El documento describe el arte renacentista y manierista en Italia. Resume que durante el Renacimiento Temprano o Quattrocento en Florencia, artistas como Brunelleschi, Alberti y Ghiberti crearon obras maestras de arquitectura como la cúpula de Santa María del Fiore que marcaron el regreso a los cánones clásicos. En escultura, Donatello introdujo el naturalismo con obras como David.

1. TEMA 9: ARTE RENACENTISTA Y MANIERISTA “ El mundo se recupera como si despertase de un sueño.” Erasmo de Rotterdam.

2. 1- INTRODUCCIÓN AL RENACIMIENTO. Concepto: S.XV Lorenzo Ghiberti: “Renascere”: Regreso a los valores formales y espirituales de Antigüedad Clásica S.XVI Giorgio Vasari habla de “rinascita”: recuperación de modelos de Antigüedad Clásica S. XIX Jules Michelet y Jacob Burckhardt: generalizan concepto para referirse al periodo de la civilización occidental iniciado con el renacer italiano.

3. Italia en el s.XV: Se inicia en Italia, sociedad enriquecida por el comercio, y donde la tradición clásica ha estado siempre presente, en Europa se siguen manteniendo fórmulas góticas. Crecimiento económico (Desarrollo comercial Centro y Norte) Fragmentación política (ciudades estado) Tradición romana pervive con mayor intensidad Gusto por lujo y belleza. Coleccionismo. Cultura como elemento de distinción social. Mecenazgos S.XV Foco principal Florencia (Médicis) s. XVI Foco principal Roma (fortalecimiento papado).

4. Humanismo: nueva mentalidad . Humanismo: Antropocentrismo. Amplia difusión del conocimiento gracias a la aparición de la imprenta Análisis de textos antiguos. Gusto por conocimientos clásicos. Análisis de ruinas grecorromanas pero con visión científica. Sabios bizantinos refugiados en Italia tras caída de Constantinopla E. Rotterdam Lutero. Aparece el protestantismo.

5. Nueva concepción del arte. Desaparece el anonimato artístico: más valoración del artista, y de su actividad. Artistas polifacéticos, surgen biografías de artistas. El arte se convierte en una ciencia. Aparición del mecenas: compra, colecciona, protege, paga a artistas. Surgen teorías del arte: Leonardo, Filarete, Vitrubio, Durero… Se recuperan los valores formales y espirituales clásicos. Búsqueda de belleza ideal en las proporciones. Hombre vitrubiano (altura cuerpo =longitud brazos) Valoración racional de la obra del arte. Hombre como medida de todas las cosas. Canon de Lisipo (8 cabezas)

6. Periodización: Quattrocento, siglo XV o Renacimiento Temprano. Centro artístico en Florencia. Cinquecento, S. XVI, hasta 1.520: Alto Renacimiento. Centro artístico, Roma. Manierismo, a partir de 1520 hasta XVII Hombre de vitrubio

7. 2- EL QUATTROCENTO ITALIANO ARQUITECTURA: La columna reemplaza al pilar gótico. Empleo de la pilastra adosada. Capiteles clásicos a veces el elemento floral se sustituye por figuras de animales o temas fantásticos. Fustes lisos o abalaustrados. Arco preferido: el de medio punto. Cubiertas de madera con casetones o bóveda de cañón o bóveda de arista. Empleo de la cúpula. Muro almohadillado en el exterior. Lo que va a distinguir al Quattocento del Cinquecento es la riqueza decorativa. En el interior, grutescos : decoración fantástica de plantas y animales dispuesta en un fuste, en candelabro o candelieri. Los edificios son de planta central, cruz griega o circular y planta basilical. Los autores más representativos son: BRUNELLESCHI y ALBERTI.

8. Filippo BRUNELLESCHI (1377-1446): Realiza la gran Cúpula del Duomo de Florencia : elevada sobre un tambor octogonal de unas dimensiones colosales con lunetos, idea una ingeniosa solución técnica, al hacer en realidad dos cúpulas unidas: una interior semiesférica y otra exterior apuntada que sirve para contrarrestar los empujes de la 1ª, así la altura aumenta hasta 56 metros y el peso disminuye. Esta cúpula se distingue por la elegancia de sus proporciones.

9. La linterna permite iluminar interior, pero, a diferencia del Panteón de Roma, no se ve el cielo Bicromía de tejas naranjas y blanco del mármol de nervios (4 metros de grosor) y de linterna que remata conjunto Modillones sirvieron de base para andamios (cúpula autoportante, no necesitaba de andamiajes desde el suelo Tambor octogonal con placas de mármol verdes y blancas y con óculos circulares

10. Iglesia de San Lorenzo : Es de planta basilical con tres naves y la central el doble del ancho de las laterales las cuales a su vez son el doble de ancho de las capillas. En su interior, las columnas con capitel corintio son de fuste liso. Sobre los capiteles aparece un entablamento muy desarrollado que tiene como objetivo, conseguir la altura necesaria para dar proporcionalidad al edificio. Los arcos de medio punto y la cubierta adintelada de casetones armonizan la distancia entre columna y columna. Crea un espacio perfectamente abarcable y regido por la armonía y la proporción.

11. En el interior de San Lorenzo está la Sacristía Vieja con cúpula sobre pechinas con capilla funeraria de los Medicci y en el Cinquecento, Miguel Ángel hará la Sacristía Nueva de Giuliano y Lorenzo Medicci en el lado opuesto.

12. Iglesia del Santo Spirito : Es el rigor de las proporciones el que le da aun más orden y serenidad. Se trata de naves sobre arcos de medio punto y columnas corintias grises que destacan sobre las paredes blancas. Todo es proporción al igual que en la Iglesia de San Lorenzo, sólo que esta no tiene óculos.

13. Hospital de los Inocentes: Se trata de la primera obra arquitectónica del Renacimiento. Son arcos de medio punto apoyados sobre columnas corintias sin función arquitectónica y en las enjutas tondos azules.

14. Capilla Pazzi: Está en el claustro del convento franciscano de la Santa Croce, es de planta de cruz griega con cúpula central sobre pechinas. El pórtico exterior, es sobre columnas en las que descansa un dintel con casetones roto por su arco central, juega con el color del material para dar dinamismo a la obra.

15. En la sala interior se pasa de planta rectangular a centralizada gracias a la creación en los laterales de dos espacios estrechos rectangulares cubiertos con bóveda de cañón y en el espacio central que se crea, de forma cuadrada se coloca cúpula sobre pechinas coronada con linterna lo que potencia el punto de fuga hacia la vertical

16. Palacio Pitti: Fachada almohadillada. Predomina lo horizontal. Vanos con arcos de medio punto adovelado. Grandes sillares poco labrados (estilo rústico) en planta baja. Eliminación de torres defensivas y almenas

17. León Battista ALBERTI (1402-1472): Es uno de los grandes teorizadores del Renacimiento, con su obra: “De Re adificatoria” defiende e ilustra sobre cómo se deben llevar a cabo unas determinadas proporciones para que con su exactitud se logre un edificio bello. La cúpula la emplea en todos sus edificios. Las columnas que dejan de ser constructivas para pasar a ser decorativas. Los arcos descansan sobre pilastras que se vuelve elemento de sostén. Palacio Rucellai: Siguiendo el modelo del Coliseo Romano llega a construir el prototipo de mansión renacentista de tres plantas. Superposición de órdenes. El cuerpo inferior con vanos adintelados deja paso a dos cuerpos superiores con vanos de medio punto separados por pilastras y bellísima cornisa en saledizo.

18. Santa María Novella : Es una basílica gótica a la que Alberti añade una fachada renacentista combinando mármoles de color. En el cuerpo inferior dos cuadrados separados por la puerta de medio punto y un cuadrado sobre éstos centrado con un óculo en el centro rematado con frontón (simetría) y para suavizar estos y justificar las naves laterales, construye una doble voluta.

19. San Francisco en Rímini (Templo Malatestiano ): fue levantado por Segismundo Malatesta para albergar las cenizas de sus antepasados (nichos enmarcados en arcos de medio punto), su amante y las suyas. La concibe como una fachada de un arco triunfal romano, una sola nave con capilla lateral y un remate de cubierta muy peculiar.

20. San Andrés de Mantua : templo de una nave con bóveda de cañón con los característicos arcos sobre pilares que dan acceso a las capillas laterales. Un gran arco de medio punto preside la gran fachada, a modo de arco de triunfo, a la que flanquean los dos accesos laterales adintelados sobre los que se encuentran vanos de medio punto en el tramo central ciegos con remate de frontón triangulara , y sobre él de nuevo una curiosa estructura. Sobre escalinata como los templos romanos

21. ESCULTURA: Se inspiran en las obras clásicas, pero dándoles una especial interpretación sin alejarse del natural y buscando una proporción más esbelta. Se tiende al Realismo y a la Individualización de las figuras. Se advierte una elegancia lineal y curvilínea junto a un gusto por temas secundarios y anecdóticos. Gusto por el desnudo y la idealización que se convertirán en el Cinquecento en las formas sobre las que prefiere trabajar el escultor. Los materiales preferidos son el mármol y el bronce, aunque también emplean el barro cocido. La conquista en el relieve del Quattrocento será la utilización del Schiacciato : consiste en la utilización de distinto relieve en una misma composición lo que le da realismo y profundidad a la obra.

22. Lorenzo GHIBERTI (1378-1355): Orfebre que busca en su obra mantener unas proporciones clásicas aunque la concepción sea muchas veces gótica. Es el vencedor el concurso que en 1401 se lleva a cabo para construir las puertas del baptisterio del Duomo Florentino . Nicolás Pisando había realizado las primeras, para que no rompieran con las siguientes, se pide que mantengan la estructura cuadrifoliada, con el tema para el concurso del Sacrificio de Isaac imponiéndole el número de figuras y dándole libertad para la composición. Ghiberti Brunelleschi

23. Puertas de Nicolás Pisano Segundas puertas de Ghiberti. Vida de cristo. Terceras puertas o puertas del Paraíso . Sustituye el cuadrifolio por el cuadrado. Escenas del Antiguo Testamento.

24. Segundas puertas del Baptisterio : bronce sobre dorado, sus relieves contarán con un efecto pictórico, sus figuras son de elegantes proporciones, y bajo las vestiduras el cuerpo se percibe como realidad viva y palpable. Anunciación Adoración de los magos Bautismo de Jesús

25. Puertas del Paraíso La creación : perspectiva lineal, uso del alto y medio relieve, fusión de varias escenas, canon clásico… La embriaguez de Noé La historia de José

26. DONATELLO (1386-1446): Es el escultor más importante del Quattrocento. Es ayudante de Ghiberti dominando todos los materiales de la escultura. Artista más polifacético que Ghiberti, no se limita al relieve sino que esculpe con gran entusiasmo el bulto redondo. Su atención se centra en la figura humana, que la interpretará en las más diversas edades, tipos, gestos y actitudes, expresando los estados espirituales más dispares. Púlpito de San Lorenzo Sacrificio de Isaac

27. Adolescencia: en el taller de Ghiberti, obras destinadas a edificios góticos, tiene un apostolado para la ciudad y una serie de profetas entre los que destaca “ Il Zucone ” . Interés por figuras individuales. Expresión de estados de ánimo y fases de la vida. Contraposto, perfección técnica. Profeta Habacuc(il zucone) San Juan Evangelista San Marcos También destacan patronos de la ciudad como San Marcos o San Juan Evangelista.

28. San Jorge es el más representativo. Aparece pisando el suelo con un gran escudo recorrido por una cruz, que cubre gran parte de la figura y representa el santo, joven y con indumentaria medieval. Mirada confiada Cabeza erguida Hombre en plenitud Ligero giro Escudo refuerza estabilidad Piernas firmes

29. En esta etapa también realiza el Púlpito de la catedral de Prato , este tipo de púlpitos al exterior se generaliza en el s XV, porque no solo se predicaba en el interior de los templos sino al exterior y franciscanos y dominicos lo usaban con frecuencia, Éste, a modo de plataforma colgada de la pared tiene en el antepedium, putis (niños) bailando separados por columnas y en esta misma línea está el Púlpito de la catedral de Florencia. Cantoría del coro . Catedral de Florencia.

30. Tabernáculo de la capilla de Cavalcanti . De la iglesia de la Santa Croce de Florencia, con el tema de la anunciación, en piedra caliza, , aparece conseguida la técnica del “schiacciato”, este tipo de altar sustituye al retablo de madera policromada español.

31. David Obra en bronce, es una escultura exenta, libre de cualquier encuadre arquitectónico,es el primer desnudo masculino del arte europeo, con el típico sombrero de paja de los campesinos de la Toscana, es de tamaño natural y de gran sensualidad, sobre la pierna de apoyo se encuentra la cadera alzada y el hombro caído mientras las articulaciones de la pierna se mueve en sentido contrario, es el contraposto, la cabeza de Goliat es pisada no por un héroe sino por un joven ingenuo y sensual.

32. Segunda etapa: (Padua) Altar mayor de la iglesia de San Antonio de Padua El bajorrelieve nos muestra los milagros del Santo que constituyen el triunfo del schiacciato dominando el espacio y los personajes, en cotas de naturalismo hasta entonces desconocidas. El tema es un joven de Padua que confiesa a San Antonio haber dado una patada a su madre y arrepentido se corta la pierna y San Antonio le pega la pierna de nuevo.

33. El Gattamelata Se llama el Condotiero Erasmo Da Narni, llamado el “Gattamelata”. Se trata de la representación ecuestre del Capitán del ejército de mercenarios que defendió los intereses de Venecia frente a Milán y en su testamento pide que se le entierre en Padua. La estatua en bronce se alza libre sobre el alto pedestal que sirve de sepultura y sobre él, el Gattamelata siguiendo el modelo a caballo iniciado por Marco Aurelio. Caballo y jinete se funden en una unidad y forman una composición, cerrada en sí misma.

34. Tercera etapa: (Florencia) La Magdalena Penitente Es la última que supone una reacción a la belleza femenina renacentista de herencia clásica en la figura de la Magdalena Penitente con una delgadez extrema tras su retirada buscando el perdón de sus pecados, de una factura extraordinaria a pesar de su antibelleza .

35. PINTURA: Es en Florencia donde se crea la pintura renacentista del XV. Desaparece el retablo. Sigue el tema religioso pero también el profano, el mitológico, se da gran importancia al paisaje, con gran detallismo y minuciosidad. Aparece un nuevo género pictórico: el retrato en el que destacarán los rasgos únicos e inconfundibles debido al afán de verdad del humanismo y naturalismo, aunque a veces se idealice. La pintura mural al fresco y de tabla encuentran en el terreno profano un extenso campo. El color y el dibujo es importante en el s XV. Se crea con la perspectiva lineal , un instrumento con el que se consigue dar a la representación bidimensional, una apariencia tridimensional. Uso de arquitecturas renacentistas.

36. FRA ANGELICO(1400-1455): Se había iniciado en la pintura como pintor e iluminador de manuscritos. De ahí la minuciosidad y el detallismo de su obra en temple como en frescos murales. Su tema principal es la Virgen que la repite. Para él la pintura es una especie de oración. Se unen la ternura e intimidad medieval (gótico internacional) con los descubrimientos de la perspectiva y el detalle realista. Noli me tangere . Frescos del monasterio de de San Marcos.

37. Anunciación. Monasterio de San Marcos. Madonna Fiesole

38. Anunciación (M. prado).la Virgen bajo un pórtico muy renacentista de fuste muy estilizado mientras leía recibe sin sorpresa ni temor el mensaje del Ángel. También aparecen Adán y Eva después de pecar en el paraíso terrenal pues se trata del principio y el fin de un ciclo, el pecado original que heredamos de Adán y Eva, María no lo tuvo como anuncia la luz divina que llega a la Virgen. Arquitecturas renacentistas. Perspectiva lineal. Dibujo sinuoso y aristocrático Detallismo y minuciosidad. Colores rutilantes. Imágenes estilizadas. Luz uniforme. Jerarquización de personajes.

39. MASACCIO (1401-1428):Es el fundador de la pintura moderna, es el primer pintor que construye con el color dejando de ser dibujo, su pintura se convierte en constructiva. Se centra en el volumen y los efectos tridimensionales. La Trinidad de Santa María Novella. Se trata de la matemática perspectiva aplicada a la estética renacentista. Sobre un tabernáculo bajo bóveda de casetones que dan gran profundidad, el Padre Eterno sostiene la cruz mientras los donantes están a cada lado de ésta y abajo la fingida mesa de altar que alberga a la muerte en forma de esqueleto. “ Yo fui antaño lo que sois ahora lo seréis mañana”

40. Capilla Brancacci : en esta obra en la Iglesia del Carmine de Florencia, nos narra con frescos los milagros, la limosna y las curaciones de San Pedro al que está dedicado el templo. Adan y Eva expulsados del Paraíso . Escena llena de dramatismo y dolor.

41. Tributo de la Moneda . El tema está fragmentado en 3 escenas, cuidando la luz y las escenas nos representa cuando Cristo debe pagar en Cafarnaun la entrada y pide a Pedro que pesque un pez que tendrá la moneda dentro.

42. PIERO DELLA FRANCESCA (1420-1492): Es el pintor de la luz, trata la naturaleza reduciéndola a formas geométricas. Rigor matemático en el uso de la perspectiva. Modela al hombre, objetos y paisaje fundiendo la luz y el color. En el s.XX se redescubre su obra por los cubistas. Retratista. Federico Montefeltro Battista Sforza Segismundo Malatesta

43. Capilla de San Francisco, Arezzo Se trata de 10 episodios de la Historia de Vera-Cruz , extraídos de la leyenda dorada. El hallazgo de las 3 cruces y el de la cruz auténtica. Santa Elena quería saber cuál era la verdadera y cuando pasan sobre un joven que había muerto, este resucita. La composición se divide en dos. El sueño de Constantino

44. La flagelación El bautismo

45. La Pala Brera, Milán Es otra obra en la que con personajes de distintas épocas aparecen reagrupados frente a un interior con arco de medio punto que desarrolla una bóveda de casetones que da profundidad, desde aquí pende un huevo símbolo oriental de la creación.

46. SANDRO BOTICCELLI(1447-1510): Temperamento sensible y apasionado, dibujo nervioso, rostros tristes, expresión melancólica. Escenas dramáticas, situaciones violentas. La pintura mitológica y moralizante la mezclará con la religiosa, centrándose en la figura de la virgen, la representa dulce, melancólica y muy frágil. Virgen del Magnificat . Virgen de la Granada.

47. La primavera . En un bosque de naranjos, Venus preside el despertar de la naturaleza. Venus (diosa tutelar de la educación renacentista) tiene a su derecha a Flora, seguida de la Primavera Temprana, temerosa de morir en brazos de Céfiro, viento del norte. A su derecha las 3 gracias bailando y Mercurio Figuras estilizadas, detallismo, veladuras y transparencias, reflejos luminosos, rostros melancólicos…

48. Nacimiento de Venus: la figura desnuda de la diosa Venus, sobre una concha centra la pintura. Al fondo paisaje solitario e idealizado. Dibujo lineal, colores claros y sin estridencias, luz uniforme sin claroscuros. Venus llega a la costa en una concha acompañada del soplo de Céfiro(viento), y cloris(brisa), y es recibida por la primavera, la estación del amor.

49. La calumnia : sobre fondo arquitectónico clásico. Cuadro alegórico: el rey Midas(juez malo) es entronizado entre la sospecha y la ignorancia. La envidia guía a la calumnia, que contiene una antorcha, que es peinada por la duplicidad(la impostura y la perfidia), y arrastra a la inocencia, seguida de la penitencia, y al final resplandece la verdad desnuda.

50. Minerva dominando al Centauro Simboliza la inteligencia venciendo las fuerzas brutas y según algunos, a los Medicis triunfando del desorden popular. La anunciación

51. La piedad : los cuerpos sufren el dolor de la muerte de Cristo, dramatismo, giro a una pintura más ascética y espiritual.