El documento resume el Renacimiento en Europa, un movimiento cultural que surgió en Italia en el siglo XV y se extendió en el XVI. Durante este periodo, los humanistas buscaron "renacer" la cultura clásica griega y romana, imitando su espíritu y formas artísticas. El Renacimiento transformó la religión, política, economía y arte de la época a través de figuras como Brunelleschi, Alberti y Bramante, conocidos por sus innovaciones arquitectónicas inspiradas en la Antigüedad.
El documento resume la introducción del Renacimiento y el Manierismo en la arquitectura. El Renacimiento comenzó en Italia en el siglo XIV y se extendió por Europa en los siglos XV y XVI, caracterizado por el humanismo, el racionalismo y el retorno a las formas clásicas. La arquitectura renacentista se basó en proporciones matemáticas y órdenes clásicos. El Manierismo surgió como reacción anticlásica en el siglo XVI, con obras que enfatizaban la inventiva individual y la extravagancia
1er periodo del renacimiento: Quatrocento (Pintura, Escultura, Arquitectura y...libermaf
En este trabajo estudiaremos los inicios de pintura, escultura y arquitectura renacentista; personajes destacados del “Quatrocento” como lo son: Donatello, Masaccio, Fra Angelico, Leon Battista Alberti, Sandro Boticelli, Lorezon Ghiberti, Andrea del Verrochio, Filippo Brunelleschi, Vignola, Marco Vitruvio y Filarete, que poco a poco irán marcando la diferencia entre un arte gótico y arte renacentista.
El documento describe el Templete de San Pietro in Montorio diseñado por Bramante en Roma en 1502. Bramante se trasladó a Roma en su etapa más trascendental como arquitecto, donde desarrolló proyectos para hacer de la ciudad una verdadera ciudad renacentista junto a Rafael. El Templete es una pequeña estructura circular de dos pisos inspirada en los templos griegos y el Panteón, con columnas y cúpula, que serviría como modelo para otros edificios religiosos renacentistas.
El documento resume las características y principales exponentes de la arquitectura renacentista italiana. Se divide en tres etapas: el Quattrocento o Renacimiento temprano en el siglo XV con Florencia como capital artística y los Medici como mecenas; el Cinquecento como momento de esplendor en el siglo XVI con Roma como centro y los Papas como mecenas; y el Manierismo a finales del siglo XVI. Entre los arquitectos más destacados se mencionan Brunelleschi, Alberti, Bramante, Miguel Ángel
El documento proporciona un panorama histórico-cultural del arte románico, describiendo su cronología, marco geográfico y contexto histórico. Luego resume las características generales de la arquitectura románica, incluyendo elementos como iglesias de peregrinación, monasterios, portadas, pilares, bóvedas de cañón y más. Finalmente, aborda brevemente la escultura y pintura románicas.
El documento describe las características de la escultura del Renacimiento. Se enfoca en el naturalismo, el interés por el ser humano, la inspiración en obras clásicas, y el uso de nuevas técnicas como la perspectiva. También resume la evolución de la escultura renacentista en Italia a través de figuras clave como Ghiberti, Donatello, Miguel Ángel, entre otros, y sus obras más representativas.
La arquitectura gótica se introdujo en España a través de los monasterios cistercienses y alcanzó su máximo esplendor en los siglos XIII y XIV con la construcción de catedrales como las de Burgos, León y Toledo. En el siglo XIV, el estilo gótico catalán se caracterizó por fachadas sobrias y plantas de salón en catedrales como las de Barcelona, Gerona y Palma de Mallorca. En los siglos XV y XVI, el gótico flamígero dio lugar a grandes construcciones c
El documento describe la escultura del Renacimiento en Italia, desde el siglo XV en Florencia hasta el siglo XVI en Roma. Señala que los escultores como Ghiberti, Donatello y Miguel Ángel recuperaron el estudio de la anatomía humana y el desnudo de la Antigüedad clásica, representando figuras con proporción y movimiento. También emplearon materiales como el bronce y mármol, y géneros como estatuas y relieves para retratar escenas bíblicas y mitológicas.
El documento resume la introducción del Renacimiento y el Manierismo en la arquitectura. El Renacimiento comenzó en Italia en el siglo XIV y se extendió por Europa en los siglos XV y XVI, caracterizado por el humanismo, el racionalismo y el retorno a las formas clásicas. La arquitectura renacentista se basó en proporciones matemáticas y órdenes clásicos. El Manierismo surgió como reacción anticlásica en el siglo XVI, con obras que enfatizaban la inventiva individual y la extravagancia
1er periodo del renacimiento: Quatrocento (Pintura, Escultura, Arquitectura y...libermaf
En este trabajo estudiaremos los inicios de pintura, escultura y arquitectura renacentista; personajes destacados del “Quatrocento” como lo son: Donatello, Masaccio, Fra Angelico, Leon Battista Alberti, Sandro Boticelli, Lorezon Ghiberti, Andrea del Verrochio, Filippo Brunelleschi, Vignola, Marco Vitruvio y Filarete, que poco a poco irán marcando la diferencia entre un arte gótico y arte renacentista.
El documento describe el Templete de San Pietro in Montorio diseñado por Bramante en Roma en 1502. Bramante se trasladó a Roma en su etapa más trascendental como arquitecto, donde desarrolló proyectos para hacer de la ciudad una verdadera ciudad renacentista junto a Rafael. El Templete es una pequeña estructura circular de dos pisos inspirada en los templos griegos y el Panteón, con columnas y cúpula, que serviría como modelo para otros edificios religiosos renacentistas.
El documento resume las características y principales exponentes de la arquitectura renacentista italiana. Se divide en tres etapas: el Quattrocento o Renacimiento temprano en el siglo XV con Florencia como capital artística y los Medici como mecenas; el Cinquecento como momento de esplendor en el siglo XVI con Roma como centro y los Papas como mecenas; y el Manierismo a finales del siglo XVI. Entre los arquitectos más destacados se mencionan Brunelleschi, Alberti, Bramante, Miguel Ángel
El documento proporciona un panorama histórico-cultural del arte románico, describiendo su cronología, marco geográfico y contexto histórico. Luego resume las características generales de la arquitectura románica, incluyendo elementos como iglesias de peregrinación, monasterios, portadas, pilares, bóvedas de cañón y más. Finalmente, aborda brevemente la escultura y pintura románicas.
El documento describe las características de la escultura del Renacimiento. Se enfoca en el naturalismo, el interés por el ser humano, la inspiración en obras clásicas, y el uso de nuevas técnicas como la perspectiva. También resume la evolución de la escultura renacentista en Italia a través de figuras clave como Ghiberti, Donatello, Miguel Ángel, entre otros, y sus obras más representativas.
La arquitectura gótica se introdujo en España a través de los monasterios cistercienses y alcanzó su máximo esplendor en los siglos XIII y XIV con la construcción de catedrales como las de Burgos, León y Toledo. En el siglo XIV, el estilo gótico catalán se caracterizó por fachadas sobrias y plantas de salón en catedrales como las de Barcelona, Gerona y Palma de Mallorca. En los siglos XV y XVI, el gótico flamígero dio lugar a grandes construcciones c
El documento describe la escultura del Renacimiento en Italia, desde el siglo XV en Florencia hasta el siglo XVI en Roma. Señala que los escultores como Ghiberti, Donatello y Miguel Ángel recuperaron el estudio de la anatomía humana y el desnudo de la Antigüedad clásica, representando figuras con proporción y movimiento. También emplearon materiales como el bronce y mármol, y géneros como estatuas y relieves para retratar escenas bíblicas y mitológicas.
La basílica de San Pedro en el Vaticano comenzó como un proyecto del arquitecto Bramante en 1503, pero pasó por varios cambios de diseño a lo largo de los años a medida que diferentes arquitectos asumieron el control de la construcción. Miguel Ángel retomó el diseño original de planta central de Bramante y construyó la gran cúpula que corona el edificio, pero más tarde Maderno transformó el diseño a una planta de cruz latina al añadir más secciones y la fachada actual. Finalmente, la pl
Miguel Ángel Buonarroti fue un renombrado artista del Renacimiento italiano que trabajó principalmente como pintor, escultor y arquitecto. Creó obras maestras como la Capilla Sixtina, el David y el sepulcro de los Médicis. A lo largo de su larga vida, su estilo evolucionó de formas serenas inspiradas en el arte clásico a composiciones más dramáticas y expresivas que reflejaban su profunda espiritualidad.
Arte Gótico - Arquitectura, escultura, pintura y otrosLaura V. Orozco
El Gótico se desarrolla entre mediados del siglo XII y principios del siglo XV y comprende manifestaciones como la arquitectura, la escultura, la pintura y las miniaturas.
El documento resume el arte prerrománico en la Península Ibérica tras la caída del Imperio Romano de Occidente. Se desarrollaron tres estilos principales - el arte visigodo, el arte asturiano y el arte mozárabe - que mantuvieron formas romanas pero también recibieron influencias de pueblos germánicos e islámicos. Estos estilos cristianos coexistieron en un periodo en que los musulmanes dominaron gran parte de la Península.
El movimiento artístico neoclásico se desarrolló entre 1760 y 1850 como reacción al Barroco y Rococó. Tomó como modelo el arte grecorromano por su racionalidad y equilibrio. En arquitectura destacan edificios inspirados en modelos clásicos como museos, teatros y jardines. Artistas como Canova y David crearon obras escultóricas y pictóricas neoclásicas, mientras que Goya añadió elementos románticos al estilo.
El documento describe las características principales de la arquitectura barroca. El Barroco se desarrolló en los siglos XVII y XVIII como estilo artístico de la Contrarreforma y las monarquías absolutas. La arquitectura barroca buscaba impresionar y fascinar al espectador a través de efectos teatrales y escenográficos, en lugar de apelar solo a la razón como el Renacimiento. Roma y sus iglesias como San Pedro fueron ejemplos emblemáticos, donde arquitectos
El documento resume las características principales del arte románico en Europa, con un enfoque en la arquitectura, escultura y contexto histórico. El arte románico se desarrolló entre los siglos XI y XIII e incluyó iglesias con plantas de cruz latina, bóvedas de cañón, arcos de medio punto y decoración geométrica. La escultura se caracterizó por figuras rígidas y simétricas que ilustraban pasajes bíblicos. El estilo se difundió desde Francia a través
El documento describe las características generales de la pintura gótica, incluyendo su naturalismo y representación más humana de figuras religiosas. También resume las principales técnicas como pintura mural, vidrieras, miniaturas y pintura sobre tabla, así como los diferentes estilos italo-gótico y lineal. Artistas clave mencionados son Cimabue, Giotto y los hermanos Limbourg.
La escultura gótica se desarrolló en Europa Occidental entre los siglos XII y XV. Se caracterizó por figuras más expresivas que reflejaban sentimientos humanos. El Pórtico Real de la catedral de Chartres, de 1145, es el primer ejemplo y estableció modelos con estatuas esbeltas en las jambas. Otras obras notables incluyen las portadas de las catedrales de Reims y Amiens, con figuras independientes del marco, y las Vírgenes de Borgoña del siglo XIV.
Brunelleschi fue un arquitecto italiano del siglo XV que diseñó la Capilla Pazzi en Florencia entre 1429 y 1446. Es conocido por introducir conceptos del Renacimiento como la perspectiva y por construir la primera cúpula grande sin andamiaje interno. La Capilla Pazzi utilizó proporciones matemáticas y tuvo un gran impacto en la arquitectura posterior.
El documento resume la arquitectura gótica en España desde el siglo XII hasta principios del siglo XV. Introduce el estilo gótico a través de la Orden del Císter. Describe algunos de los primeros edificios góticos en España como las catedrales de Tarragona, Lérida y Cuenca. Explica el periodo de transición y destaca ejemplos como el refectorio de Santes Creus. Finalmente, analiza el gótico clásico en Castilla con catedrales como Burgos, Toledo y León.
El documento describe la escultura "Apolo y Dafne" de Gian Lorenzo Bernini. Representa el mito de Apolo persiguiendo a la ninfa Dafne hasta que es transformada en laurel. Bernini capturó magistralmente el movimiento y la expresión psicológica de los personajes en el instante de la metamorfosis. Su uso innovador de la luz y el modelado de la piel humana muestran su gran virtuosismo escultórico.
Este documento resume las características principales del Renacimiento en Italia y de la arquitectura renacentista, con un enfoque en los principales arquitectos Filippo Brunelleschi y Leon Battista Alberti. Describe el surgimiento del individualismo y el antropocentrismo durante este período, así como el énfasis en la forma, la belleza y los modelos clásicos. Resalta obras clave como la cúpula y el tambor de Santa María de las Flores en Florencia de Brunelleschi, y edificios como la iglesia de San Andr
El documento describe la arquitectura del Renacimiento en España. Comenzó con el estilo plateresco, caracterizado por una estructura gótica pero con profusa decoración renacentista inspirada en los plateros. Luego evolucionó hacia el estilo purista o románico impulsado por arquitectos como Covarrubias, Gil de Hontañón y Machuca, con énfasis en las proporciones clásicas, orden y claridad espacial. La fachada de la Universidad de Salamanca y el patio del Palacio de Carlos V en Granada son ej
La Pintura gótica. Innovaciones de Giotto y Trecento y de la pintura flamencaIgnacio Sobrón García
La Pintura Gótica: 2º de Bachillerato LOMCE. Historia del Arte
Reconoce y explica las innovaciones de la pintura de Giotto y del Trecento italiano respecto a la románica y bizantina.
Explica las innovaciones de la pintura flamenca del siglo XV y cita algunas obras de sus principales representantes.
- El manierismo, sus exponentes y obras.
- LA ARQUITECTURA MANIERISTA
- características.
- PRINCIPALES EXPONENTES DEL MANIERISMO
- Andrea Palladio Y sus villas (1508-1580)
- Miguel Ángel Empresario Sagaz (1475- 1564)
- PRINCIPALES OBRAS REPRESENTATIVAS DEL PERIODO MANIERISTA
El documento resume los principales acontecimientos y tendencias artísticas del siglo XVI en Europa. Durante este periodo conocido como el Cinquecento, se desarrollaron dos tendencias arquitectónicas fundamentales: la clásica y la manierista. Artistas renombrados como Bramante, Miguel Ángel, Vignola y Palladio crearon obras maestras y avanzaron el lenguaje clásico de la arquitectura. La capital artística fue Roma, donde los papas comisionaron grandes proyectos como la Basílica de San
El documento resume las principales características del arte del Renacimiento en España en arquitectura, escultura y pintura. En arquitectura se desarrollaron los estilos plateresco, purista y escurialense. En escultura destacaron Alonso Berruguete y Juan de Juni en Castilla y León. En pintura sobresalió El Greco. Se describen obras representativas de cada estilo y autor.
La basílica de San Pedro en el Vaticano comenzó como un proyecto del arquitecto Bramante en 1503, pero pasó por varios cambios de diseño a lo largo de los años a medida que diferentes arquitectos asumieron el control de la construcción. Miguel Ángel retomó el diseño original de planta central de Bramante y construyó la gran cúpula que corona el edificio, pero más tarde Maderno transformó el diseño a una planta de cruz latina al añadir más secciones y la fachada actual. Finalmente, la pl
Miguel Ángel Buonarroti fue un renombrado artista del Renacimiento italiano que trabajó principalmente como pintor, escultor y arquitecto. Creó obras maestras como la Capilla Sixtina, el David y el sepulcro de los Médicis. A lo largo de su larga vida, su estilo evolucionó de formas serenas inspiradas en el arte clásico a composiciones más dramáticas y expresivas que reflejaban su profunda espiritualidad.
Arte Gótico - Arquitectura, escultura, pintura y otrosLaura V. Orozco
El Gótico se desarrolla entre mediados del siglo XII y principios del siglo XV y comprende manifestaciones como la arquitectura, la escultura, la pintura y las miniaturas.
El documento resume el arte prerrománico en la Península Ibérica tras la caída del Imperio Romano de Occidente. Se desarrollaron tres estilos principales - el arte visigodo, el arte asturiano y el arte mozárabe - que mantuvieron formas romanas pero también recibieron influencias de pueblos germánicos e islámicos. Estos estilos cristianos coexistieron en un periodo en que los musulmanes dominaron gran parte de la Península.
El movimiento artístico neoclásico se desarrolló entre 1760 y 1850 como reacción al Barroco y Rococó. Tomó como modelo el arte grecorromano por su racionalidad y equilibrio. En arquitectura destacan edificios inspirados en modelos clásicos como museos, teatros y jardines. Artistas como Canova y David crearon obras escultóricas y pictóricas neoclásicas, mientras que Goya añadió elementos románticos al estilo.
El documento describe las características principales de la arquitectura barroca. El Barroco se desarrolló en los siglos XVII y XVIII como estilo artístico de la Contrarreforma y las monarquías absolutas. La arquitectura barroca buscaba impresionar y fascinar al espectador a través de efectos teatrales y escenográficos, en lugar de apelar solo a la razón como el Renacimiento. Roma y sus iglesias como San Pedro fueron ejemplos emblemáticos, donde arquitectos
El documento resume las características principales del arte románico en Europa, con un enfoque en la arquitectura, escultura y contexto histórico. El arte románico se desarrolló entre los siglos XI y XIII e incluyó iglesias con plantas de cruz latina, bóvedas de cañón, arcos de medio punto y decoración geométrica. La escultura se caracterizó por figuras rígidas y simétricas que ilustraban pasajes bíblicos. El estilo se difundió desde Francia a través
El documento describe las características generales de la pintura gótica, incluyendo su naturalismo y representación más humana de figuras religiosas. También resume las principales técnicas como pintura mural, vidrieras, miniaturas y pintura sobre tabla, así como los diferentes estilos italo-gótico y lineal. Artistas clave mencionados son Cimabue, Giotto y los hermanos Limbourg.
La escultura gótica se desarrolló en Europa Occidental entre los siglos XII y XV. Se caracterizó por figuras más expresivas que reflejaban sentimientos humanos. El Pórtico Real de la catedral de Chartres, de 1145, es el primer ejemplo y estableció modelos con estatuas esbeltas en las jambas. Otras obras notables incluyen las portadas de las catedrales de Reims y Amiens, con figuras independientes del marco, y las Vírgenes de Borgoña del siglo XIV.
Brunelleschi fue un arquitecto italiano del siglo XV que diseñó la Capilla Pazzi en Florencia entre 1429 y 1446. Es conocido por introducir conceptos del Renacimiento como la perspectiva y por construir la primera cúpula grande sin andamiaje interno. La Capilla Pazzi utilizó proporciones matemáticas y tuvo un gran impacto en la arquitectura posterior.
El documento resume la arquitectura gótica en España desde el siglo XII hasta principios del siglo XV. Introduce el estilo gótico a través de la Orden del Císter. Describe algunos de los primeros edificios góticos en España como las catedrales de Tarragona, Lérida y Cuenca. Explica el periodo de transición y destaca ejemplos como el refectorio de Santes Creus. Finalmente, analiza el gótico clásico en Castilla con catedrales como Burgos, Toledo y León.
El documento describe la escultura "Apolo y Dafne" de Gian Lorenzo Bernini. Representa el mito de Apolo persiguiendo a la ninfa Dafne hasta que es transformada en laurel. Bernini capturó magistralmente el movimiento y la expresión psicológica de los personajes en el instante de la metamorfosis. Su uso innovador de la luz y el modelado de la piel humana muestran su gran virtuosismo escultórico.
Este documento resume las características principales del Renacimiento en Italia y de la arquitectura renacentista, con un enfoque en los principales arquitectos Filippo Brunelleschi y Leon Battista Alberti. Describe el surgimiento del individualismo y el antropocentrismo durante este período, así como el énfasis en la forma, la belleza y los modelos clásicos. Resalta obras clave como la cúpula y el tambor de Santa María de las Flores en Florencia de Brunelleschi, y edificios como la iglesia de San Andr
El documento describe la arquitectura del Renacimiento en España. Comenzó con el estilo plateresco, caracterizado por una estructura gótica pero con profusa decoración renacentista inspirada en los plateros. Luego evolucionó hacia el estilo purista o románico impulsado por arquitectos como Covarrubias, Gil de Hontañón y Machuca, con énfasis en las proporciones clásicas, orden y claridad espacial. La fachada de la Universidad de Salamanca y el patio del Palacio de Carlos V en Granada son ej
La Pintura gótica. Innovaciones de Giotto y Trecento y de la pintura flamencaIgnacio Sobrón García
La Pintura Gótica: 2º de Bachillerato LOMCE. Historia del Arte
Reconoce y explica las innovaciones de la pintura de Giotto y del Trecento italiano respecto a la románica y bizantina.
Explica las innovaciones de la pintura flamenca del siglo XV y cita algunas obras de sus principales representantes.
- El manierismo, sus exponentes y obras.
- LA ARQUITECTURA MANIERISTA
- características.
- PRINCIPALES EXPONENTES DEL MANIERISMO
- Andrea Palladio Y sus villas (1508-1580)
- Miguel Ángel Empresario Sagaz (1475- 1564)
- PRINCIPALES OBRAS REPRESENTATIVAS DEL PERIODO MANIERISTA
El documento resume los principales acontecimientos y tendencias artísticas del siglo XVI en Europa. Durante este periodo conocido como el Cinquecento, se desarrollaron dos tendencias arquitectónicas fundamentales: la clásica y la manierista. Artistas renombrados como Bramante, Miguel Ángel, Vignola y Palladio crearon obras maestras y avanzaron el lenguaje clásico de la arquitectura. La capital artística fue Roma, donde los papas comisionaron grandes proyectos como la Basílica de San
El documento resume las principales características del arte del Renacimiento en España en arquitectura, escultura y pintura. En arquitectura se desarrollaron los estilos plateresco, purista y escurialense. En escultura destacaron Alonso Berruguete y Juan de Juni en Castilla y León. En pintura sobresalió El Greco. Se describen obras representativas de cada estilo y autor.
Ponencia "Alumnado investigador: ABP y Flipped Classroom" dentro del curso "Cómo innovar e investigar en el aula: Experiencias Prácticas", en el CEP Antequera.
Presentación para seguir la Primera Guerra Muandial, teniendo en cuenta el libro de texto de la Editorial Santillana para 4º de ESO, proyecto "Los Caminos del Saber.
El documento describe la globalización económica y sus principales características. La globalización ha dado lugar a una mayor interdependencia e integración de las economías mundiales a través del aumento del comercio internacional, los flujos financieros y la concentración empresarial. Las principales potencias económicas son Estados Unidos, la Unión Europea, China, Japón, India y Brasil.
Este documento describe las características de la pintura barroca en Italia y los Países Bajos. Se analizan los estilos y obras maestras de Caravaggio, Rubens y Rembrandt, así como otros pintores como Van Dyck y Frans Hals. También se mencionan las diferencias entre la pintura barroca de Bélgica, dominada por temas religiosos, y la de Holanda, más realista y centrada en géneros como el paisaje y el retrato.
El documento presenta información sobre varias obras artísticas de Bernini y Caravaggio. Resume la Plaza de San Pedro de Bernini, su Baldaquino de San Pedro y Éxtasis de Santa Teresa. También resume Apolo y Dafne, David y la Vocación de San Mateo de Caravaggio, así como La ronda de noche de Rembrandt.
El documento describe el desarrollo de la arquitectura en España desde principios del siglo XX hasta finales del siglo XX. En los años 30, surgieron grupos como el GATEPAC que promovieron la arquitectura racionalista. Proyectos como el Club Náutico de San Sebastián y el Dispensario Antituberculoso de Barcelona siguen este estilo. Tras la guerra civil, la arquitectura se volvió más tradicional hasta los años 50. Más tarde, surgieron arquitectos como Miguel Fisac que combinaron lo moderno con lo verná
El documento resume los principales movimientos artísticos de vanguardia históricos como el fauvismo, el cubismo, el futurismo, el expresionismo, dadaísmo y surrealismo. En particular, describe el fauvismo como una reacción al impresionismo enfocada en el color y el objeto. Matisse fue el líder del fauvismo, utilizando colores puros y planos. El cubismo rompió con la perspectiva tradicional para mostrar múltiples ángulos de visión de un objeto. Picasso y Braque fueron
La Mezquita de Córdoba fue construida en etapas entre los siglos VIII y X a través de ampliaciones realizadas por los gobernantes de Córdoba. Utilizó materiales como piedra, ladrillo y yeso. Se caracteriza por sus arcos de herradura y polilobulados, así como por su decoración geométrica. Fue el principal edificio del periodo califal andalusí y un símbolo del poder musulmán frente a los cristianos.
Este documento describe las características y principales escuelas de la pintura barroca española. Se analizan los estilos de los pintores más importantes como Ribera, Zurbarán y Murillo, así como sus obras maestras. Se explican las diferencias entre la primera y segunda mitad del siglo XVII, y las escuelas de pintura de Madrid, Sevilla y Valencia.
El documento resume la arquitectura barroca italiana de Bernini y Borromini, incluyendo obras como la Plaza de San Pedro y la iglesia de San Carlo alle Quattro Fontane. También menciona el Palacio de Versalles como ejemplo del poder real barroco y la escultura de Bernini.
Tema 16. Las artes europeas a finales del XVIII y primera mitad del XIX. GoyaJunta de Castilla y León
El documento resume el neoclasicismo en arquitectura, escultura y pintura en Europa a finales del siglo XVIII y principios del XIX. En arquitectura, destaca Juan de Villanueva y sus obras como el Museo del Prado y el Observatorio Astronómico en Madrid. En escultura, sobresale Antonio Canova con obras como Eros y Psique. En pintura, se mencionan David, Ingres y Goya, conocido por sus retratos y por cuadros como La pradera de San Isidro y La maja vestida y desnuda.
Tema 22.El Expresionismo abstracto. El Informalismo. El Minimal Art, ...Junta de Castilla y León
1) El expresionismo abstracto surge después de la Segunda Guerra Mundial y se caracteriza por la acción painting, donde el artista pinta directamente sobre el lienzo usando sus manos y materiales.
2) Jackson Pollock fue el máximo representante del dripping, donde dejaba gotear la pintura directamente desde el tubo sobre el lienzo colocado en el suelo.
3) El pop art recuperó los objetos cotidianos y las imágenes de la publicidad para aplicarlos al arte, siendo Andy Warhol el máximo exponente con sus serigrafías de lat
El documento habla sobre Javier Cortes Álvarez de Miranda, el descubridor de la Villa Romana de La Olmeda en Saldaña. Cortes fue alcalde de Saldaña durante dos años, académico de la Institución Tello Téllez de Meneses y recibió la Medalla de Oro de la provincia por su descubrimiento. Lamentablemente falleció un mes antes de la restauración de la villa romana que había descubierto.
El documento describe la evolución de la arquitectura en Castilla y León desde la posguerra hasta la actualidad. Destaca arquitectos como Luis Moya, Miguel Fisac y su integración de lo orgánico con lo vernáculo, y Rafael Moneo. También se mencionan obras representativas como la Universidad Laboral de Zamora, la iglesia de los Dominicos de Valladolid y museos modernos en ciudades como Salamanca, Burgos y León.
El documento describe el arte barroco en España, enfocándose en la arquitectura, escultura y características principales. La arquitectura barroca española se caracteriza por ser predominantemente religiosa, con iglesias de una o tres naves. También se desarrollan la arquitectura civil con palacios y plazas mayores. Figuras importantes incluyen a Juan Gómez de Mora, Alonso Carbonell y los hermanos Churriguera.
El documento presenta el programa de la IV Fase Local de la VIII Olimpiada de Geografía de Castilla y León que se llevará a cabo el 4 de marzo de 2017 en el IES Antonio Machado de Soria. El programa incluye la recepción de los participantes, la ejecución de la prueba, un descanso, una presentación sobre las salidas profesionales de la geografía, y la entrega de diplomas y obsequios.
El documento describe el Renacimiento italiano, sus factores históricos y características artísticas. Se inició en Italia en el siglo XV debido a cambios socioeconómicos y el resurgimiento del interés por la antigüedad clásica. Los artistas como Brunelleschi y Alberti crearon obras maestras inspiradas en los cánones clásicos de proporción y belleza formal.
El documento resume la arquitectura del Renacimiento en Italia durante el siglo XV. Destaca figuras clave como Filippo Brunelleschi, considerado el gran renovador del estilo renacentista en Florencia. Algunas de sus obras más importantes fueron la cúpula de la catedral de Florencia, las iglesias de San Lorenzo y el Santo Espíritu, y el hospital de Los Inocentes. Otra figura relevante fue Leon Battista Alberti, conocido por obras como el palacio Rucellai y las fachadas de Santa María Novella y San And
El documento resume la obra de Filippo Brunelleschi, arquitecto pionero del Renacimiento italiano. Destaca la Capilla Pazzi de Florencia como su obra maestra, donde aplicó proporciones áureas y citas clásicas de manera armónica. También construyó la cúpula de Santa María de las Flores en Florencia, resolviendo el problema estructural mediante una forma parabólica de doble cáscara. Sus obras se caracterizaron por la búsqueda de la unidad espacial y la horizontalidad, inspirándose
La capilla Pazzi de Florencia, diseñada por Filippo Brunelleschi entre 1430 y 1444, fue considerada su obra maestra y testamento artístico. En ella Brunelleschi combinó elementos clásicos como columnas y arcos de una manera innovadora para crear un espacio armónico y ligero que rompía con las convenciones góticas. El interior de la capilla carecía de ventanales y pilares góticos, sustituidos por pilastras que enfatizaban la forma y proporciones del espacio de una manera clásica.
El documento resume la obra de Filippo Brunelleschi, arquitecto pionero del Renacimiento italiano. Destaca la Capilla Pazzi de Florencia como su obra maestra, donde aplicó proporciones áureas y citas clásicas de manera armónica. También construyó la cúpula de Santa María de las Flores en Florencia, revolucionando la técnica con una forma parabólica de doble cáscara. Fue el primero en aplicar perspectiva a la arquitectura en el hospital de Los Inocentes.
Este documento describe el arte del Renacimiento en Italia. Resume el contexto histórico y cultural del Renacimiento en Italia, con su énfasis en la cultura clásica. Luego describe la arquitectura y escultura del siglo XV en Italia, con énfasis en Florencia. Finalmente, resume la arquitectura del siglo XVI en Italia, con énfasis en Roma y arquitectos clave como Bramante y Miguel Ángel.
ARQUITECTURA DEL RENACIMIENTO ITALIANO (ESO)E. La Banda
El documento resume las características arquitectónicas del Renacimiento en Florencia y más tarde en Roma. Destaca la influencia de Filippo Brunelleschi y su cúpula para la catedral de Florencia. También describe los logros de León Battista Alberti, Bramante, Miguel Ángel y Andrea Palladio, quienes desarrollaron un estilo más clásico y monumental basado en las proporciones y la simetría.
- La cúpula de Santa María de las Flores en Florencia diseñada por Filippo Brunelleschi marcó el inicio del Renacimiento italiano en el siglo XV.
- Brunelleschi también diseñó la basílica de San Lorenzo en Florencia, notable por su uso de la arquitectura clásica.
- El Palacio Rucellai en Florencia, diseñado por Leon Battista Alberti en la mitad del siglo XV, ilustró sus principios de proporción y orden clásico en la arquitectura.
Tema 23 evolución de la arquitectura renacentista italiana brunelleschi, albe...Teresa Fernández Diez
El documento describe la evolución de la arquitectura renacentista italiana entre los siglos XV y XVI, con un enfoque en figuras clave como Brunelleschi, Alberti, Bramante y Palladio. Se destaca la cúpula de Santa María de las Flores de Brunelleschi como hito arquitectónico y se resumen las características y obras más importantes de estos arquitectos pioneros del Renacimiento.
El documento describe el arte renacentista y manierista en Italia. Resume que durante el Renacimiento Temprano o Quattrocento en Florencia, artistas como Brunelleschi, Alberti y Ghiberti crearon obras maestras de arquitectura como la cúpula de Santa María del Fiore que marcaron el regreso a los cánones clásicos. En escultura, Donatello introdujo el naturalismo con obras como David.
El documento resume la evolución del arte del Renacimiento en Italia entre 1500 y 1580, desde el Alto Renacimiento hasta el Manierismo. Destaca las figuras clave de Bramante, Miguel Ángel, Rafael y Palladio y sus principales obras arquitectónicas como la Basílica de San Pedro, la Biblioteca Laurenciana y la Villa Capra. Explica el paso de un estilo basado en el equilibrio y la armonía clásica a otro más decorativo y anticlásico.
El documento describe la iglesia de San Lorenzo en Florencia diseñada por Filippo Brunelleschi entre 1422 y 1470. Brunelleschi se inspiró en el modelo de basílica paleocristiana con tres naves y columnas corintias. La iglesia presenta una planta de cruz latina con proporciones matemáticas basadas en el cuadrado y el círculo.
Los principales exponentes de la arquitectura renacentista del Quattrocento fueron Filippo Brunelleschi y León Battista Alberti. Brunelleschi realizó importantes innovaciones como la cúpula de la catedral de Florencia y sistematizó las leyes de la perspectiva, mientras que Alberti escribió el tratado De re Aedificatoria, que estableció las bases teóricas de la arquitectura renacentista. Ambos ayudaron a difundir el lenguaje arquitectónico clásico y fijaron el modelo del pal
La arquitectura renacentista es la arquitectura europea del período comprendido entre principios del siglo XIV y principios del XVII en diferentes regiones, lo que demuestra un renacimiento consciente y el desarrollo de ciertos elementos del pensamiento y la cultura material griegos y romanos antiguos.
Este documento presenta información sobre el Renacimiento en Europa, incluyendo su surgimiento en Italia en los siglos XV y XVI, su extensión a otros países favorecida por la imprenta, y su énfasis en el humanismo y la proporción matemática. Describe obras arquitectónicas clave como la Capilla Pazzi de Brunelleschi y la cúpula de la catedral de Florencia, resaltando sus características estructurales y estéticas.
El documento describe el arte gótico en Europa Occidental entre los siglos XII y XVI. Explica las características del estilo gótico, incluyendo su arquitectura (catedrales con arcos ojivales y bóvedas de crucería), escultura y pintura. También analiza las condiciones sociales y culturales que dieron lugar al arte gótico, así como ejemplos importantes como las catedrales de León, Toledo y Burgos.
El documento resume la arquitectura renacentista en Italia entre los siglos XV y XVI. Floreció primero en Italia, con figuras clave como Brunelleschi, Alberti y Bramante. Se caracterizó por inspiración en la antigüedad clásica, proporciones basadas en la escala humana, y énfasis en la simplicidad, orden y belleza ideal. La arquitectura renacentista marcó el desarrollo de tipos como la planta centralizada, el palacio urbano y la perspectiva geométrica.
La Arquitectura del Renacimiento estuvo relacionada con el clasicismo y el humanismo. Se caracterizó por producir innovaciones en los medios de producción y el lenguaje arquitectónico, inspirándose en la Antigüedad clásica. Los arquitectos pasaron de ser artesanos a profesionales que marcaban su estilo personal en cada obra.
La Unión Europea ha propuesto un nuevo paquete de sanciones contra Rusia que incluye un embargo al petróleo ruso. El embargo se aplicaría gradualmente durante seis meses para el petróleo crudo y ocho meses para los productos refinados. Este paquete de sanciones requiere la aprobación unánime de los 27 estados miembros de la UE.
El transporte es la actividad que traslada personas y mercancías entre lugares geográficos. Desempeña un importante papel económico (4,2% del PIB) y espacial
Este documento contiene las notas de varias visitas realizadas por estudiantes y profesores del IES Antonio Machado de Soria a la Alameda de Cervantes. En las visitas, la guía Carmen explica las características de diferentes especies de árboles presentes en el parque, incluyendo robles, encinas, cipreses, plátanos y castaños. Los estudiantes toman notas y comparten la experiencia en las redes sociales.
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Este documento presenta dos rúbricas para evaluar presentaciones GoConqr sobre la hidrografía en España. La primera rúbrica evalúa aspectos como la claridad, errores ortográficos y aprendizaje obtenido. La segunda rúbrica evalúa categorías como las diapositivas, tests, fichas, mapas mentales, vocabulario, contenido y dominio del tema. Ambas rúbricas proporcionan una escala de valoración de 5 a 1 puntos para cada categoría.
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Rubrica y apartados para valorar la presentación de un país con la herramienta Genial.ly. Los trabajos se subirán a la plataforma Ineveri Cea, para participar en un concurso en colaboración con Genial.ly.
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Soluciones Examen de Selectividad. Geografía junio 2024 (Convocatoria Ordinar...Juan Martín Martín
Criterios de corrección y soluciones al examen de Geografía de Selectividad (EvAU) Junio de 2024 en Castilla La Mancha.
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ACERTIJO DESCIFRANDO CÓDIGO DEL CANDADO DE LA TORRE EIFFEL EN PARÍS. Por JAVI...JAVIER SOLIS NOYOLA
El Mtro. JAVIER SOLIS NOYOLA crea y desarrolla el “DESCIFRANDO CÓDIGO DEL CANDADO DE LA TORRE EIFFEL EN PARIS”. Esta actividad de aprendizaje propone el reto de descubrir el la secuencia números para abrir un candado, el cual destaca la percepción geométrica y conceptual. La intención de esta actividad de aprendizaje lúdico es, promover los pensamientos lógico (convergente) y creativo (divergente o lateral), mediante modelos mentales de: atención, memoria, imaginación, percepción (Geométrica y conceptual), perspicacia, inferencia y viso-espacialidad. Didácticamente, ésta actividad de aprendizaje es transversal, y que integra áreas del conocimiento: matemático, Lenguaje, artístico y las neurociencias. Acertijo dedicado a los Juegos Olímpicos de París 2024.
Presentación simple corporativa degradado en violeta blanco.pdf
Tema 9.Quattrocento.
1.
2. El Renacimiento es un movimiento cultural y artístico que
surge en Italia en el s. XV y se extiende por Europa en el s.
XVI. Su manifestación literaria y filosófica se conoce con el
nombre de Humanismo.
Durante el Renacimiento el hombre vuelve los ojos a la
Antigüedad grecolatina. Sus autores tienen la intención de
hacer “renacer” la cultura clásica.
De Grecia se imitó el espíritu (neoplatonismo) y de Roma
las formas artísticas.
3. El renacimiento fue consecuencia de las transformaciones
religiosas, políticas, económicas y artísticas de los siglos XIII y
XIV.
En lo religioso: Se separa lo cívico y lo religioso y se pasa de
la visión teocéntrica propia de la Edad Media a una postura
antropocéntrica: no elimina a Dios, sino que lo humaniza. Se
exalta el individualismo y la libertad de espíritu que
desembocará en la Reforma protestante.
En lo político: Es la época de las monarquías autoritarias y
de la formación de los estados modernos.
En lo Económico: Es la época de los descubrimientos
geográficos y de un incipiente desarrollo industrial y con una
economía urbana y mercantil.
4. En lo Artístico: Se sustituye el sistema formal gótico por
otro distinto, basado en los modelos de la antigüedad
clásica.
El cuerpo humano es el principal objeto de atención y la
belleza es la expresión de un orden intelectual cuyo
lenguaje es la medida, el orden, el número y la proporción.
Aparece la perspectiva como principal sistema
representación.
de
5. El patrocinio de las obras de arte deja de ser una
actividad exclusiva de la monarquía y del clero
interesando, también, a la nobleza y a la burguesía.
El mecenas con su labor de patronazgo adquiría
prestigio a la vez que testimoniaba su poder económico.
En Italia entre los grandes mecenas destacan las familias
de los Médicis, Farnesio, Gonzaga, Pazzi, etc.
El artista comienza a ser alguien respetado y valorado,
aunque la mayoría se formaba en los talleres y seguía
vinculado a los gremios
6. Pedro Berruguete. Federico de
Montefeltro y su hijo (1477).
Entre los príncipes del Quattrocento destaca
Federico, duque de Urbino, que hizo de su ciudad
uno de los centros artísticos más importantes de
Italia.
Berruguete lo retrata como un hombre de
armas y de letras, ataviado con el traje militar y
sosteniendo un precioso manuscrito en las
manos, en alusión a la esplendida biblioteca que
ordenó formar en su palacio, donde también
encontraron trabajo arquitectos como Alberti y
Bramante, pintores como Berruguete, Piero della
Francesca, Leonardo y Rafael, y humanistas de la
talla de Baltasar de Castiglione, el gran cronista
de la vida cortesana durante el Renacimiento.
El motivo de que aparezca de perfil izquierdo
se debe a una imposición del Duque, que en
1450 perdió el ojo derecho en un torneo.
7. El
Renacimiento se divide en dos grandes
períodos: el Quattrocento y el Cinquecento.
Quattrocento (siglo XV): es una etapa de
experimentación artística. La capital
es
Florencia
Cinquecento (siglo XVI): período más clásico
coincide con las primeras décadas del siglo XVI.
Su capital es Roma.
Hacia 1530 aparece el Manierismo que supone
una reacción anticlásica con un lenguaje
artístico muy personal.
8.
9.
10. La arquitectura renacentista sustituye el sistema constructivo y espacial del gótico por
otro inspirado en la Antigüedad clásica y en la basílica cristiana.
Elementos formales: Se sustituye el arco apuntado por el de medio punto; pilar con
formales
baquetones por las columnas con órdenes y proporciones clásicas y las bóvedas de
nervios por las de medio cañón, las de arista y la cúpula.
Elementos ornamentales: Decoración de candelabro, grutescos, medallones, putti,
ornamentales
guirnaldas, casetones, almohadillados, balaustres etc.
11. Desaparece la concepción medieval del espacio longitudinal: se
tiende a la planta central.
Hay unidad espacial, los interiores son anchos y desahogados.
La cúpula es el símbolo de la majestad de Dios.
El edificio es el resultado de un cálculo matemático (repetición
de módulos que se multiplican o se dividen) y el uso de la
proporción áurea permitirá que el resultado sea un todo
racional, proporcionado, en el que reinan el orden y la
simetría.
12. Además de la arquitectura religiosa hay arquitectura civil en la
que sobresalen el palacio urbano y la villa.
Los palacios suelen tener planta rectangular con un patio
interior. Predomina la horizontalidad. Suelen tener tres pisos y
fachadas almohadilladas.
Las villas son residencias campestres de nobles y comerciantes
ricos. Suelen tener planta de cruz griega con fachadas
idénticas.
13. Se considera el introductor del nuevo estilo.
Entre sus aportaciones están la recuperación de los motivos
clásicos y el empleo de las leyes matemáticas de la
proporción y la perspectiva.
En sus obras dominan las líneas rectas, los planos lisos y los
espacios cúbicos.
14. Cúpula de la
catedral de
Florencia
Es su obra más
famosa.
Esta formada
por dos cúpulas:
una interior, y
otra exterior, de
ladrillo y
dividida en
tramos a modo
de gajos.
15. Cúpula de la catedral de Florencia
Presenta la cúpula un perfil esbelto
gracias a su perfil ojival, conseguido a
partir de la curvatura de los ocho
nervios de mármol blanco, de 4
metros de espesor, que ascienden
hasta la cúspide.
Los nervios se unen y dan paso a una
estilizada linterna, diseñada por el
propio Bruneleschi.
La cúpula, cuyas 8 caras están
recubiertas de tejas rojas, se alza
sobre un tambor octogonal de
piedra revestida de mármol, con
una gran ventana circular en cada
uno de sus lados.
17. Planteó la cúpula como
un doble
cascarón
octogonal
con
un
espacio vacío en medio.
El cascarón interno –de
ladrillos y piedra- debía
ser más resistente que el
externo
para
sostenerlo.
18. Costillas,
horizontales
concéntricas, que junto con los
nervios ocultos en las caras
octogonales, contrarrestan desde
el interior los empujes.
Base de la cúpula, formada por
bloques de piedra que unían los
dos cascarones.
Semicúpulas de descarga, que
junto con los nervios visibles,
muy reforzados, contrarrestaban
las tensiones.
19.
20. La Capilla Pazzi es una obra de
plena concepción renacentista.
En todo el edificio se aprecia
la búsqueda de la armonía
frente a la monumentalidad.
Esto se consigue mediante la
repetición de un módulo, casi
siempre basado en un cuadrado
o en un cubo, que permite
establecer las medidas del
edificio.
Por eso todos sus edificios
destacan por la escala humana,
la perfecta armonía entre los
elementos y el equilibrio de las
proporciones.
21. Capilla Pazzi.
La fachada se articula
mediante un pórtico con
columnas, que combina el
arco
central
con
superficies adinteladas.
En esta superficie hay
un entablamento que
"rompe" en el centro en
arco de medio punto.
22. Capilla Pazzi.
Interior.
Es de planta cuadrada
cubierta con cúpula,
donde se da la
interacción del espacio
cuadrado con cubierta
circular.
24. Basílica de San Lorenzo.
Inspirada
en
las
basílicas
paleocristianas
que
Brunelleschi
estudió, se trata de un templo con
planta de cruz latina de tres naves.
La nave central tiene cubierta
adintelada con casetones y las laterales
bóveda de arista.
La separación de las naves se
establece mediante columnas de orden
compuesto y sobre ellas un trozo de
entablamento en el que descarga cada
arco de medio punto.
En el crucero dispuso una cúpula.
25. San Lorenzo.
Brunelleschi busca en
esta
iglesia
básicamente
dos
aspectos:
La horizontalidad que
se aprecia en los
entablamentos y la
cubierta plana de la
nave central y, la
armonía
en
la
proporción geométrica.
26.
27. Santo Espíritu (las mismas características
Es importante el efecto espacial creado por la luz
29. Hospital de los Inocentes
Efecto de horizontalidad
Pórtico con arcos de medio punto sobre columnas corintias, En
las enjutas de los arcos hay tondos con figuras blancas sobre
fondo azul.
30. Palacio Pitti.
Establece el modelo renacentista de
palacio que fue seguido por sus
discípulos
Muros sillares almohadillados.
Las ventanas con arco de medio punto.
31.
32. ALBERTI
Fue un importante teórico, autor de tres Tratados sobre las
artes mayores, y uno de los primeros en emplear los órdenes
clásicos de la arquitectura romana. Para Alberti, las
matemáticas, el número, la medida y las proporciones, son el
fundamento de la belleza.
Impuso una pureza clásica que fue el precedente de las obras
de Bramante y sus sucesores, como muestra la fachada del
Templo Malatestiano inspirada en el arco de triunfo romano.
Su gran obra es la iglesia de San Andrés de Mantua.
Otras obras: fachada de Santa María Novella y el Palacio
Rucellai, ambos en Florencia.
36. San Andrés de Mantua es la
obra más avanzada de Alberti y
la que más influencia ejerce.
El interior es de una sola nave
con bóveda de cañón y cúpula en
el crucero. Utiliza el cuadrado
como base modular.
Presenta una monumental
fachada concebida como un gran
arco de triunfo, con grandes
pilastras, nichos y frontón.
40. Palacio Rucellai. L. B. Alberti, 1459.
En el Palacio Rucellai, Alberti siguió el
modelo renacentista florentino, como en el
Medici-Ricardi de Michelozzo: tres pisos con
distribución rítmica de bíforas y cornisa en
voladizo.
Pero en cada piso las bíforas están
separadas entre sí por pilastras apenas
salientes del muro, según la superposición
de órdenes clásicos que recomendaba
Vitrubio y que se aprecia en el Coliseo de
Roma.
De este modo la fachada del palacio queda
ordenada no sólo en sentido horizontal, sino
también vertical.
41. Palacio Rucellai. Florencia. Rompe la
horizontalidad incluyendo pilastras
verticales.
Es una residencia palaciega, integrada en el entramado urbano, sin carácter
defensivo y priorizando la habitabilidad y el status social de sus propietarios.
Emplea Alberti para este edificio una arenisca de tonos amarillentos. En la
fachada los sillares adquieren un almohadillado, pero desbastado de forma
uniforme, al modo del aparejo romano. En el respaldo del banco corrido
emplea una especie de opus reticulatum romano.
El autor de esta obra es León Battista Alberti (Genova, 1404 - Roma, 1472).
Alberti es considerado como el prototipo del hombre renacentista, hombre
universal y humanista. Fue el primer encargo que recibió Alberti.
42. La fachada principal se articula
a partir de un banco corrido,
sobre el que se disponen tres
pisos, en los que Alberti
superpone los órdenes clásicos en
sus pilastras. Estos pisos se
separan mediante verdaderos
entablamentos. Mientras en la
primera planta se emplean
estructuras
adinteladas,
las
ventanas de los pisos superiores
son bíforas, enmarcadas en arcos
de medio punto. La fachada se
cierra con una gran cornisa de
piedra sostenida por ménsulas,
que sustituye por primera vez en
Florencia los antiguos aleros de
los tejados medievales. Esta
cornisa oculta una loggeta,
adornada con pinturas.
43.
Es un edificio con forma geométrica, cuatro
cuerpos reunidos alrededor de un patio
interior central, es decir un cubo con un vacío
en el centro. El patio, regular y porticado, se
convierte en núcleo centralizador del edificio,
a la vez que ilumina cada de las plantas.
Aprovecha el tradicional patio florentino, pero
como eje de un espacio racional y simétrico.
En este palacio Alberti plasma de manera
práctica sus teorías sobre proporciones,
armonía y belleza que tienen que adquirir los
edificios. Sin embargo, su mecenas Giovanni
Rucellai, deslumbrado por el palacio Médici se
empeñó en comprar los solares contiguos para
ampliar horizontalmente el proyecto original,
haciendo que el proyecto pasara de tener
cinco ejes a ocho, quedándose el último eje sin
construir. De este modo se rompe la
concepción original de la fachada como un
rectángulo simétrico.
44. El Palacio cumple la doble función de residencia familiar y la representativa de banca y
comercio. Alberti tiene en cuenta, por un lado el aspecto de la intimidad, que logra al
proyectar las ventanas sobre el patio interior, y por otro el de representación,
conseguido al transformar el exterior del palacio en una especie de mirador sobre la
ciudad. Toda la planta baja se destina a la actividad de banca y comercio que desarrolla la
familia. Al exterior un banco corrido cumple la función de sala de espera para aquellos
florentinos que precisasen una audiencia y tuvieran que esperar.
Alberti integra el palacio en un entorno urbano central, pero confinado en un solar
restringido y en continua modificación. La construcción del palacio proporcionará la
belleza necesaria a este emplazamiento urbano, un tanto tétrico hasta entonces.
Este palacio expresa y simboliza la riqueza, el esplendor y el orgullo de la ciudad de
Florencia, pero también, y lo que es más importante, el empuje y el poder de una nueva
burguesía, así como de su nueva mentalidad y gustos.
48. La escultura renacentista alcanza una
total independencia de la arquitectura.
Se preocupa por:
•la belleza y el equilibrio de las formas.
•naturalismo: Realismo idealizado
•la figura humana y el estudio del
desnudo.
Materiales: mármol, bronce (técnica de
la cera perdida).
Temas: religioso, mitológico y profano,
alegórico. El retrato adquiere gran
difusión.
El relieve alcanza un gran desarrollo
especialmente el llamado relieve
pictórico (Schicciato)
52. DONATELLO
Tiene más interés por la figura humana aislada que por
las grandes composiciones de carácter pictórico y
narrativo.
Representó todos los estados de ánimo: alegría, tristeza y
las diferentes edades del hombre, desde la infancia a la
vejez, con variados gestos y actitudes.
Le interesó la expresión más que la belleza.
Tiene gran dominio de los materiales y cultiva el bulto
redondo y el relieve.
Entre sus obras figuran retratos, temas religiosos, y
profanos
58. David. Donatello.
Escultura en bronce.
Tema bíblico. Es el primer desnudo de la
escultura renacentista.
Tiene, reminiscencias de la escultura
clásica, especialmente de Praxíteles por
el contraposto inspirado en la conocida
curva praxiteliana y la perfección
anatómica.
Representa los valores de la juventud, la
belleza idealizada, serenidad y elegancia
Parece tener un significado simbólico, ya
que es una especie de monumento
cívico-patriótico que conmemora las
victorias de Florencia frente a su rival,
Milán.
David
59. David. Donatello.
Es una de las esculturas más importantes del
primer renacimiento.
Vasari comentó, refiriéndose a esta obra,
“[…] ese cuerpo es tan natural, vívido y delicado
que a los artistas les parece que debe de haber
sido moldeado sobre el cuerpo de una persona
viva”.
La pierna derecha soporta el peso del cuerpo,
mientras la izquierda descansa sobre la cabeza
de Goliat.
El ángulo formado por la pierna libre es
contrarrestado por el brazo izquierdo que apoya
sobre la cadera.
Su desnudez y la recreación de la curva
praxiteliana, imprime un movimiento sensual a
la anatomía del pastor.
60. David. Donatello.
La superficie pulida y casi negra realza las
cualidades y el atractivo del cuerpo juvenil.
Por otra parte, la espada que sostiene con la
mano derecha, con la que acaba de cortar la
cabeza de su enemigo, la piedra que guarda en
la otra mano y la mirada satisfecha hacia su
enemigo, dan idea de su valentía.
El tratamiento de la anatomía masculina
difiere de la tipología clásica en el escaso
desarrollo muscular y en la apariencia andrógina
con que dota a David, en contraposición con los
atletas griegos.
63. Se inspira en la escultura
ecuestre de Marco Aurelio.
Destaca por el naturalismo
y la serenidad del jinete y
del caballo, típicas del
Quattrocento, y el estudio
psicológico del personaje
característica del autor. Es
un retrato y está realizado
para glorificar al personaje
representado; también se
trata de resaltar la virtudes
del militar, que con gesto
austero conduce al caballo
sin violencia pero con
autoridad, remarcada ésta
por la posición del bastón
de mando
Gattamelata
64.
65. En la pintura italiana renacentista también hay una vuelta
a la cultura clásica, buscando la belleza basada en la
medida, el número y la proporción.
Los elementos formales que más interesan a los artistas
son:
La perspectiva, la composición, el color y la luz.
Hay un interés por el naturalismo, por la percepción de
los volúmenes, y por reflejar la psicología de los
personajes.
66. Aparece un nuevo sistema visual: la perspectiva lineal
que hace posible la representación de lo real en las dos
dimensiones.
Los temas son fundamentalmente religiosos pero se
cultivan también temas mitológicos o profanos. La figura
humana se representa en las más variadas actitudes. Se
emplea el escorzo.
Se avanza en la interpretación del paisaje y de los
escenarios arquitectónicos, y la luz es un elemento de
primer orden en el cuadro.
Se pinta sobre muro, tabla y lienzo y las técnicas más
comunes son el fresco, el temple y el óleo.
68. FRA ANGELICO. La Anunciación 1430-1432.
Es un pintor esencialmente religioso, en cuya obra se observan elementos góticos como el
uso del oro, el alargamiento y la curvatura de las figuras, el detallismo,
Junto a un sentido del volumen en sus figuras y una representación del espacio con
arquitecturas clásicas, propias del quattrocento.
Es el pintor por excelencia de la Virgen y de visiones celestiales, como La Anunciación y La
Coronación de la Virgen.
La Anunciación es un magnífico retablo, en
cuya predela o banco aparecen diversas
escenas de la vida de la Virgen.
Aunque todavía aparecen oros, el fondo
dorado gótico ha dejado paso a una
construcción de estilo renacentista y a una
atenta observación de la naturaleza en los
árboles y plantas que enmarcan la escena del
paraíso.
La gracia de las actitudes, el lujo de los
atuendos y la técnica preciosista en el
tratamiento de los pormenores contribuyen,
también, a la valoración del conjunto.
69. FRA ANGELICO. La Anunciación 1430-1432.
En la tabla central, la escena de la Anunciación transcurre en un pabellón de estilo
renacentista abierto por los dos lados.
Las dos figuras principales están situadas bajo un arco cada una. El arcángel Gabriel ocupa
la parte central de la composición y la Virgen se sitúa a la derecha. El ángel se inclina
levemente e inicia la genuflexión mientras María, con los brazos cruzados sobre el pecho y
con un libro abierto sobre la pierna derecha , baja la mirada.
Un rayo de sol ilumina a la Virgen y una
paloma, símbolo del Espíritu Santo, es
impulsada hacia María a través del rayo.
Al fondo, a la izquierda, aparece la escena de
la expulsión de Adán y Eva del paraíso
terrenal.
Tres medallones decoran el pabellón,
sostenido por columnillas corintias. En el arco
del centro aparece el busto de Jesús, que
configura la Trinidad junto con el Espíritu
Santo.
El vano sin puerta que da a la habitación de
María otorga profundidad a la escena.
71. MASACCIO
Concentra toda su atención en el volumen de las figuras,
que adquieren un aspecto escultórico monumental,
macizo, y serenamente majestuoso.
Aplicó una luz homogénea en la representación de los
cuerpos y las vestiduras de los personajes lo que unido a
una sabia representación de la perspectiva consigue la
fusión de las figuras con el ambiente.
Obras: Frescos de la capilla Brancacci, La Trinidad
73. El Tributo de la Moneda. Capilla Brancacci. Florencia.
En ella aparece una novedad: una perspectiva horizontal. A pesar de la
isocefalia, hay profundidad en el cuadro gracias al análisis de la luz
interpuesta entre las figuras de los distintos planos.
Nos dice Vasari, que entre los Apóstoles que rodean a Jesús, el situado “en
último plano, en un autorretrato de Masaccio, pintado en el espejo tan bien,
que parece vivo”.
74. El Tributo de la Moneda. Capilla Brancacci. Florencia.
Felipe Brancacci es un acaudalado comerciante de sedas que quiso decorar su
última morada con un ciclo iconográfico dedicado a San Pedro.
Masaccio fragmenta el cuadro en tres escenas yuxtapuestas. En el centro Cristo es
requerido por el recaudador de impuestos de Cafarnaun para que pague el derecho de
portazgo antes de entrar en la ciudad. Entonces el Señor encarga a Pedro que pesque
un pez en el lago de Genezaret, (izquierda) en cuyas entrañas hallará la moneda
solicitada por el funcionario de Hacienda. A la derecha Pedro paga el impuesto.
76. La Trinidad. Iglesia de Santa María de
Novella, Florencia. Fresco.
Utiliza un punto de vista muy bajo
para provocar un efecto ilusionista de
espacio en perspectiva (con María y
San Juan delante de la cruz, mantenida
por Dios Padre), acentuado al colocar
las figuras de los donantes arrodillados
en primer término, delante de la
supuesta arquitectura.
77. La Trinidad. Iglesia de Santa María de
Novella, Florencia. Fresco.
Se trata de una de las primeras pinturas
que hacen uso de la perspectiva lineal:
todas las líneas confluyen en un punto de
fuga, situada en la parte inferior central
del piso sobre el que se erige la cruz. La
composición está realizada desde el nivel
visual del espectador.
78. La Trinidad. Iglesia de Santa María de Novella,
Florencia. Fresco.
La escena viene presidida por la imagen de Dios Padre
quien elevado por encima de una repisa, se erige por
encima del resto de las figuras y pasa sus brazos por
debajo de la crus.
Entre las cabezas del Padre y del Hijo se sitúa el
Espíritu Santo.
La Virgen y San Juan se hallan a los pies de la cruz.
En un nivel más bajo, se encuentran las figuras
arrodilladas y orantes que son los dos comitentes.
En la zona inferior se simula la mesa de un altar. En su
interior hay un sarcófago sobre el que reposa un
esqueleto, símbolo de la muerte inevitable. La
inscripción que aparece sobre el esqueleto nos dice:
YO FUI YA LO QUE VOSOTROS SOIS,
VOSOTROS SERÉIS LO QUE YO SOY.
79. PIERO DELLA
FRANCESCA
Su pintura se basa en el estudio de la perspectiva y de la
luz. Consigue armonizar lo científico con la belleza de las
formas.
Sus figuras resultan monumentales y solemnes, muy
escultóricas, y un tanto estáticas. Sus proporciones e
indumentaria son clásicas. Se insertan perfectamente en
los marcos arquitectónicos o de paisaje en los que la luz
juega un destacado papel.
Obras: El sueño de Constantino, La Flagelación, El Bautismo
de Cristo y La virgen de Montefeltro
82. La Flagelación, incluye dos escenas separadas entre sí por el pórtico de
inspiración clásica y la gruesa línea blanca del suelo.
En la izquierda Pilatos contempla como Jesús es azotado por dos verdugos.
Un personaje con turbante y que da la espalda al espectador, observa el
castigo.
La otra escena tiene lugar en primer plano y al aire libre: tres hombres
83.
84. Las dos figuras centrales de la composición son la de Jesús y la del joven del
grupo en primer plano. Ambos tienen los pies en una posición similar y están a
la misma distancia de la columna central, que es el elemento dominante de la
composición
El suelo de ambas escenas esta realizado siguiendo las leyes de la perspectiva
lineal, con el punto de fuga junto al verdugo de la izquierda de Jesús.
85. El grupo del primer plano recibe la luz desde la izquierda, mientras que en la
representación de la flagelación existen distintas fuentes lumínicas: el cuerpo de Cristo
recibe luz desde la derecha, des espacio existente entre las columnas; otra fuente de luz
es la puerta abierta detrás de Pilatos, que permite ver la escalera con gran claridad; el
techo iluminado justamente encima de Cristo delata la tercera fuente de luz.
Sutiles juegos de luces y sombras –como el de la vestimenta del personaje con
turbante- revelan el virtuosismo del pintor.
86. Estos tres personajes podrían
representar el arrepentimiento de Judas
(aunque no hay ninguna referencia a las
30 monedas) o a tres personajes
conocidos del artista.
La versión más aceptada considera al
grupo de la derecha como un símbolo de
la reunión de los gobernantes italianos
de la época para oponerse a la amenaza
que representaban los turcos. Esta teoría
concuerda con un texto del Salmo 2, que
parece que estaba inscrito en el marco de
la tabla: Convenerunt in unum (Se
hicieron uno).
Por aquellos años Federico de
Montefeltro, posible comitente de la
obra, orientaba su política hacia una
nueva liga de los ducados italianos que
superara sus desavenencias.
89. BOTTICELLI
Desarrolló un estilo personalísimo, caracterizado por la elegancia y delicadeza de
su trazo, su carácter melancólico y la fuerza expresiva de sus líneas.
Es el creador de un nuevo tipo de belleza femenina: cuerpos etéreos, ligeros,
rostros alargados, melancólicos y cabelleras sueltas y ondulantes
Recibió la influencia del neoplatonismo cristiano, que pretendía conciliar las
ideas cristianas con las clásicas. El neoplatonismo es lo que inspira dos de sus
más famosos cuadros: El nacimiento de Venus, y La Primavera. En ambas le
interesa más recrearse en los ritmos lineales que crear unos personajes rotundos
y sólidos como los de Masaccio.
90. BOTTICELLI
Para la villa de Castello, propiedad de Lorenzo de Pierfrancesco, sobrino de
Lorenzo “el Magnífico”, realiza dos cuadros singulares: La Primavera y El
nacimiento de Venus, que simbolizan respectivamente el “Amor” y la “Belleza”.
91. La Primavera (Uffizi, Florencia)
La Primavera es un horóscopo destinado a celebrar las bodas de su propietario,
Lorenzo de Pierfrancesco. Ante un bosquecillo de naranjos y flores, Venus que es la
divinidad tutelar de la educación humanista, libera por una parte a las Gracias, que bailan
a su derecha junto a Mercurio, y, por otra, a Flora, situada a la izquierda, que es producto
de la unión carnal entre el viento Céfiro y la ninfa Cloris. “Fui una vez llamada Cloris y
ahora me llaman Flora” aclara Ovidio.
Por lo tanto, Botticelli ha representado la doble naturaleza del amor: la gracia de las
artes liberales y los vientos de la pasión en un paisaje de ensueño; o si se prefiere, la
novia al mismo tiempo casta y sensual, que siempre hará feliz al esposo.
93. La Primavera (Uffizi, Florencia)
Destaca el gran formato de la obra (203 cm X 314 cm), lo
relacionan con los tapices.
En el cuadro aparecen varios personajes relacionados con la
mitología clásica, pero no representan ninguna escena que se narre
en lo textos mitológicos. Por ello, se piensa que en realidad se
trata de una alegoría, que puede tener distintas interpretaciones.
94. La Primavera (Uffizi, Florencia)
Mercurio, que alza su mano derecha hacia las nubes,
portando el caduceo, para dispersar las nubes. En la
cabeza lleva un casco y porta una espada en el cinturón, lo
cual puede relacionarse con su función de guardián del
jardín de Venus. Se calza con sandalias aladas.
95. La Primavera (Uffizi, Florencia)
Las tres Gracias. Eran mujeres jóvenes, servidoras de Venus.
Representaban el placer, la castidad y la belleza. Se visten con ropas
muy ligeras
96. La Primavera (Uffizi, Florencia)
Destaca el gran formato de la obra (203 cm X 314 cm), lo relacionan con los tapices.
En el cuadro aparecen varios personajes relacionados con la mitología clásica, pero no
representan ninguna escena que se narre en lo textos mitológicos. Por ello, se piensa
que en realidad se trata de una alegoría, que puede tener distintas interpretaciones.
Mercurio, que alza su mano derecha hacia las nubes, portando el caduceo, para
dispersar las nubes. En la cabeza lleva un casco y porta una espada en el cinturón, lo cual
puede relacionarse con su función de guardián del jardín de Venus. Se calza con sandalias
aladas.
Las tres Gracias. Eran mujeres jóvenes, servidoras de Venus. Representaban el placer,
la castidad y la belleza. Se visten con ropas muy ligeras
97. La Primavera (Uffizi, Florencia)
Venus. Es el personaje central de la
composición y queda enmarcada por una especie
de claro que se abre en el bosque que tiene a sus
espaldas.
98. La Primavera (Uffizi, Florencia)
Cupido. Se sitúa sobre la cabeza de Venus y tiene su arco
preparado para lanzar una de sus flechas.
99. La Primavera (Uffizi, Florencia)
Flora. Diosa de la Primavera, aparece vestida con un traje
estampado y esparciendo flores.
100. La Primavera (Uffizi, Florencia)
La ninfa Cloris y Céfiro. Esta escena recoge el momento en que Céfiro, dios del
viento, atrapa a la ninfa Cloris, de cuya boca salen flores.
Los personajes se disponen sobre un bosque que sirve de telón de fondo.
Entre la vegetación destacan los naranjos, árboles relacionados con la familia
Medici: un mirto, planta que se atribuye a Venus, y laureles.
Esta obra destaca, entre otras cosas, por la minuciosidad a la hora de tratar
detalles, por ejemplo en las joyas y en los adornos del pelo de las Gracias.
101. Según la mitología clásica, Venus nació de los testículos de Urano al contacto con el
mar, cuando fue castrado por Zeus. Y Ficino interpretó esta leyenda como el
nacimiento de la Belleza en la mente del hombre a través de la fertilización de la
divinidad.
102. Botticelli –advierte Vasari-, “hizo desnudos femeninos; de entre ellos pueden
verse hoy en la Villa del Castello dos cuadros; en uno está representado El
nacimiento de Venus saliendo de las aguas, que impelida por las brisas y los vientos,
llega a la tierra rodeada de amorcillos”.
A la derecha, Céfiro, el viento de la primavera, ha abrazado a la inocente ninfatierra Cloris. Tras la unión surgen flores de su aliento y queda transformada en Flora,
que a la derecha ofrece una túnica a Venus.
El tema está inspirado en los Fasti de Ovidio, que canta: “Fui una vez llamada
Cloris y ahora me llaman Flora”.
El Nacimiento de Venus .
103.
104. Las cuatro figuras que componen el cuadro, dos de ellas entrelazadas, provocan un
juego de fuerzas que se contrarrestan y proporcionan movimiento y tensión a la escena.
Los vientos soplan sobre Venus, que se yergue sobre una pierna que le sirve de punto
de apoyo, mientras la otra queda libre siguiendo el modelo de la estatuaria griega.
Equilibra el lado derecho del cuadro la Primavera, que se apresura a cubrir a Venus con un
manto.
105. Un examen atento de Venus revela un
cuello demasiado largo, un brazo que se
dobla de manera poco natural y unos
hombros excesivamente estrechos y caídos.
106. La interpretación mitológica da paso a las interpretaciones neoplatónicas del mito de
Venus que, como miembro del círculo de los Medici, Botticelli conocía y compartía. No
es una simple exaltación de la belleza femenina, sino una alusión a la fuerza del amor en
el conjunto de la naturaleza.
El cuadro está repleto de símbolos: las rosas que caen sobre la diosa hacen referencia
al amor, pues implican alegría, pero también dolor con sus espinas: la concha se refiere a
la fertilidad; la guirnalda de mirto que lleva la Primavera simboliza el amor eterno.
107. El cuadro está repleto de símbolos: las rosas que caen sobre la diosa hacen
referencia al amor, pues implican alegría, pero también dolor con sus espinas:
la concha se refiere a la fertilidad; la guirnalda de mirto que lleva la Primavera
simboliza el amor eterno.
115. Virgen del Magníficat
El título del cuadro proviene de lo
que la Virgen está componiendo,
guiada por la mano del Niño: el salmo
que comienza “Magnificat", sobre un
libro de pergamino.
En el brazo de la Virgen está el Niño,
que observa a la madre, mientras con la
mano izquierda aferra una granada,
símbolo de la resurrección.
La pintura representaría a la familia de Pedro de Cosme de Médici, señor de
Florencia desde 1492. Su esposa, Lucrezia Tornabuoni como María, Lorenzo de
Médici como el joven con el tintero, flanqueado por su hermano Juliano de
Médici quien sostiene un libro. Detrás de estos dos chicos estaría María,
mientras que las dos hermanas mayores estarían sosteniendo la corona en la
parte trasera: Bianca a la izquierda y Nannina a la derecha. El recién nacido
sería la hija de Lorenzo, Lucrezia de Medici.