Este documento presenta obras de arte de Man Ray, Marcel Duchamp y Joseph Kosuth que ejemplifican el legado de las vanguardias históricas al arte contemporáneo. Las vanguardias transformaron la percepción de la obra de arte al introducir el ready made, tomando objetos cotidianos y recontextualizándolos. Esto cambió la naturaleza de la obra de ser algo estéticamente creado a algo funcional e inmaterial asociado a la interpretación. Las vanguardias también dieron al espectador un papel más participativo al develar las ideas

1. ANTECEDENTES
HISTÓRICOS
DEL GIRO
CONCEPTUAL
MODULO 1 - COORDENADAS

2. MAN RAY
En The Gift, se observa un objeto cotidiano intervenido (plancha antigua) del
que surgen reinterpretaciones y discursos.
Esta obra en primera instancia remite al desconcierto por el despojo de la
utilidad del artículo. Este arrebato de la funcionalidad es provocado por la
inserción de clavos en la estructura.
El despojo de la utilidad y la extracción del objeto del contexto cotidiano no
aleja al espectador de la serie de convenciones con las que se asocia la
plancha y los clavos, como es el trabajo del hogar, la feminidad y la figura
masculina respectivamente. En la lectura de esta pieza cada objeto manifiesta
su origen y lo pone en juego.
Las convenciones que acompañan al objeto generan una dinámica de re
significación cuando el objeto es intervenido, llevado a un espacio vinculado
al arte y renombrado (fenómeno que transforma).
The Gift como objeto de arte es dotado de diversas interpretaciones a partir
del nombre asignado a la pieza, este ejercicio de interpretación es adjudicado
al espectador.
Comentaría Juan Antonio Ramírez en su texto sobre el dadaísmo: “La
escultura no se moldea, ni se desgata, como se hacía tradicionalmente sino
que se “construye” a partir de piezas ya existentes, lo mismo que se hace con
una máquina”. En el caso del ready made de Man Ray aplicaría esta premisa
en donde la obra no se moldea, ni se desgasta sino que se construye a través
de piezas existentes.
The Gift, Ready Made (ensamble) 1921

3. MARCEL DUCHAMP
Una jaula, un termómetro, cubos de mármol, hueso de sepia y un título
desconcertante. ¿Porqué no estornudar Rrose Sélavy? Se dirige a un: “
espectador que completa la obra con su mirada o con su eventual
manipulación, el arte lo hacemos todos”- Juan Antonio Ramírez.
Esta pieza manifiesta el espíritu del redy made, objetos descontextualizados
que se alejan de la rutina para transformase en un cuestionamiento acerca
del arte y de la figura del espectador.
En la obra de Duchamp se observan diversos puntos interesantes, entre los
que desde mi perspectiva destacan: los cubos de maármol y el título de la
pieza.
El caso de los cubos de mármol se pone a prueba la percepción visual y táctil
del espectador . En un primer momento, el aspecto visual ofrece una lectura
de la obra (lo que veo son cubos de azúcar al que se le adjudicó ciertas
características peso, forma, sabor, temperatura, etc.)
En el momento en que se interactúa con la obra, el espectador percibe que su
experiencia visual le ha engañado y debe reconfigurar su lectura a partir de la
experiencia táctil. Los cubos que se consideraron de azúcar son piezas de
mármol finamente talladas. Esta sutileza entre una materia u otra se percibe
dentro del ámbito de lo infrafino.
¿Porqué no estornudar Rosee Selavy? Las referencias argumentan que la
pieza fue un encargo al artista de dos hermanas solteronas que devolvieron la
pieza (tal vés por el discurso implícito o por la incapacidad de develarlo)
varias especulaciones giran alrededor del significado de la pieza. Lo
interesante vuelve a ser el lenguaje, el titulo hace un cuestionamiento al amor
y se convierte en parte central de la pieza: “Se elegía un utensilio y tras darle
un nombre se descontextualizaba convirtiéndolo en una obra de arte”. El
lenguaje lleva la pieza a otro lugar.
¿Porqué no estornudar Rrose Sélavy?. Ready
Made, 1921.

4. JOSEPH KOSUTH
Una pieza conceptual generada a partir de la reflexión sobre el lenguaje como
representación y materialización.
Desde mi perspectiva en Four colors four words, Joseph Kosuth lleva al
espectador al terreno del lenguaje en función de signos (significantes y
significados), un dúo inherente a la estructura para nombrar y darle orden a
las cosas del mundo.
Una pieza construida con cuatro palabras que nos vincula con las
representaciones contenidas en el lenguaje. La lógica de Four colors four
words saca a la luz las asociaciones mentales (colores y números) con las
que vinculamos las palabras.
La pieza se generó con cuatro luces de neón de diferente color, decisión que
aporta al concepto de la pieza; acerca de la le elección de los colores, Kosuth
manifestaría: “Las consideraciones estéticas son efectivamente siempre
ajenas a la función o razón del objeto”
Acerca de del color de las luces de neón hay que considerar que Kosuth
trabaja con materiales propios de la época, sin ir mas allá. Pero ¿porqué luz?
Tal ves para responder esta inquietud volvería al texto de Kosuth: “Las
propuestas del arte no son fácticas, sino lingüísticas en su carácter, no
describen el comportamiento de los objetos físicos o incluso mentales;
expresan definiciones de arte a las consecuencias formales de las
definiciones de arte. El arte opera sobre una lógica”.
Four colors four words, Instalación, 1965

5. ¿CUÁL ES EL LEGADO DE LAS
VANGUARDIAS MODERNAS AL
ARTE CONTEMPORÁNEO?
Las vanguardias ofrecieron una herencia basado en los
cuestionamientos y en el traspaso de los límites.
Su legado aporto una apreciación distinta de la obra de arte con el
nacimiento del ready made, transformando la percepción de una obra
vinculada a lo estético (morfológicamente) con una obra asociada a lo
funcional (inmaterial) .
Los objetos de arte no son creados, sino tomados de lo cotidiano,
llevados a un contexto diferente y re nombrados para generar un
espacio de interpretación.
El espectador juega en este movimiento un papel diferente, ya no es un
observador de ciertos criterios estéticos sino un participante que
devela la idea implícita en la obra.