frescos de Giotto.
Primera representación de un ciclo narrativo sobre la vida de San
Francisco de Asís.
En torno al 1300.
Las 28 escenas pintadas al fresco unidas también por el tamaño
270 x 230 cm cada una de ellas. 93

Terremoto de otoño de 1997 dañó
gravemente la basílica de Asis.

El homenaje de un hombre sencillo .
Primera escena sobre la vida del Santo.
Un hombre extiende su capa ante el noble
Francisco.
Sólo él lo reconoce mientras que los demás
personajes no entienden lo que sucede..
Templo de
Minerva.
María Casa Madre
La renuncia a los bienes.
San Francisco renuncia a los bienes terrenales
,devolviéndole a su padre hasta las ropas que lleva puestas,
mientras que el obispo de Asís cubre su cuerpo desnudo.
San Francisco se dirige a la mano de Dios que aparece desde
el cielo ante la extrañeza y asombro de sus paisanos.95

La donación de la capa.
San Francisco entrega su capa a un pobre.
Los elementos de paisaje configuran el
espacio . Las líneas convergentes de las dos
colinas resaltan la figura del protagonista.
María Casa Madre
San Francisco Predicándole a los pájaros.
Los pájaros no huyen, parecen esperar la
bendición del Santo. Un franciscano se sorprende
de forma contenida ante lo que sucede.
96

La estigmatización.
Expulsión de los demonios de Arezzo.
Durante la guerra civil de Arezzo, San Francisco ve demonios sobre la ciudad. Éstos son
expulsados por el franciscano Silvestre empujado por la oración del Santo. 97

El paduano Enrico Scrovegni,
con el fin de salvar su alma y la
de su padre, levantó en el
espacio del antiguo anfiteatro
romano “La Arena” una capilla
de sencilla construcción que
contiene en su interior la obra
maestra de la madurez de
Giotto.
María Casa Madre
98

María Casa Madre
INTERIOR DE LA CAPILLA SCROVEGNI. PADUA. FRESCOS DE GIOTTO REALIZADOS EN LOS PRIMEROS AÑOS
DEL SIGLO XIV. 200 x 185 cm.
99

María Casa Madre
100
La bóveda pintada como un cielo azul con estrellas.
En la pared occidental, sobre la entrada a la iglesia, el Juicio Final.
En las paredes las escenas , 36 en total, con episodios de la vida de San Joaquín y Santa Ana, la Virgen María
y Jesús.
En la parte más baja de la pared, 14 alegorías de los vicios y las virtudes.

María Casa Madre
Enrico Scrovegni ofrece una maqueta de la capilla a la Virgen, de pie
entre San Juan y Santa Catalina. El otro personaje es un sacerdote
amigo de Scrovegni, el canónigo Altegrado de Cattanel. 101

María Casa Madre
102

María Casa Madre
Un esquema arquitectónico organiza las historias,
unidas por el tamaño, el color, el marco.
Expulsión de Joaquín del templo.
103

Joaquín y los
pastores
María Casa Madre
Encuentro en la puerta dorada: San Joaquín y Santa Ana, (padres
de la Virgen), de avanzada edad, no tenían hijos, lo que les causaba
una gran tristeza, al considerarlo como una muestra de rechazo por
Dios. Tras descubrir Ana que, inesperadamente, está embarazada,
ambos se encuentran y se abrazan ante la Puerta
Dorada de Jerusalén 104

María Casa Madre
El nacimiento de la Virgen
Los desposorios de la Virgen
105

María Casa Madre
106

María Casa Madre
LA MATANZA D ELOS
INOCENTES: La expresión del
dolor y el sufrimiento a través
del llanto de las madres que
intentan proteger a sus hijos.
107

María Casa Madre
El prendimiento.
 Judas abraza a Jesús y
está próximo a besarlo.
 La mirada de Jesús seria y
grave. La mirada de Judas
traidora y llena de
maldad.
 Pedro reacciona y ataca a
uno de los fariseos.
 El nimbo de Jesús se
continúa con los palos y
armas de la turba.
 La multitud se sugiere a
través de las numerosas
cabezas.
108

María Casa Madre
Lamento sobre el cuerpo de
Cristo muerto.
• El espacio claramente
tridimensionales, es
cada vez más real.
• Se rompe el equilibrio
colocando las figuras
de la Virgen y Jesús
hacia un extremo,
pero destacadas por
los volúmenes que las
enmarcan y ser el
centro de interés de
todos los personajes y
la dirección de las
líneas de la ladera de
la colina.
• Amplio repertorio en
la expresión del dolor.
109

María Casa Madre
Frescos de Santa Croce
• Frescos para las Capillas:
• Peruzzi (dedicada a los dos santos Juanes: San
Juan Bautista y San Juan Evangelista,)
• Capilla Bard i(vida de San Francisco)
• Los encargos los realizaban las familias titulares de
cada capilla que utilizaban como lugar de
enterramiento, y que a su vez habían colaborado en
la construcción de la Basílica.
110

Ascensión de San Juan Bautista
Las figuras siguen siendo de gran volumen y
monumentales, pero hay una mayor relación entre ellas,
movimiento y los rostros muestran más expresividad
Giotto. El festín de Herodes. Aprox. 1313-1314. Pintura
mural. Capilla Peruzzi. Iglesia de Santa Croce. Florencia
"Muerte de San Juan Bautista", muestra a Herodes
observando el baile de Salomé durante un banquete
al tiempo que un guardia le muestra la cabeza del
bautista sobre una bandeja, el extremo derecho
aparece la cabeza del bautista siendo entregada por
Salomé a su madre
111

Giotto. La aprobación de la regla. 1319-1328. Fresco. Capilla Bardi. Iglesia de
Santa Croce. Florencia. Italia
Giotto. La renuncia a los bienes.1319-1328. Fresco. Capilla Bardi. Iglesia
de Santa Croce. Florencia. Italia
112

La muerte de San Francisco
113

ESCUELA FLAMENCA
• Flandes. (siglo XV).
1. Pintura al óleo sobre tabla.
2. Brillantez de los colores
3. Profundidad espacial.
4. Representación fiel de la realidad.
5. Minuciosidad e interés por el detalle.
6. Atención al paisaje tanto rural como urbano.
7. Incorporación en el cuadro de objetos de la vida cotidiana.
8. Consolidación del retrato como nuevo género pictórico.
• Hermanos van Eyck, Jan y Humberto:
• El matrimonio Arnolfini
• Políptico del Cordero Místico
• La Virgen del Canónigo van der Paele
• La Virgen del Canciller Rolin.

Jan van Eyck.
Óleo sobre madera.
82 x 60 cm.
1434.
National Gallery, Londres.
María Casa Madre
115
• Exponente del lujo de Brujas, el enclave comercial más importante
del norte de Europa.
• Pareja adinerada:
• Arnolfini: familia de comerciantes y banqueros de Lucca (Italia
• Vestido adornado con armiño
• Capa de terciopelo del marido forrada de nutria o marta
• Los zuecos, para no mancharse al caminar por la calle
demuestran que no eran aristócratas, éstos iban a caballo en
sillas de mano.
• Lujo: alfombras orientales, lámpara de araña, espejo, cristales
en las ventanas, naranjas

• Boda: en el siglo XV no se
necesitaba ni sacerdote ni
testigos, eran los esposos los
que impartían el sacramento,
tampoco se había impuesto la
moda del vestido blanco (del
siglo XIX)
• Los reflejados en el cuadro son
testigos, necesarios en el caso de
un “enlace de la mano
izquierda” (entre personas de
diferente categoría social y que
requerían la firma de un
contrato ante testigos en el que
la esposa renunciaba a la
herencia y solo tenía derecho a
una pensión de viudedad,
establecido en el “morgengabe”
(regalo matinal) entregado a la
mañana siguiente de la boda,
del que derivará la palabra
matrimonio morganático

La unión matrimonial de
Giovanni Arnolfini y su
esposa Giovanna Cenami.
En la ceremonia del
matrimonio primero se
toman las manos y
Después el futuro
esposo hace el
juramento de fidelidad
con la mano alzada.
Recuerdo del pacto de
Dios con Moisés en el
Sinaí y por extensión, de
Dios con los hombres
El dormitorio y sala de la rica y
confortable casa burguesa.
Pintura profana pero cargada de
simbolismo religioso.Las frutas, naranjas,
importadas desde Portugal,
muy apreciadas en los Países
Bajos, todo un lujo, signo de
la posición social de los
contrayentes,; así como las
ricas ropas que visten y los
trabajados muebles que
ocupan la estancia.
Símbolo de fidelidad
conyugal

La lámpara,
innecesaria ante la
luz que penetra por
la ventana,
simboliza la
presencia de Cristo
en la unión
matrimonial, por
ello , sólo se
enciende una vela.
Espejo: objeto sagrado, espejo sin mancha,
signo de pureza como las cuentas de cristal
del rosario de la izquierda.
Santa Margarita sobre el
dragón, patrona de las
parturientas y de los
nacimientos.
Firma y presencia de Jan van Eyck como
testigo del matrimonio.

• Espejo de cristal: bien de lujo (usaban de metal pulido)
• Marco del espejo adornado con medallones con las estaciones del vía
crucis.
• Refleja dos personas que entran en la estancia

“Johannes de Eyck fuit hic” “estuvo presente”

María Casa Madre
121
Santa
margarita,
patrona de las
parturientas,
venciendo al
dragón

Las frutas, naranjas, importadas desde Portugal,
muy apreciadas en los Países Bajos, todo un lujo,
signo de la posición social de los contrayentes,; así
como las ricas ropas que visten y los trabajados
muebles que ocupan la estancia.
María Casa Madre 122

Recuerdo del pacto de Dios con Moisés en el Sinaí y por extensión, de Dios con los
hombres
María Casa Madre
123
“No te acerques,
quítate las
sandalias de los
pies, porque el
lugar que pisas es
tierra sagrada” así
habló Dios a Moisés
durante la
celebración de un
matrimonio, el
sacramento
convertía al suelo
en lugar sagrado

Políptico de san Bavón o
del Cordero místico.
Gante (Bélgica)
Los hermanos Hubert y Jan Van
Eyck. Comienzos del siglo XV,
terminado en 1432. Óleo sobre
tabla, 24 tablas en conjunto.
350 cm x 461 cm. San Bavón,
Gante
124

Sibila CumanaSibila Eritrea
Profeta Zacarías Profeta Miqueas
Virgen María
Arcángel Gabriel
Vistas de la ciudad Objetos domésticos
El donante, Joos Vijd
La esposa del donante,
Elisabeth Borluut
San Juan Bautista San Juan Evangelista
Espíritu Santo
El Retablo
cerrado

María Casa Madre
126

María Casa Madre
Espacio real en el que se sitúan figuras cada vez más reales, con amplios vestidos de telas
gruesas, almidonadas, de plegado metálico.
Los objetos de la vida cotidiana se incorporan en la pintura y nos muestran sus cualidades. A
través de la ventana, el paisaje urbano, la ciudad flamenca.
127

El arcángel Gabriel le anuncia a María el
nacimiento de Jesús. En sus manos la rama de
azucenas.
María Casa Madre
128

María Casa Madre
129

La sibila Eritrea La sibila Cumana
María Casa Madre
Los donantes
130

María Casa Madre
Políptico del
cordero
místico,
abierto
131

Adán Eva
Ángeles
Músicos
Ángeles
cantores
María
Jesús
San Juan
Bautista
Muerte
de Abel
Adoración del Cordero Místico
Jueces y
caballeros
Ermitaños
y
peregrinos
Ofrenda de Caín y
Abel
El Retablo abierto
María Casa Madre
132

María Casa Madre
La tradición se mantiene en la
representación de la divinidad:
entronizado, serio y frontal, pero más
realista, con las tres coronas papales,
bendice con su mano derecha.
133

María Casa Madre
Jan van Eyck se nos muestra como un
multi artesano, especializado en la
realización de joyas, lujosos tejidos,
libros, muebles, armas, instrumentos
musicales …..
134

María Casa Madre
La corona a los pies de Jesús, subordinación del poder terrenal al
poder de Dios. 135

María Casa Madre
136

María Casa Madre
137

138

POLÍPTICO DE SAN BAVÓN DE GANTE.
 1432.
 Jan van Eyck.
 Pintura al óleo sobre tabla.
 En la catedral de San Bavón
(Bélgica).

Actualmente la Catedral de Gante conserva el políptico, con 11 de sus 12 paneles
originales, tras el robo de Los Jueces Justos en 1934
María Casa Madre
140

María Casa Madre
Tabla central. El Cordero sobre un
altar vierte sangre en un cáliz,
rodeado de ángeles bajo los rayos
luminosos del Espíritu Santo.
Clara alusión a la muerte de Cristo
en la cruz. La redención.
141

Mártires portando
palmas Vírgenes y
santas portando
palmas
Patriarcas y miembros de
la Sinagoga
Noé
Poeta
Virgilio
Profetas Apóstoles Papas y obisposFuente
de vida
Espíritu SantoÁngeles Cordero Místico

Los representantes de
la Iglesia católica.
María Casa Madre
Vírgenes portando palmas
143

Paganos y judíos. Antonio Casquet Chacón y Marta López Ave
María Casa Madre
Apóstoles y Papas
144

María Casa Madre
La línea de horizonte muy alta permite representar un amplio paisaje no real, sino
idealizado. Elementos de la naturaleza, montes, ríos, bosques. La ciudad, de altos
campanarios y agujas de piedra góticas es una clara alusión a la Jerusalén celestial.
145

María Casa Madre
146

La tabla de la izquierda,
con los jueces justos,
está perdida desde
1934.
Hoy contemplamos una
copia realizada por un
especialista en la
pintura flamenca.
María Casa Madre
147

María Casa Madre
San Cristóbal, gigantesco, encabeza a
los peregrinos. Santiago o un
peregrino, con la viera.
148

María Casa Madre
El cuadro más robado a lo largo de su historia. Napoleón se llevó los paneles centrales que fueron devueltos después de su
derrota. La tabla exterior de la izquierda, de los jueces justos, fue robada en 1934 y sigue perdida. Durante la Segunda
Guerra Mundial, todo el retablo cayó en manos de los nazis, Los Monuments Men recuperaron el altar de Gante en la mina
de Altaussee una vez terminada la guerra
149

María Casa Madre
The Monuments Men
MONUMENTS MEN
unidad formada por
soldados,
museólogos, artistas
e historiadores del
arte, casi 400
personas en total,
creada por el
presidente
norteamericano
F.Delano Rooselvelt
con la finalidad de
impedir el robo de
miles de obras de
arte en Europa por
el ejército nazi
150

El hombre del turbante rojo. Posible autorretrato de
Jan van EycK

La Virgen del Canciller
Rolin.
Hacia 1435.
Óleo sobre madera.
66 x 62 cm.
Museo del Louvre. París
• En el espacio suntuoso del palacio del
Canciller: de ricas columnas con
multitud de detalles, de suelo
enlosado, arcada abierta al jardín y al
paisaje de la ciudad.
• Éste aparece en actitud de oración,
arrodillado en un reclinatorio con un
libro de horas.
• Frente a él la Virgen sostiene sobre su
rodilla derecha un Jesús Niño desnudo
que bendice al Canciller.
• Un ángel coloca una espléndida corona
en la cabeza de María.

Es posible que Nicolás Rolin, Canciller de Felipe
el Bueno, encargase esta obra como una
expiación . En el capitel, justo encima de su
cabeza se representa la embriaguez de Noé.

Un jardín abierto al paisaje. El río separa las dos ciudades: la ciudad terrenal y la ciudad
celestial: Jerusalén.

Los elementos arquitectónicos tratados con todo detalle. De izquierda a derecha:
1.- La expulsión de Adán y Eva del Paraiso, 2.- La muerte de Abel y 3.- la
embriaguez de Noé.
1 2 3

La virgen del
canónigo Van
der Paele.
Museo Groeninge en Brujas
(Bélgica). 122,1 cm por
157,8 cm
El eclesiástico es
presentado a
María por San
Jorge y San
Donaciano
La escena se
desarrolla en un
edificio románico.

• Colores muy llamativos
• Efectos de profundidad
y tridimensionalidad
• Las figuras son más
naturales.
• El espacio es irreal
• “Sacra conversazione”:
la Virgen junto con
santos como si
estuvieran manteniendo
una conversación
cotidiana.

San Donaciano, a la
izquierda, con aire
digno y rostro de
intelectual, con
suntuoso brocado
azul, contrasta con la
figura de la Virgen,
una mujer de
mediana edad,
sencilla y con una
llana serenidad.
El Niño parece
asustado por el
caballero San Jorge,
que se quita el
yelmo.

El caballero San Jorge, que se quita el yelmo

Realismo rostro del donante: se aprecian
las arrugas, el paso de los años, incluso la
enfermedad
El canónigo Van der Paele, anciano y
enfermo, es uno de los mejores retratos de
Jan van Eyck.

163Antonio Casquet Chacón y Marta López Ave María Casa Madre
Detallismo
de los
objetos y
pliegues de
las telas

Suckling Madonna Enthroned
c. 1436
Oil on wood, 65,5 x 49,5 cm
Städelsches Kunstinstitut, Frankfurt
Madonna with the Child Reading
1433
Oil on wood, 26,5 x 19,5 cm
National Gallery of Victoria, Melbourne

El artista más importante de los llamados “primitivos flamencos” es JAN VAN EYCK,
considerado el iniciador de la Escuela Flamenca.
Otros artistas flamencos a destacar son:
Roger Van der Weyden.
Hans Memling.
Patimir.
EL BOSCO.

Tríptico de “El jardín de las Delicias”.
EL BOSCO
• Museo del Prado.
• Principio siglo XV.
• Pintura al óleo sobre tabla.
• El más original de todos los pintores flamencos.
• Pintó temas entre lo real y lo onírico

Imágenes de Selectividad
• ARTE GÓTICO
• ARQUITECTURA (4)
• Catedral de Notre Dame de París; exterior.(1)
• Catedral de Reims. (4)
• Santa Capilla de París; interior.(3)
• Esquema de catedral gótica. (1)
• ESCULTURA (3)
• Portadas de las catedrales
• PINTURA TRECENTO (2) PRIMITIVOS FLAMENCOS (6)
• San Francisco da su capa a un mendigo; Basílica alta de San Francisco, Asís. de GIOTTO (1)
• La Anunciación de SIMONE MARTINI (1)
• JUAN VAN EYCK: El matrimonio Arnolfini. Nacional Gallery, Londres. (3)

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