El arte pictórico es una forma de expresión humana que ha existido desde tiempos remotos. Pero ¿qué es lo que hace que una obra de arte sea famosa y atractiva para la gente? ¿Qué elementos determinan su valor artístico y su impacto emocional? Estas son algunas preguntas que pueden surgir al contemplar las obras de arte más famosas de la historia, que han trascendido el tiempo y el espacio y que han llegado a ser consideradas como patrimonio de la humanidad.

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Arte pictórico: ¿Por qué nos gustan las obras maestras?
Por Dante Amerisi
El arte pictórico es una forma de expresión humana que ha existido desde tiempos remotos. A través de las
obras de arte, los artistas han logrado transmitir una amplia gama de emociones, ideas y mensajes que han
influido en la cultura, la historia y la sociedad. El arte tiene la capacidad de evocar emociones profundas en el
espectador, de conectarlo con el universo del artista y de hacerlo reflexionar sobre su propia realidad.
Pero, ¿qué es lo que hace que una obra de arte sea famosa y atractiva para la gente? ¿Qué elementos
determinan su valor artístico y su impacto emocional? Estas son algunas preguntas que pueden surgir al
contemplar las obras de arte más famosas de la historia, que han trascendido el tiempo y el espacio y que han
llegado a ser consideradas como patrimonio de la humanidad.
Es posible analizar algunos de los elementos que la gente encuentra más atractivos en las obras pictóricas
más famosas de la historia, y el impacto psicológico y emocional que han tenido en la humanidad, pero quizá, a
pesar de ello, el arte mantiene su halo de misterio que resulta un tanto indescifrable. Tomaré como ejemplos
ocho obras de arte de diferentes épocas, estilos y géneros, que representan algunos de los temas y motivos
más recurrentes en el arte: la religión, el amor, la naturaleza, la guerra, el retrato, el paisaje, la abstracción y el
surrealismo.
LA RELIGIÓN: LA ÚLTIMA CENA DE LEONARDO DA VINCI
La religión ha sido uno de los temas más importantes y frecuentes en el arte, especialmente en el arte
occidental. La religión ha inspirado a los artistas a representar escenas bíblicas, mitológicas, alegóricas y
simbólicas, que expresan su fe, su devoción, su visión del mundo y su relación con lo divino.
Una de las obras de arte más famosas y representativas de este tema es La última cena de Leonardo da
Vinci, pintada entre 1495 y 1498 en el refectorio del convento de Santa Maria delle Grazie en Milán, Italia. Se
trata de un gran fresco que mide 4,6 metros de alto y 8,8 metros de ancho, que representa el momento en que
Jesús anuncia a sus discípulos que uno de ellos lo traicionará, según el relato del Evangelio de Juan.
“La última cena”. Leonardo da Vinci.

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Esta es una obra maestra de la pintura renacentista, que destaca por el uso de la perspectiva, la
composición, el color, la luz y la expresión. Leonardo da Vinci logra crear una escena dramática y realista, que
capta la reacción de cada uno de los apóstoles ante la revelación de Jesús, y que transmite la tensión, la
sorpresa, la angustia y la incredulidad de los personajes. Al mismo tiempo, Leonardo da Vinci introduce
elementos simbólicos, como el número 12, que representa la perfección y el orden, el pan y el vino, que
representan el cuerpo y la sangre de Cristo, y la ventana, que representa la esperanza y la salvación.
La última cena es una obra que ha atraído a la gente por su belleza, su complejidad, su misterio y su
significado. Es una obra de arte que ha impactado en la humanidad por su valor religioso, artístico, histórico y
cultural, y que ha inspirado a numerosos artistas, escritores, cineastas y teóricos a lo largo de los siglos.
EL AMOR: EL BESO DE GUSTAV KLIMT
El amor es otro de los temas más universales y eternos en el arte. El amor ha motivado a los artistas a
representar escenas de amor, de pasión, de erotismo, de ternura, de deseo y de dolor, que reflejan sus
sentimientos, sus experiencias, sus fantasías y sus ideales.
Una de las obras de arte más famosas y representativas de este tema es El beso de Gustav Klimt, pintada
entre 1907 y 1908, y que forma parte de la colección del Museo Belvedere en Viena, Austria. Se trata de una
pintura al óleo sobre lienzo que mide 180 x 180 cm, que representa a una pareja abrazada y besándose, sobre
un fondo de flores doradas.
El beso es una obra maestra del arte moderno,
que pertenece al periodo dorado del artista, en el
que utilizó el oro como elemento decorativo y
simbólico. Klimt combina el realismo y la
abstracción, el arte oriental y el occidental, el arte
clásico y el contemporáneo, para crear una imagen
de amor sublime y eterno, que trasciende el tiempo
y el espacio. Klimt envuelve a los amantes en un
manto de oro, que los aísla del mundo exterior y los
protege de la muerte, y los cubre de motivos
geométricos y florales, que representan la armonía,
la fertilidad y la sensualidad. Al mismo tiempo,
Klimt contrasta la actitud dominante y activa del
hombre, con la actitud sumisa y pasiva de la mujer,
y sugiere una relación de poder y dependencia
entre los sexos.
El beso ha atraído a la gente por su belleza, su
originalidad, su romanticismo y su erotismo. Es una
obra de arte que ha impactado en la humanidad por su valor estético, emocional, social y cultural, y que ha
sido reproducida, imitada y admirada por millones de personas en todo el mundo.

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LA NATURALEZA: LA NOCHE ESTRELLADA DE VINCENT VAN GOGH
La naturaleza ha sido una de las fuentes de inspiración más constantes y variadas en el arte. La naturaleza
ha impulsado a los artistas a representar paisajes, animales, plantas, fenómenos naturales, que expresan su
admiración, su asombro, su curiosidad y su conexión con el entorno.
Una de las obras de arte más famosas y representativas de este tema es La noche estrellada de Vincent van
Gogh, pintada en 1889, y que forma parte de la colección del Museo de Arte Moderno de Nueva York, Estados
Unidos. Se trata de una pintura al óleo sobre lienzo que mide 73,7 x 92,1 cm, que representa una vista
nocturna del pueblo de Saint-Rémy-de-Provence, desde la ventana del sanatorio donde el artista se encontraba
internado.
La Noche estrellada es una obra
maestra del arte
postimpresionista, que destaca por
su uso del color, la luz, el
movimiento y la expresión. Van
Gogh crea una imagen de la
naturaleza que no es una copia fiel
de la realidad, sino una
interpretación personal y
simbólica, que refleja su visión del
mundo y su estado de ánimo. Van
Gogh utiliza colores intensos y
contrastados, que crean un efecto
de vibración y luminosidad, y
pinceladas curvas y onduladas,
que creando dinamismo y energía.
Van Gogh representa el cielo como
un torbellino de estrellas, planetas
y nubes, que simbolizan la inmensidad, la eternidad y la divinidad, y la tierra como un lugar oscuro, tranquilo y
solitario, que simboliza la realidad, la temporalidad y la humanidad.
Esta obra de van Gogh ha atraído a la gente por su belleza, su originalidad, su intensidad y su emotividad. Es
una obra de arte que ha impactado en la humanidad por su valor artístico, psicológico, espiritual y cultural, y
que ha sido objeto de estudio, análisis y admiración por parte de expertos y aficionados al arte.
LA GUERRA: EL GUERNICA DE PABLO PICASSO
La guerra ha sido uno de los temas más dramáticos y trágicos en el arte. La guerra ha llevado a los artistas a
representar escenas de violencia, destrucción, muerte y sufrimiento, que denuncian, critican, protestan y
conmemoran los horrores y las consecuencias de los conflictos bélicos.
Una de las obras de arte más famosas y representativas de este tema es El Guernica de Pablo Picasso, quien
la pintó en 1937, y que se exhibe en el Museo Reina Sofía de Madrid, España. Se trata de un mural al óleo
sobre lienzo que mide 349,3 x 776,6 cm, que representa el bombardeo de la ciudad de Guernica, en el País
Vasco, por parte de la aviación nazi, durante la Guerra Civil Española.

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“El Guernica”. Pablo Picasso.
El Guernica es una obra maestra del arte moderno, que pertenece al periodo cubista del artista, en el que
utilizó formas geométricas, angulosas y fragmentadas, para crear una imagen de la realidad distorsionada y
deshumanizada. Picasso emplea una paleta de colores fríos y sombríos, que crean un efecto de tristeza y
desolación, y una composición triangular, que crea un efecto de equilibrio y estabilidad. Picasso representa el
horror y el sufrimiento de las víctimas del bombardeo, que incluyen personas, animales y objetos, que
expresan con sus gestos y posturas el dolor, el miedo, el grito y la muerte. Al mismo tiempo, Picasso introduce
elementos simbólicos, como el toro, que representa la brutalidad y la violencia, la paloma, que representa la
paz y la esperanza, la bombilla, que representa el ojo que todo lo ve, y el periódico, que representa la
información y la propaganda.
Esta genial obra ha atraído a la gente por su fuerza, su originalidad, su denuncia y su mensaje. Ha impactado
en la humanidad por su valor político, social, histórico y cultural, y ha sido considerada como un símbolo
universal de la paz y de la resistencia contra la opresión y la injusticia.
EL RETRATO: LA MONA LISA DE LEONARDO DA VINCI
El retrato es uno de los géneros más antiguos y populares en el arte. El retrato ha permitido a los artistas
representar la imagen, la personalidad, el carácter y el estado de ánimo de una persona, que puede ser real o
imaginaria, conocida o desconocida, individual o colectiva.
Una de las obras de arte más famosas y representativas de este género es La Mona Lisa de Leonardo da
Vinci, pintada entre 1503 y 1519, y que se conserva en el Museo del Louvre de París, Francia. Se trata de una
pintura al óleo sobre tabla que mide 77 x 53 cm, que representa el busto de una mujer, identificada como Lisa
Gherardini, la esposa de un comerciante florentino llamado Francesco del Giocondo.

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La Mona Lisa es una obra maestra de la pintura
renacentista, que destaca por su uso de la técnica del
sfumato, que consiste en difuminar los contornos y
crear una atmósfera suave y velada. Leonardo da Vinci
logra crear una imagen de la mujer que es a la vez
realista y enigmática, que capta la atención y la
curiosidad del espectador, y que transmite una
sensación de serenidad y misterio. Leonardo da Vinci
representa el rostro de la mujer con una expresión
ambigua, que parece sonreír y no sonreír al mismo
tiempo, y que ha sido objeto de múltiples
interpretaciones y especulaciones. Al mismo tiempo,
Leonardo introduce elementos simbólicos, como el
paisaje, que parece representar la armonía entre el
hombre y la naturaleza, y el velo, que representa la
modestia y la elegancia.
Esta obra de ha atraído la atención del público por
su belleza, su originalidad, su perfección y su misterio.
Ha impactado en la humanidad por su valor artístico,
histórico, cultural y mediático, y actualmente es
considerada como el retrato más famoso, más
reproducido y más parodiado de la historia.
“La Mona Lisa”. Leonardo da Vinci.
EL PAISAJE: EL JARDÍN DE LAS DELICIAS DE EL BOSCO
El paisaje es otro de los géneros más
antiguos y variados en el arte. El paisaje ha
impulsado a los artistas a representar el
entorno natural o urbano, que puede ser
real o imaginario, conocido o desconocido,
idealizado o deformado.
Una de las obras de arte más famosas y
representativas de este género es El jardín
de las delicias de El Bosco, pintado entre
1490 y 1510, y que se exhibe en el Museo
del Prado de Madrid, España. Se trata de
un tríptico al óleo sobre tabla que mide
220 x 389 cm, que representa tres escenas:
el Paraíso, el Infierno y el Mundo.

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“El Jardín de las delicias”. El Bosco.
Esta obra maestra del arte flamenco destaca por su uso del color, el detalle, la imaginación y la simbología.
El pintor crea una imagen del paisaje que es a la vez realista y fantástica, que capta la atención y la sorpresa del
espectador, y que transmite una visión crítica y moralizante de la humanidad. En ella El Bosco representa el
Paraíso como un lugar de armonía, inocencia y felicidad, donde Dios crea a Adán y Eva, y donde conviven
pacíficamente los animales y las plantas. También busca el artista representar al Infierno como un lugar de
caos, violencia y sufrimiento, donde los pecadores son castigados por sus vicios y sus crímenes, y donde reinan
los demonios y las llamas. El Bosco representa el Mundo como un lugar de placer, lujuria y pecado, donde los
hombres y las mujeres se entregan a todo tipo de actividades sexuales y festivas, y donde abundan las frutas y
las flores. Al mismo tiempo, El Bosco introduce elementos simbólicos, como el huevo, que representa la vida y
la creación, la fresa, que representa el placer y la tentación, el pájaro, que representa el mal y la corrupción, y
el unicornio, que representa la pureza y la castidad.
El jardín de las delicias de El Bosco reclama la atención de la gente por su belleza singular, su originalidad, su
complejidad y su significado. Es una obra de arte que ha impactado en la humanidad por su valor artístico,
religioso, social y cultural, y que ha sido objeto de estudio, análisis y admiración por parte de expertos y
aficionados al arte.
LA ABSTRACCIÓN: COMPOSICIÓN VIII DE KANDINSKY
La abstracción es uno de los movimientos más innovadores y revolucionarios en el arte. La abstracción ha
permitido a los artistas representar la realidad de una forma no figurativa, no representativa, no objetiva, que
se basa en el uso de formas, colores, líneas y texturas, que expresan su visión, su emoción, su intuición y su
esencia. De esta manera se intenta crear una composición que no represente objetos reconocibles, sino que se
comunique con el espectador a través de la sensibilidad, la emoción y la intuición. El arte abstracto surgió a
principios del siglo XX, como una reacción contra el arte figurativo y naturalista, que se consideraba limitado y

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obsoleto, y buscaba liberar al arte de la subordinación al tema, al referente y a la razón, y afirmar su
autonomía, su originalidad y su libertad.
Wassily Kandinsky exploró las posibilidades expresivas del color, el movimiento y la forma, y desarrolló una
teoría del arte basada en la analogía entre la pintura y la música. Creía que el arte debía ser capaz de evocar
sonidos, ritmos, armonías y emociones, sin necesidad de recurrir a la imitación de la naturaleza. Clasificó sus
obras en tres categorías: las impresiones, inspiradas en la naturaleza; las improvisaciones, expresiones de
emociones internas; y las composiciones de gran rigor compositivo, pero basadas en la intuición.
Kandinsky pintó Composición VIII en 1923, que hoy se conserva en el Museo Guggenheim de Nueva York. Se
trata de una pintura al óleo sobre lienzo que mide 140 x 201 cm, que representa una serie de formas
geométricas, como círculos, semicírculos, rectángulos, líneas y ángulos, de diferentes tamaños y colores, que
se distribuyen sobre un fondo blanco, creando un efecto de equilibrio en tensión.
Esta obra maestra del arte
abstracto destaca por su uso del color,
el movimiento, la composición y la
simbología. Kandinsky utiliza colores
intensos y contrastados, que crean un
efecto de vibración y luminosidad, y
que se corresponden con diferentes
estados de ánimo y sensaciones. El
pintor utiliza formas geométricas, que
crean un efecto de dinamismo y
energía, y que se relacionan con
diferentes conceptos y significados,
aplicando una composición triangular,
que crea un efecto de equilibrio y
estabilidad, basándose en la
proporción áurea. Kandinsky introduce elementos simbólicos, como el círculo, que representa la perfección y la
totalidad, el semicírculo, que representa la apertura y la comunicación, el rectángulo, que representa la
racionalidad y la solidez, la línea, que representa la dirección y la orientación, y el ángulo, que representa el
conflicto y la resolución.
Composición VIII de Kandinsky es una obra de arte significativa por su originalidad, su complejidad y el
desapego por las formas tradicionales. Su impacto consiste no solo en su expresividad artística, sino en el
carácter que implica romper con un pasado psicológico, filosófico y cultural, que la ha hecho una de las obras
más emblemáticas y representativas del arte abstracto.
EL SURREALISMO: LA PERSISTENCIA DE LA MEMORIA DE SALVADOR DALÍ
El surrealismo es otro de los movimientos más innovadores y revolucionarios en el arte. El surrealismo ha
permitido a los artistas representar la realidad de una forma no racional, no lógica, no convencional, que se
basa en el uso de la imaginación, el sueño, el subconsciente y el azar, que expresan su libertad, su rebeldía, su
humor y su inconformismo.

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La Persistencia de la memoria de
Salvador Dalí, es una obra maestra del arte
surrealista, que destaca por su uso de la
técnica del realismo fantástico, que
consiste en pintar con gran precisión y
detalle imágenes irreales e ilógicas. Dalí
crea una imagen de la realidad que no es
una copia fiel de la realidad, sino una
combinación de elementos incongruentes
y absurdos, que reflejan su visión del
mundo y su estado de ánimo. Dalí
representa el tiempo como una dimensión
relativa y mutable, que se materializa en
los relojes blandos y derretidos, que
simbolizan la memoria, el sueño y la
muerte. Dalí representa el espacio como
una dimensión vacía e infinita, que se materializa en el paisaje árido y solitario, que simboliza la soledad, la
angustia y la desesperación. Al mismo tiempo, Dalí introduce elementos autobiográficos, como el autorretrato,
que representa su identidad y su presencia, la hormiga, que representa su fobia y su repulsión, y el elefante,
que representa su admiración y su fascinación.
La persistencia de la memoria ha gustado a la gente por su fuerza, su originalidad, su complejidad y su
significado. Su impacto en la humanidad se alcanza por su valor artístico, psicológico, filosófico y cultural, y que
ha sido considerada como una de las obras más emblemáticas y representativas del surrealismo.
CONCLUSIÓN
En conclusión, el arte pictórico es una manifestación de la creatividad, la sensibilidad y la inteligencia
humana, que ha dado lugar a obras de arte de gran valor y belleza, que han trascendido el tiempo y el espacio,
y que han llegado a ser patrimonio de la humanidad. El arte tiene la capacidad de atraer a la gente por
diferentes elementos plásticos, pero además tiene la capacidad de impactar en la humanidad en aspectos
como el artístico, el emocional, el psicológico, el espiritual, el social, el histórico, el técnico, el cultural, el
mediático, etc.
El arte es una forma de comunicación, de expresión, de reflexión, de educación, de entretenimiento, de
inspiración, de transformación, de liberación, de resistencia, de protesta, de denuncia, de conmemoración, de
celebración, de admiración, de amor, de vida. Es una forma de ser, de sentir, de pensar, de soñar, de crear, de
imaginar, de innovar, de revolucionar, de trascender, de existir.
Podemos identificar algunos puntos principales para explicar nuestro gusto por las obras maestras:
• Nos muestran la visión, el estilo y el mensaje de los artistas, que han logrado plasmar su creatividad, su
sensibilidad y su talento en sus obras.
• Nos revelan la realidad, la historia y la cultura de las épocas y los lugares en los que fueron creadas, así
como los valores, las ideas y las emociones de las personas que las protagonizaron o las contemplaron.

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• Nos provocan una impresión, una sensación y una emoción, que pueden ser de admiración, de
sorpresa, de placer, de curiosidad, de reflexión, de identificación, etcétera, que finalmente logra
impactarnos.
• Nos invitan a aprender, a apreciar y a disfrutar del arte, que es una forma de comunicación, de
expresión y de creación, que nos muestra la diversidad y la riqueza de la condición humana.
Quizá el arte también sea la forma que tiene la humanidad para decir que ella misma es un arte y,
seguramente, a la humanidad le gusta verse reflejada en una obra maestra.
Dante Amerisi.
Los Retos de la Razón.