La pintura es la representación plástica en dos dimensiones que intenta simular una ventana abierta a una escena tridimensional. Una mirada previa a un cuadro debe analizar los aspectos formales, los símbolos e iconografía, y el contexto social más amplio. Las técnicas pictóricas más frecuentes a lo largo de la historia incluyen el fresco, el temple, el óleo, el mosaico y la vidriera, y cada una confiere un estilo diferente debido a los materiales empleados.

1. APRENDER A MIRAR
LA PINTURA

2. ¿QUÉ ES PINTAR?
¿POR QUÉ ES IMPORTANTE
LA PINTURA?
Lo específico de la pintura:
• Representación plástica en
superficie de dos
dimensiones (ilusión
tridimensional).
• Intento de simular "una
ventana abierta”.
La pintura es la más popular de las “artes
visuales”, la más democrática, por cuanto
su apreciación o percepción no requiere,
aparentemente, un gran esfuerzo
intelectual. Pintar es, en definitiva,
atrapar la imagen sobre la materia,
mediante la técnica del dibujo y el uso
del color y la forma. Pero todo esto es
sólo en apariencia.

3. Una mirada previa: ¿Qué debemos mirar en un cuadro?

4. ¿Cómo contemplar un cuadro?
• El historiador del arte Erwin Panofsky (1892-1968) propuso una
aproximación en tres fases a la hora de analizar una obra de arte.
• La primera es la fase preiconográfica, en la que se analizan los
aspectos formales: formas básicas, composición, color, tono,
línea, etc.
• La segunda es la fase iconográfica, en la que se estudian los
símbolos.
• La tercera consiste en el análisis de la iconología o del contexto
social más amplio.

5. LOS ASPECTOS MATERIALES DE LA PINTURA:
LA MATERIA PICTÓRICA
• Soporte: muro, lienzo, madera,
papel, etc.
• elementos aglutinantes para el
color: aceite, clara de huevo,
agua, etc.
• En la época contemporánea:
arena, trapos, metal, y
cualquier otro material…
• La materia pictórica o cantidad
de pasta determina, en cierto
modo, la textura; es decir, las
sensaciones táctiles que la
obra transmite (lisa, pastosa,
rugosa, mate, brillante, etc.)

6. LA TÉCNICA PICTÓRICA
MATERIALES TÉCNICAS SOPORTES
DETERMINAN EXIGEN
COLORES (pigmentos) FRESCO MURO
AGLUTINANTES ACUARELA PAPEL
adherentes y protectores TÉMPERA PAPEL
de los colores AGUADA (GUACHE) ESTUCO
TEMPLE TABLA
ÓLEO TELA
ENCÁUSTICA (en caliente)
METAL
ceras, lápices de colores
PASTEL MADERA
ACRÍLICO CARTÓN
MOSAICO SUELO
VIDRIERA VANOS

7. LAS TÉCNICAS MÁS FRECUENTES A LO LARGO DE LA HISTORIA
• FRESCO (pigmentos con agua y
cal como aglutinante).
• TEMPLE (pigmentos como goma
arábiga o yema de huevo como
aglutinante).
• ÓLEO (pigmentos con aceite de
linaza refinado como
aglutinante).
• MOSAICO (pequeña teselas de
colores hechas con pasta vítrea
u otros materiales).
FRESCO
• VIDRIERA (fragmentos de vidrio
coloreado)
MOSAICO ÓLEO
VIDRIERA

8. LAS TÉCNICAS MÁS FRECUENTES A LO LARGO DE LA HISTORIA
TEMPLE
(pigmentos con
goma arábiga o yema
de huevo como
FRESCO aglutinante).
MOSAICO
(pigmentos con agua (pequeña teselas de
y cal como aglutinante). colores hechas con pasta
vítrea u otros materiales).
ÓLEO
(aceite de linaza refinado
VIDRIERA Como aglutinante de los
(Fragmentos de vidrio coloreados) colores)

9. FRESCO
(pigmentos con agua
y cal como aglutinante).

10. ÓLEO
(aceite de linaza refinado
Como aglutinante de los
colores)

11. MOSAICO
(pequeña teselas de
colores hechas con pasta
vítrea u otros materiales).

12. VIDRIERA
(Fragmentos de vidrio coloreados)

13. LAS “ACADEMIAS” Y LOS GÉNEROS EN LA PINTURA
• Las primeras academias de arte se establecieron en Florencia, en
1563, y en Roma, en 1593. Más tarde les siguieron otras: París
(1648),Londres (1748), San Petesburgo (1757), Madrid (1752). Las
Academias formaban a los artistas y establecían modelos para la
práctica del arte, al mismo tiempo que influían o controlaban su
producción, el valor y la venta de obras de arte hasta finales del s.
XIX.
• Estas instituciones establecieron un orden jerárquico o categorías
para diferenciar la imñortancia de los distintos temas (géneros) que
se representaban.
Real Academia de Bellas Artes, Madrid

14. EL ORDEN JERÁRQUICO DE LOS GÉNEROS PICTÓRICOS
1. LA PINTURA HISTÓRICA
(incluía los temas religiosos y
mitológicos)
2. EL RETRATO
3. EL PAISAJE
4. LA PINTURA DE GÉNERO
(los temas de la vida
cotidiana)
5. LA
NATURALEZA
MUERTA

15. ¿Cómo contemplar un
cuadro?
Los medios que se han
empleado afectan al estilo
La témpera es contundente y
duradera; el óleo permite crear
buenas mezclas y realza la
naturalidad y el brillo, así como
la textura y el espesor; las
capas de acuarela y las
aguadas aportan translucidez y
afinan el detalle. Las pinturas
modernas: gouache, acríclico,
etc. ofrecen cualidades
diferentes

16. LA LÍNEA (el dibujo)
Permite la identificación y el reconocimiento de las formas pictóricas.
• Según el trazo varía su expresión plástica:
–trazo continuo y cerrado (propósito descriptivo)
–trazo grueso y vehemente (expresivo)
–trazo abierto (imaginativo y poético)
–trazo curvilíneo (sensualidad)
• El trazo predominante le confiere a la obra una significación simbólica:
–líneas verticales: elevación mística
–líneas triangulares: equilibrio
–líneas circulares: perfección

17. EL VOLUMEN
• A pesar del carácter
bidimensional de la
pintura, el autor
puede conseguir
transmitir efectos de
tridimensionalidad,
es decir, de
volumen mediante
el uso adecuado de
la línea, el color, la
perspectiva y la luz.

18. LA
PERSPECTIVA
• Esta técnica permite simular
la profundidad (la tercera
dimensión de la que carece la
pintura), creando la ilusión
del espacio en el conjunto de
la obra.

19. EL COLOR (I)
• Es la esencia de la pintura, y
tiene valor por sí mismo.
Diferenciar colores:
• primarios o puros (amarillo,
rojo y azul)
• secundarios o binarios,
surgen cuando los primarios
se mezclan entre sí
(anaranjado, violeta, verde).
Los colores pueden ser:
• cálidos (amarillo, anaranjado,
rojo), que expanden luz y
avanzan hacia el espectador
• fríos (violeta, azul, verde), que
absorben luz y se alejan del
espectador.

20. EL COLOR (II)
• En la paleta del pintor
los colores se pueden
asociar y mezclar de
manera infinita, a la
búsqueda de efectos
visuales o
sensoriales…
• Existe, además, un
componente simbólico
en algunos colores que
varía según la época o la
cultura.

21. LA LUZ
• o su ilusoria representación
dentro del cuadro, ya sea como
un elemento de la composición
o como un elemento expresivo.
• El tratamiento que el autor haga
de la misma determina ambos
valores:
–Luz diáfana y homogénea:
equilibrio y armonía.
–Luz contrastada: dinamismo
y expresividad.
–Luz cenital: orden y
estatismo.
–Luz oblicua: movimiento y
profundidad.

22. LA COMPOSICIÓN
(la estructura compositiva)
• Es la articulación, ordenación, de
todos los elementos de la
expresión plástica y de las
sensaciones que en conjunto nos
produce.
• Las posibilidades compositivas
son infinitas y vienen
determinadas por aspectos como
la perspectiva, la luz, el color, la
línea, las formas, las interrelación
expresiva, la disposición general,
etc.
• Predominan las composiciones
cerradas y las abiertas.
• Composiciones piramidales,
oblicuas, centrífugas,
centrípetas, simétricas, etc.

23. Vamos a contemplar con algo de detenimiento este cuadro
La Libertad guiando al Pueblo (28 de julio de 1830). (1830), Museo del Louvre, París.
Autor: Eugène Delacroix (1798-1863). Óleo sobre lienzo. Dimensiones: 259 x 325 cm

24. ¿Cómo contemplar un
cuadro?
¿Cómo está
compuesta la escena?
La luz y la oscuridad crean profundidad y espacio; las líneas refuerzan la
perspectiva, los puntos de fuga y el escorzo.; las figuras, las formas y los
objetos proporcionan equilibrio y simetría a la composición; la escena consta de
un primer plano, un término medio y un fondo. Las líneas que dibujan las armas
conducen la mirada hacia la Libertad. Toda la acción se lleva a cabo en el primer
plano, en el plano intermedio se halla la multitud congregada y, al fondo, vemos
cómo se derrumba París.

25. ¿Cómo contemplar un
cuadro?
¿Qué colores se utilizan?
¿De qué tipo son?
¿Primarios/secundarios? ¿Secundarios/adyacentes?
¿Brillantes/apagados? ¿Cálidos/fríos?
En la obra que nos ocupa los colores dominantes son apagados, de
modo que se pueda enfatizar la bandera, el vestido de la Libertad y la
figura postrada a los pies, con colores más vivos e intensos.

26. ¿Cómo contemplar un
cuadro?
¿Cómo se emplean las
líneas?
El brazo de la Libertad, su cuerpo y el arma forman un grupo de líneas
que van hacia delante con fuerza y que se repiten en el cuerpo del niño y
en las armas que portan el resto de los personajes. Este juego de líneas
refuerza el dinamismo de la escena y contribuye a subrayar el enérgico
heroismo del Pueblo de París, que avanza hacia adelante.

27. ¿Cómo contemplar un
cuadro?
¿Cuáles son las partes
luminosas y cuáles las
oscuras? ¿Hacia dónde
se dirige la luz?
La luz se proyecta desde la parte superior izquierda e incide sobre la
figura de la Libertad y las figuras estiradas de la izquierda. La luz, que
atrae la mirada del observador por todo el cuadro y vincula a la Libertad
con la multitud, permite que se distingan los rostros, las figuras y los
detalles.

28. ¿Cómo contemplar un
cuadro?
¿Cómo se han definido
las figuras?
¿Se ha marcado la forma de las extremidades? ¿Son oscuros los pliegues
de las ropas? ¿Las líneas se han utilizado para enfatizar las extremidades
o el artista las ha coloreado suavemente?
Las figuras de Delacroix proyectan sombras oscuras y los pliegues de
sus ropas están pintados con suavidad.

29. ¿Cómo contemplar un
cuadro?
¿La escena es
activa/dinámica y viva o
estática y serena?
¿Las figuras aparecen contorsionadas, alargadas, retorcidas?
Se aprecia movimiento en el remolino de humo, en la multitud activa y en
los brazos alzados de la Libertad. Las figuras verticales contrastan con
las de los muertos, dispuestos de forma horizontal o en escorzo. La
Libertad gira la cabeza para comprobar que la multitud la sigue.

30. ¿Cómo contemplar un
cuadro?
¿Existe algún tipo de
simbología en la obra?
Los símbolos de la revolución son la bandera tricolor (roja, blanca y
azul), la escarapela del caído y los emblemas de los macutos y las
gorras. Menos obvias son las botas gastadas del soldado muerto, la figura
vulnerable y medio desnuda que posiblemente representa a Francia, y la
personificación femenina de la Libertad. Además, la representación de
las distintas clases sociales que participan en la revolución: el burgués
que porta la balloneta, los jóvenes y estudiantes, etc.

31. ¿Cómo contemplar un
cuadro?
¿Cuál es el estilo del
cuadro?
Estilo era el término utilizado para valorar una obra y situarla en un
determinado momento de la Historia del Arte. E. Delacroix es un pintor que
desarrolla su obra en los años centrales del s. XIX, perteneciendo a la
corriente pictórica del Romanticismo francés. Este estilo se caracteriza por el
uso de una pincelada gruesa y visible, con luz intensa y colores vivos y
contrastados. El resultado suelen ser composiciones de gran vitalidad e
intensidad expresiva, lo que contrasta con la frialdad y el estatismo del estilo
neoclásico anterior.

32. ¿Cómo contemplar un
cuadro?
¿Qué significa esta obra
en relación a su
contexto histórico?
“He emprendido un tema moderno, una
barricada, y si no he luchado por la patria,
al menos pintaré para ella.” (Delacroix,
1830)
El cuadro representa un mensaje político lleno de ideales republicanos; el
autor recurre a la representación de un acontecimiento histórico, la revolución
de julio de 1830, para expresar tales ideales. La figura femenina, una alegoría
de la libertad con el pecho descubierto, conmemora la revolución con la que
se derrocó al rey Carlos X, el último rey Borbón de Francia. Los ciudadanos,
incluido el autorretrato del artista en la figura con sombrero de la izquierda,
persiguen la victoria por encima de los caídos, creando una de las imágenes
de la revolución más poderosas de la Historia.

33. ACTIVIDADES
DE INICIACIÓN:
ANÁLISIS
COMPARADO
DE LAS OBRAS
PROPUESTAS
Retrato de Giovanna Tornabuoni
1488. Autor: Ghirlandaio
Hombre rojo con bigote, 1971
Museo: Museo Thyssen Bornemisza
autor: Wilhem de Kooning.
Caracteristicas: Témpera
Óleo sobre papel montado sobre lienzo.
sobre tabla - 77 x 49 cm
186 x 91,5 cm. Colección Thyssen-
Bornemisza, Madrid