El documento resume información sobre cuatro obras arquitectónicas y escultóricas del arte griego clásico: el Partenón de Atenas, el Templo de Atenea Niké, el Teatro de Epidauro y el Erecteión en la Acrópolis de Atenas. Se describen los autores, materiales, elementos, estilo y características de cada obra, así como su importancia histórica y artística.
El documento describe el Teatro Romano de Mérida, construido originalmente en el siglo I a.C. y remodelado en los siglos I y IV d.C. Era capaz de albergar a 6.000 espectadores y estaba dedicado a representaciones teatrales hasta que el cristianismo las prohibió en el siglo IV. Se construyó en piedra caliza y tenía un escenario, gradas y pasillos. Era un ejemplo típico de los teatros romanos.
El documento describe los principales períodos y características del arte y la arquitectura griega. La arquitectura griega se caracterizó por el uso de la piedra, las columnas y el énfasis en la proporción y armonía. Los edificios principales fueron los templos, teatros y la Acrópolis de Atenas, que incluía el Partenón, Erecteión y Propíleos.
El documento describe la evolución de Roma desde su dominación etrusca en el siglo VIII a.C. hasta su división en Oriente y Occidente en el siglo IV d.C. Inicialmente los latinos expulsaron a los reyes etruscos e instauraron la República en el siglo VI a.C. Más tarde, el Imperio Romano alcanzó su máximo esplendor entre los siglos I y II d.C. bajo el gobierno de dinastías como los Julio-Claudios y los Flavios. Finalmente, el Imperio se divid
La pintura La Trinidad de Masaccio de 1425 fue una de las primeras en aplicar las leyes de la perspectiva descubiertas por Brunelleschi. Representa a la Santísima Trinidad dentro de una capilla con bóveda de cañón, con figuras sólidas que parecen esculturas. Masaccio utilizó varios focos de luz y sombras para crear la ilusión de profundidad en el espacio arquitectónico.
El documento describe el arte minoico de la isla de Creta durante la Edad de Bronce. Se desarrolló una civilización marítima y comercial con grandes palacios como centros políticos y religiosos. El arte minoico incluye arquitectura palacial con columnas, frescos y esculturas de diosas, acróbatas y toros.
El documento resume las características fundamentales del arte clásico griego. Explica que surgió en la antigua Grecia entre los siglos V y IV a.C., durante el apogeo de las polis griegas como Atenas. Destaca que los griegos crearon un ideal de belleza basado en la simetría, proporción y armonía. Manifiesta este ideal en obras maestras de arquitectura como el Partenón y de escultura como el Diadúmeno de Policleto.
El documento describe las características generales de la arquitectura griega clásica. Los griegos buscaban proporciones ideales y equilibrio basados en principios matemáticos. Construían templos de mármol con órdenes arquitectónicos como el dórico, jónico y corintio. El templo griego típico tenía planta rectangular y consistía en un pórtico, cella y opistodomos.
El documento describe el arte griego en sus diferentes periodos. Resume las características de la arquitectura griega, incluyendo los órdenes arquitectónicos y elementos como el templo y el teatro. También describe la escultura griega, desde el periodo arcaico hasta el helenístico, con obras y artistas representativos. Por último, menciona brevemente la pintura griega y sus técnicas en cerámica.
El documento describe el Teatro Romano de Mérida, construido originalmente en el siglo I a.C. y remodelado en los siglos I y IV d.C. Era capaz de albergar a 6.000 espectadores y estaba dedicado a representaciones teatrales hasta que el cristianismo las prohibió en el siglo IV. Se construyó en piedra caliza y tenía un escenario, gradas y pasillos. Era un ejemplo típico de los teatros romanos.
El documento describe los principales períodos y características del arte y la arquitectura griega. La arquitectura griega se caracterizó por el uso de la piedra, las columnas y el énfasis en la proporción y armonía. Los edificios principales fueron los templos, teatros y la Acrópolis de Atenas, que incluía el Partenón, Erecteión y Propíleos.
El documento describe la evolución de Roma desde su dominación etrusca en el siglo VIII a.C. hasta su división en Oriente y Occidente en el siglo IV d.C. Inicialmente los latinos expulsaron a los reyes etruscos e instauraron la República en el siglo VI a.C. Más tarde, el Imperio Romano alcanzó su máximo esplendor entre los siglos I y II d.C. bajo el gobierno de dinastías como los Julio-Claudios y los Flavios. Finalmente, el Imperio se divid
La pintura La Trinidad de Masaccio de 1425 fue una de las primeras en aplicar las leyes de la perspectiva descubiertas por Brunelleschi. Representa a la Santísima Trinidad dentro de una capilla con bóveda de cañón, con figuras sólidas que parecen esculturas. Masaccio utilizó varios focos de luz y sombras para crear la ilusión de profundidad en el espacio arquitectónico.
El documento describe el arte minoico de la isla de Creta durante la Edad de Bronce. Se desarrolló una civilización marítima y comercial con grandes palacios como centros políticos y religiosos. El arte minoico incluye arquitectura palacial con columnas, frescos y esculturas de diosas, acróbatas y toros.
El documento resume las características fundamentales del arte clásico griego. Explica que surgió en la antigua Grecia entre los siglos V y IV a.C., durante el apogeo de las polis griegas como Atenas. Destaca que los griegos crearon un ideal de belleza basado en la simetría, proporción y armonía. Manifiesta este ideal en obras maestras de arquitectura como el Partenón y de escultura como el Diadúmeno de Policleto.
El documento describe las características generales de la arquitectura griega clásica. Los griegos buscaban proporciones ideales y equilibrio basados en principios matemáticos. Construían templos de mármol con órdenes arquitectónicos como el dórico, jónico y corintio. El templo griego típico tenía planta rectangular y consistía en un pórtico, cella y opistodomos.
El documento describe el arte griego en sus diferentes periodos. Resume las características de la arquitectura griega, incluyendo los órdenes arquitectónicos y elementos como el templo y el teatro. También describe la escultura griega, desde el periodo arcaico hasta el helenístico, con obras y artistas representativos. Por último, menciona brevemente la pintura griega y sus técnicas en cerámica.
Antecedentes del arte griego: arte micénico y arte minoicopapefons Fons
La civilización cretense o minoica y la micénica fueron las civilizaciones que precedieron al arte griego clásico. La minoica se desarrolló en la isla de Creta entre los años 2000-1400 a.C. y se caracterizó por la arquitectura de sus palacios decorados con frescos, así como por la cerámica y escultura. La civilización micénica floreció en el Peloponeso entre 1600-1200 a.C. e introdujo el mégaron y las tumbas circulares como Tholos de Micenas. Ambas civiliz
El documento resume la arquitectura romana. Los romanos adoptaron estilos de los etruscos y griegos y desarrollaron nuevos materiales como el hormigón. Crearon obras públicas monumentales como acueductos, puentes y edificios para proyectar el poder del estado. Planificaron ciudades con calles en cuadrícula y foros centrales. Los templos romanos usaban órdenes arquitectónicos griegos de manera grandiosa.
El documento resume la historia del arte griego. Explica que el arte griego se desarrolló en tres periodos principales: Arcaico, Clásico y Helenístico. Describe las características fundamentales del arte griego como la belleza, proporción, simetría y equilibrio. También describe los principales géneros artísticos griegos como la arquitectura, escultura y pintura, haciendo énfasis en la arquitectura griega y los órdenes arquitectónicos.
El arte griego se caracterizó por buscar la belleza ideal y el equilibrio a través de la proporción y la simetría. Los griegos destacaron en arquitectura y escultura, construyendo templos con órdenes arquitectónicos como el dórico, jónico y corintio. La escultura griega evolucionó desde formas rígidas en la época arcaica a representaciones más realistas pero idealizadas en la época clásica.
El documento resume la arquitectura romana. Los romanos adoptaron modelos urbanos y arquitectónicos griegos y etruscos, como la ciudad en cuadrícula y los órdenes clásicos. Desarrollaron técnicas como el arco, la bóveda y el hormigón que les permitieron construir grandes edificios públicos e ingeniería civil como acueductos y puentes. Las ciudades romanas tenían viviendas privadas, edificios públicos como templos, basílicas y anfiteatros, y fueron el modelo para las prov
El Doríforo de Policleto es una escultura de mármol que representa a un joven atleta desnudo portando una lanza y en actitud de marcha. Introduce la técnica del contrapposto y logra representar el cuerpo viril perfecto según los cánones de proporción de Policleto. La obra marcó el estilo clásico griego con figuras de movimiento contenido y belleza idealizada.
La arquitectura egipcia se caracterizaba por grandes construcciones como templos y tumbas con fines monumentales. Los templos tenían partes como una avenida de esfinges, un pilono de entrada, patios porticados y una sala hipóstila decorada con columnas. Las tumbas incluían pirámides para faraones y mastabas y hipogeos para otros. La escultura y pintura egipcias carecían de perspectiva y mostraban figuras planas e inmóviles que se representaban de forma idealizada y con la cara y extremidades en á
Este documento analiza la escultura griega clásica conocida como el Discóbolo. Representa a un atleta en el momento de lanzar el disco en una postura armoniosa y dinámica. Fue esculpida por Mirón en Atenas durante el siglo V a.C. para honrar la belleza ideal del cuerpo humano y los juegos atléticos. El Discóbolo marcó un avance en la representación del movimiento muscular y se conserva en museos como símbolo del arte griego clásico.
El documento describe la arquitectura romana. Comenzó como un pequeño poblado que creció hasta convertirse en un extenso imperio con influencias de las civilizaciones etrusca y griega. La arquitectura romana se caracterizó por su monumentalidad, funcionalidad y uso de materiales como la piedra y el hormigón. Construyeron templos, termas, basílicas, anfiteatros y obras de ingeniería como acueductos y puentes que aún influyen en la arquitectura moderna. El Panteón, con su
La escultura romana. Historia del Arte 2º de Bachillerato LOMCE.
Desarrolla el estándar: Especifica las innovaciones de la escultura romana en relación con la griega
El documento describe el Templo de Artemisa en Corfú, Grecia. El templo data del 580 a.C. y está dedicado a la diosa Artemisa. Presenta una planta octástila y períptera, con dos columnas en el pronaos y opistodomo. En el frontón central se encuentra una escultura de la Gorgona Medusa. El templo se construyó siguiendo el orden dórico y actualmente solo quedan ruinas.
La escultura bizantina se caracterizó por figuras frontales y hieráticas con énfasis en el bajo relieve. Se trabajó principalmente en marfil, plata y bronce, con ojos grandes y mirando hacia arriba. La iglesia bizantina se opuso a representaciones tangibles de figuras sagradas, aunque Italia se resistió parcialmente a esta norma. Las esculturas incluyeron relieves en sarcófagos y obras de marfil atribuidas a artesanos orientales.
El documento describe la arquitectura romana, incluyendo sus características, materiales y principales tipos de edificios como templos, teatros, anfiteatros, circo, basílicas, termas, arcos de triunfo y acueductos. La arquitectura romana se extendió por todo el Imperio y evolucionó desde influencias etruscas y griegas a un estilo más grandioso e ingenioso que satisfizo las necesidades prácticas del Imperio.
El documento describe las características de tres estilos artísticos: el arte gótico, el renacimiento y el barroco. El arte gótico se centró en lo espiritual y en imitar la naturaleza de forma lineal, predominando la arquitectura religiosa. El renacimiento se centró en lo humano y buscó la perfección anatómica a través de la simetría y el realismo. El barroco también se centró en lo humano pero con un estilo más áspero que utilizó fuertes contrastes de luz y
El documento resume las principales características del arte egipcio antiguo. Describe la arquitectura funeraria como mastabas y pirámides que albergaban las tumbas de los faraones. También describe la arquitectura religiosa como templos que rinden culto a los dioses, con partes como salas hipóstilas y santuarios. Se mencionan ejemplos notables como las pirámides de Giza y el templo de Abu Simbel.
Segunda presentación sobre le renacimiento en Italia (escultura y pintura) que añado a esta entrada: http://www.profesorfrancisco.es/2013/05/renacimiento-en-italia.html
Tema 03 Arte Paleocristiano y BizantinoTeresa Pérez
Este documento resume la evolución del arte paleocristiano desde el siglo I hasta el siglo VI d.C. Describe la arquitectura de las primeras basílicas y catacumbas, así como el desarrollo de la iconografía cristiana a través de símbolos, temas del Antiguo y Nuevo Testamento. También analiza la pintura y escultura de este período, destacando ejemplos como las catacumbas de Priscila y los sarcófagos decorados.
El documento describe la escultura romana, en particular el retrato. Resalta el naturalismo de la escultura romana frente a la idealización griega, enfocándose en reproducir la realidad. Explica que el retrato romano se originó de las máscaras funerarias etruscas y las imagines maiorum y evolucionó hacia mayor detalle y realismo con el paso del tiempo. También destaca la función del retrato de exaltar a las autoridades y el anonimato de los artistas.
Este documento presenta una serie de actividades relacionadas con el arte griego para el curso 2016-2017 en el departamento de artes plásticas del IES Villa de Vallecas. Incluye preguntas sobre la cronología de diferentes períodos artísticos griegos, la asociación de artistas con sus épocas, afirmaciones sobre artistas y obras que deben ser marcadas como verdaderas o falsas, la identificación de términos relacionados con el arte griego, explicaciones sobre la evolución de la figura masculina en la escultura griega
El documento resume la arquitectura clásica griega, incluyendo sus características, órdenes arquitectónicos como el dórico y jónico, y ejemplos notables como el Partenón y otros edificios en la Acrópolis de Atenas. También describe la escultura griega arcaica, con ejemplos de korai y kouroi.
Este documento presenta la arquitectura griega de la Acrópolis de Atenas del siglo V a.C., incluyendo los principales edificios como los Propileos, el Templo de Atenea Niké, el Partenón y el Erecteión. Explica las características arquitectónicas de cada uno, destacando que reflejan los conceptos estéticos griegos de belleza, proporción y perfección formal.
Antecedentes del arte griego: arte micénico y arte minoicopapefons Fons
La civilización cretense o minoica y la micénica fueron las civilizaciones que precedieron al arte griego clásico. La minoica se desarrolló en la isla de Creta entre los años 2000-1400 a.C. y se caracterizó por la arquitectura de sus palacios decorados con frescos, así como por la cerámica y escultura. La civilización micénica floreció en el Peloponeso entre 1600-1200 a.C. e introdujo el mégaron y las tumbas circulares como Tholos de Micenas. Ambas civiliz
El documento resume la arquitectura romana. Los romanos adoptaron estilos de los etruscos y griegos y desarrollaron nuevos materiales como el hormigón. Crearon obras públicas monumentales como acueductos, puentes y edificios para proyectar el poder del estado. Planificaron ciudades con calles en cuadrícula y foros centrales. Los templos romanos usaban órdenes arquitectónicos griegos de manera grandiosa.
El documento resume la historia del arte griego. Explica que el arte griego se desarrolló en tres periodos principales: Arcaico, Clásico y Helenístico. Describe las características fundamentales del arte griego como la belleza, proporción, simetría y equilibrio. También describe los principales géneros artísticos griegos como la arquitectura, escultura y pintura, haciendo énfasis en la arquitectura griega y los órdenes arquitectónicos.
El arte griego se caracterizó por buscar la belleza ideal y el equilibrio a través de la proporción y la simetría. Los griegos destacaron en arquitectura y escultura, construyendo templos con órdenes arquitectónicos como el dórico, jónico y corintio. La escultura griega evolucionó desde formas rígidas en la época arcaica a representaciones más realistas pero idealizadas en la época clásica.
El documento resume la arquitectura romana. Los romanos adoptaron modelos urbanos y arquitectónicos griegos y etruscos, como la ciudad en cuadrícula y los órdenes clásicos. Desarrollaron técnicas como el arco, la bóveda y el hormigón que les permitieron construir grandes edificios públicos e ingeniería civil como acueductos y puentes. Las ciudades romanas tenían viviendas privadas, edificios públicos como templos, basílicas y anfiteatros, y fueron el modelo para las prov
El Doríforo de Policleto es una escultura de mármol que representa a un joven atleta desnudo portando una lanza y en actitud de marcha. Introduce la técnica del contrapposto y logra representar el cuerpo viril perfecto según los cánones de proporción de Policleto. La obra marcó el estilo clásico griego con figuras de movimiento contenido y belleza idealizada.
La arquitectura egipcia se caracterizaba por grandes construcciones como templos y tumbas con fines monumentales. Los templos tenían partes como una avenida de esfinges, un pilono de entrada, patios porticados y una sala hipóstila decorada con columnas. Las tumbas incluían pirámides para faraones y mastabas y hipogeos para otros. La escultura y pintura egipcias carecían de perspectiva y mostraban figuras planas e inmóviles que se representaban de forma idealizada y con la cara y extremidades en á
Este documento analiza la escultura griega clásica conocida como el Discóbolo. Representa a un atleta en el momento de lanzar el disco en una postura armoniosa y dinámica. Fue esculpida por Mirón en Atenas durante el siglo V a.C. para honrar la belleza ideal del cuerpo humano y los juegos atléticos. El Discóbolo marcó un avance en la representación del movimiento muscular y se conserva en museos como símbolo del arte griego clásico.
El documento describe la arquitectura romana. Comenzó como un pequeño poblado que creció hasta convertirse en un extenso imperio con influencias de las civilizaciones etrusca y griega. La arquitectura romana se caracterizó por su monumentalidad, funcionalidad y uso de materiales como la piedra y el hormigón. Construyeron templos, termas, basílicas, anfiteatros y obras de ingeniería como acueductos y puentes que aún influyen en la arquitectura moderna. El Panteón, con su
La escultura romana. Historia del Arte 2º de Bachillerato LOMCE.
Desarrolla el estándar: Especifica las innovaciones de la escultura romana en relación con la griega
El documento describe el Templo de Artemisa en Corfú, Grecia. El templo data del 580 a.C. y está dedicado a la diosa Artemisa. Presenta una planta octástila y períptera, con dos columnas en el pronaos y opistodomo. En el frontón central se encuentra una escultura de la Gorgona Medusa. El templo se construyó siguiendo el orden dórico y actualmente solo quedan ruinas.
La escultura bizantina se caracterizó por figuras frontales y hieráticas con énfasis en el bajo relieve. Se trabajó principalmente en marfil, plata y bronce, con ojos grandes y mirando hacia arriba. La iglesia bizantina se opuso a representaciones tangibles de figuras sagradas, aunque Italia se resistió parcialmente a esta norma. Las esculturas incluyeron relieves en sarcófagos y obras de marfil atribuidas a artesanos orientales.
El documento describe la arquitectura romana, incluyendo sus características, materiales y principales tipos de edificios como templos, teatros, anfiteatros, circo, basílicas, termas, arcos de triunfo y acueductos. La arquitectura romana se extendió por todo el Imperio y evolucionó desde influencias etruscas y griegas a un estilo más grandioso e ingenioso que satisfizo las necesidades prácticas del Imperio.
El documento describe las características de tres estilos artísticos: el arte gótico, el renacimiento y el barroco. El arte gótico se centró en lo espiritual y en imitar la naturaleza de forma lineal, predominando la arquitectura religiosa. El renacimiento se centró en lo humano y buscó la perfección anatómica a través de la simetría y el realismo. El barroco también se centró en lo humano pero con un estilo más áspero que utilizó fuertes contrastes de luz y
El documento resume las principales características del arte egipcio antiguo. Describe la arquitectura funeraria como mastabas y pirámides que albergaban las tumbas de los faraones. También describe la arquitectura religiosa como templos que rinden culto a los dioses, con partes como salas hipóstilas y santuarios. Se mencionan ejemplos notables como las pirámides de Giza y el templo de Abu Simbel.
Segunda presentación sobre le renacimiento en Italia (escultura y pintura) que añado a esta entrada: http://www.profesorfrancisco.es/2013/05/renacimiento-en-italia.html
Tema 03 Arte Paleocristiano y BizantinoTeresa Pérez
Este documento resume la evolución del arte paleocristiano desde el siglo I hasta el siglo VI d.C. Describe la arquitectura de las primeras basílicas y catacumbas, así como el desarrollo de la iconografía cristiana a través de símbolos, temas del Antiguo y Nuevo Testamento. También analiza la pintura y escultura de este período, destacando ejemplos como las catacumbas de Priscila y los sarcófagos decorados.
El documento describe la escultura romana, en particular el retrato. Resalta el naturalismo de la escultura romana frente a la idealización griega, enfocándose en reproducir la realidad. Explica que el retrato romano se originó de las máscaras funerarias etruscas y las imagines maiorum y evolucionó hacia mayor detalle y realismo con el paso del tiempo. También destaca la función del retrato de exaltar a las autoridades y el anonimato de los artistas.
Este documento presenta una serie de actividades relacionadas con el arte griego para el curso 2016-2017 en el departamento de artes plásticas del IES Villa de Vallecas. Incluye preguntas sobre la cronología de diferentes períodos artísticos griegos, la asociación de artistas con sus épocas, afirmaciones sobre artistas y obras que deben ser marcadas como verdaderas o falsas, la identificación de términos relacionados con el arte griego, explicaciones sobre la evolución de la figura masculina en la escultura griega
El documento resume la arquitectura clásica griega, incluyendo sus características, órdenes arquitectónicos como el dórico y jónico, y ejemplos notables como el Partenón y otros edificios en la Acrópolis de Atenas. También describe la escultura griega arcaica, con ejemplos de korai y kouroi.
Este documento presenta la arquitectura griega de la Acrópolis de Atenas del siglo V a.C., incluyendo los principales edificios como los Propileos, el Templo de Atenea Niké, el Partenón y el Erecteión. Explica las características arquitectónicas de cada uno, destacando que reflejan los conceptos estéticos griegos de belleza, proporción y perfección formal.
El documento resume la historia del arte griego. Explica que el arte griego se desarrolló en tres periodos: arcaico, clásico y helenístico. Destaca los logros arquitectónicos de la época clásica como el Partenón y otros edificios en la Acrópolis de Atenas. Resalta que el arte griego se caracterizó por buscar la belleza a través de la proporción y el equilibrio, y que utilizó los órdenes arquitectónicos dórico, jónico y corintio.
La arquitectura griega data desde alrededor del 600 a. C. y se caracteriza por el equilibrio, la simetría y la armonía. Algunos de sus templos más importantes son el Partenón y el Erecteión en la Acrópolis de Atenas. La arquitectura griega legó elementos como las columnas dóricas, jónicas y corintias que aún se usan hoy en día.
La arquitectura griega se originó entre los años 900 a.C. y el siglo I d.C. en Grecia. Los estilos arquitectónicos griegos incluyen el orden dórico, jónico y corintio. Algunas de las obras arquitectónicas más destacadas son el Partenón, el Erecteon y el templo de Atenea Niké en la Acrópolis de Atenas. La arquitectura griega se caracteriza por su simetría, proporciones elegantes y énfasis en el orden y el equilib
El documento resume las principales manifestaciones artísticas de la antigua Grecia, incluyendo la arquitectura, la escultura y la cerámica. La arquitectura griega se caracteriza por el uso de la piedra y los órdenes clásicos como el dórico y el jónico. Los templos griegos siguen un modelo con columnatas y frontones. La escultura griega evolucionó desde una fase arcaica rígida a una clásica más naturalista, representando figuras desnudas de belleza ideal. La cerámica
RESUMEN FUNDAMENTOS ARTE (I) Arte griego, arquitectura, el temploSalvador Guzman Moral
La arquitectura griega se caracterizó por tres órdenes clásicos (dórico, jónico y corintio) definidos por sus proporciones y elementos como las columnas y capiteles. El templo griego más representativo fue el Partenón de Atenas, construido en el siglo V a.C. siguiendo el orden dórico para albergar la gran estatua de Atenea, diosa protectora de la ciudad. Con sus proporciones armoniosas y correcciones ópticas, el Partenón marcó un hito ar
Este documento resume los principales aspectos de la arquitectura griega, incluyendo sus tres órdenes de columnas (dórico, jónico y corintio), los períodos más importantes de desarrollo (arcaico tardío, época de Pericles y período clásico), características de sus templos, teatros y otros edificios, y algunos de sus arquitectos más influyentes como Ictino, Calícrates y Libón de Élide. También describe importantes obras maestras como el Partenón, el teatro de
El documento proporciona información sobre cinco obras arquitectónicas griegas: el Partenón, el Templo de Atenea Niké y el Erecteion en la Acrópolis de Atenas del periodo clásico; el Teatro de Epidauro del periodo helenístico; y el Altar de Pérgamo del periodo helenístico. Describe las características arquitectónicas, escultóricas y decorativas de cada obra, así como su ubicación, fecha de construcción, autores y contexto histórico-
El arte clásico. Grecia. Parte I: arte cretomicénico. Arquitectura griega.Maribel Andrés
El documento describe el desarrollo del arte clásico griego desde la civilización cretomicénica hasta el período helenístico. Destaca la arquitectura de los palacios minoicos en Creta y las tumbas micénicas, así como el surgimiento de los órdenes clásicos y los templos griegos como el Partenón. También analiza la escultura y pintura griegas, con ejemplos como el Discóbolo y el Frontón de Egina.
El documento resume el arte griego en tres periodos: época arcaica, época clásica y periodo helenístico. Destaca la arquitectura griega clásica como el Partenón y el Erecteión en la Acrópolis de Atenas, así como la escultura y filosofía griegas.
El documento resume la arquitectura griega. Los griegos desarrollaron un urbanismo racional con plazas, acrópolis, gimnasios y teatros. Los templos solían estar construidos con columnas de mármol siguiendo los órdenes dórico, jónico y corintio. El edificio más importante fue el Partenón de Atenas, construido en mármol pentélico siguiendo proporciones armoniosas.
Presentación apra mis alumnos de 2º de Bach. Historia del Arte con las imágenes a comentar del arte griego según los estándares de aprendizaje de la LOMCE, CyL.
FDA BLOQUE II - Edad antigua (Grecia y Roma) y Edad media (PrerromaÌnico, R...MaradelCarmenSnchezR4
El documento presenta una línea de tiempo del arte clásico y sus proyecciones a través de los períodos históricos, con un enfoque en el arte de la antigua Grecia. Describe el contexto histórico de Grecia y las principales expresiones artísticas como la arquitectura griega, con detalles sobre los órdenes, obras maestras como el Partenón y Erecteion, y artistas destacados. También menciona la escultura, pintura y cerámica griegas.
El documento resume las características generales de la arquitectura griega. Explica que los griegos sentaron las bases del arte occidental a través de un ideal de belleza basado en la proporción y medida. Describe los períodos del arte griego, los órdenes arquitectónicos como el dórico, jónico y corintio, y tipos de edificios como los templos y teatros. Finalmente, incluye una bibliografía y galería de imágenes.
La arquitectura griega sentó las bases de la arquitectura occidental a través de los siglos. Los griegos desarrollaron tres órdenes arquitectónicos - dórico, jónico y corintio - basados en proporciones humanas que se convertirían en el lenguaje compartido del mundo mediterráneo. El templo griego, concebido como una escultura, era el foco de las ciudades y encarnaba los ideales estéticos de proporción y medida de los griegos.
La arquitectura griega floreció entre los siglos IX a.C. y I d.C. en Grecia y las colonias griegas. Se caracteriza por el uso de la columna, líneas rectas y falta de bóvedas. Los templos griegos más importantes incluyen el Partenón, el Erecteón y el Teatro de Dionisio en Atenas. Arquitectos notables fueron Ictino, Calicrates y Vitruvio.
El documento resume la arquitectura griega clásica, incluyendo los tres órdenes arquitectónicos griegos (dórico, jónico y corintio), el origen y función del templo griego, y la comparación entre el teatro griego y romano. Explica que los griegos desarrollaron tipos de edificios civiles como el teatro, el odeón y la stoa, y que el templo se convirtió en el edificio más importante, simbolizando a toda la comunidad.
El documento describe la arquitectura griega antigua, incluyendo los principales períodos, características, obras arquitectónicas como el Partenón, el Mausoleo de Halicarnaso y el Erecteón, y arquitectos griegos importantes como Calícrates e Ictino. La arquitectura griega se caracterizó por el uso de columnas, líneas rectas y proporciones equilibradas que lograron gran belleza y armonía.
El documento resume la historia y características del arte clásico griego. En particular, describe la arquitectura griega, incluidos los tres órdenes arquitectónicos (dórico, jónico y corintio) y los diferentes tipos de templos. También analiza los principales ejemplos de la arquitectura clásica griega como el Partenón y otros edificios en la Acrópolis de Atenas.
Este documento presenta el programa de un curso de Historia de España que abarca desde la crisis del Antiguo Régimen hasta la actualidad democrática. El programa se divide en 5 grandes bloques temáticos con 20 temas en total. Cada tema se desarrolla en varios apartados para precisar los contenidos clave. Al final se recomienda bibliografía para profundizar en las interpretaciones históricas.
Tema 9 11 - Guerra fria y Descolonizacionetorija82
La Guerra Fría (1945-1989) fue un período de rivalidad ideológica y geopolítica entre Estados Unidos y la Unión Soviética sin enfrentamientos directos. Tras la Segunda Guerra Mundial, Europa se dividió en bloques capitalista y comunista, dando inicio a la rivalidad entre las dos nuevas superpotencias. La carrera armamentista y espacial, el espionaje y los conflictos en terceros países caracterizaron esta época, hasta que en la década de 1980 las reformas de Gorbachov en la URSS condujer
La Revolución Rusa comenzó en 1905 debido al descontento por la derrota en la guerra con Japón y la crisis económica resultante. Esto llevó a la Revolución de Febrero de 1917 que derrocó al zar Nicolás II y estableció un gobierno provisional, pero continuó el descontento. Los bolcheviques liderados por Lenin tomaron el control en la Revolución de Octubre de 1917, estableciendo la Unión Soviética y nacionalizando la industria. Esto llevó a una guerra civil,
Este documento describe un trabajo escolar que implica resumir la historia y los personajes principales de las novelas gráficas Persépolis de Marjane Satrapi y Maus de Art Spiegelman. Los estudiantes también deben analizar cómo las historias se relacionan con sus contextos históricos y geográficos, incluyendo imágenes comparativas. El trabajo debe tener alrededor de 50 diapositivas o un video de 5-10 minutos, e incluir contenido adicional creativo relacionado con las historias. Debe entregarse antes del 7
El documento resume los principales eventos de la Segunda República Española y el inicio de la Guerra Civil. Tras las elecciones municipales de abril de 1931 que ganaron los republicanos, se proclamó la Segunda República el 14 de abril. Luego de un bienio reformista liderado por Manuel Azaña, ganaron las elecciones de 1933 los partidos de derecha. Esto llevó a un bienio radical-cedista más conservador. En 1934 hubo una revolución obrera que fue reprimida, y en 1936 ganó el Frente Popular. Esto motivó a
Tema 8 - Escultura y pintura renacentistaetorija82
El documento resume la escultura y pintura renacentistas en Italia y España. En Italia, la escultura renacentista se inició con Ghiberti y Donatello en Florencia, alcanzando su madurez con Miguel Ángel. La pintura del Quattrocento se desarrolló en Florencia con artistas como Masaccio, mientras que el Cinquecento estuvo dominado por Miguel Ángel, Rafael y los venecianos. En España, la escultura y pintura se vieron influenciadas por Italia y Flandes, con El Greco
Tema 8 - Arte y arquitectura renacentistaetorija82
El documento resume el contexto histórico y la evolución del arte renacentista en Europa, con un enfoque en Italia donde surgió. Describe las características generales del Renacimiento como la recuperación de la antigüedad clásica y el nuevo papel del artista. Explica brevemente los desarrollos en arquitectura renacentista como el urbanismo de ciudades ideales y tipos de edificios como iglesias y palacios que adoptaron las formas clásicas. Finalmente, resume la llegada más tardía del Renacimiento a
La cúpula de Santa María del Fiore en Florencia construida por Filippo Brunelleschi en el siglo XV fue la primera gran obra renacentista. Brunelleschi diseñó la cúpula sin andamiaje de madera, utilizando en su lugar un sistema de doble cúpula y ladrillos huecos. La cúpula revolucionó la arquitectura y se convirtió en un símbolo de orgullo para Florencia.
El documento describe las transformaciones demográficas en España durante el siglo XIX. La población española creció lentamente debido a altas tasas de natalidad y mortalidad, aunque la mortalidad disminuyó gracias al progreso médico. Hubo también mucha emigración a América. La mayoría de la población continuó trabajando en la agricultura. Las ciudades crecieron pero se mantuvo una estructura social desigual entre obreros y burgueses.
La Primera Guerra Mundial comenzó cuando un terrorista serbio asesinó al archiduque de Austria-Hungría, lo que llevó a Austria a declararle la guerra a Serbia y a las alianzas entre las potencias europeas a involucrarse, expandiendo el conflicto por toda Europa y más allá. La guerra resultó en una gran cantidad de bajas y destrucción hasta que Alemania se rindió en 1918, dando lugar a un tratado de paz que desmembró los imperios derrotados y trazó nuevas fronteras en Europa.
José Luis Jiménez Rodríguez
Junio 2024.
“La pedagogía es la metodología de la educación. Constituye una problemática de medios y fines, y en esa problemática estudia las situaciones educativas, las selecciona y luego organiza y asegura su explotación situacional”. Louis Not. 1993.
Lecciones 11 Esc. Sabática. El conflicto inminente docx
Obras de arte griego
1. Partenón (Atenas, Acrópolis, 447-438
a.C.) Ictino y Calícrates. Mármol blanco
del Pentélico. Octástilo (8x17)
* No contaba con altar propio
Ictinos y Calícrates Partenón ARQUITECTURA ARTE GRIEGO
2. * IDENTIFICACIÓN:
- Tipo: Obra arquitectónica - Obra: El Partenón
- Autores: Ictino y Calícrates - Cronología: Mediados del siglo V a.C.
- Temática: Obra religiosa - Función: Templo
- Estilo: Griego clásico. Orden dórico. - Localización: Acrópolis de Atenas, Grecia
1) DESCRIPCIÓN: Fotografía oblicua
2) ANÁLISIS:
- Material: Mármol del Pentélico. Aparejo isódomo en los muros y tambores para las columnas
- Sistema arquitectónico: Adintelado o arquitrabado y con un tejado a dos aguas visible exteriormente.
- Elementos sustentantes: Muro con aparejo isódomo y columnas de orden dórico. Ocho en el frente (octástilo) y 17
en los laterales. Internamente también encontramos columnas.
- Elementos sustentados: Techumbre plana (piedra y madera) y tejado a dos aguas (tejas de mármol).
- Elementos decorativos: Relieves en las metopas (altorrelieves de Amazonomaquia, Guerra de Troya,
Centauromaquia y Gigantomaquia), relieves en los frontones (nacimiento de Atenea y disputa por el patronazgo de
Atenas), friso jónico interior (procesión de las Panateneas), acróteras en el tejado y estatua en el interior (estatua
crisoelefantina (oro y marfil) de Atenea Partenos de 12 metros hoy perdida). La decoración fue realizada por Fidias y
su taller.
- Valores plásticos: Proporción, armonía, simetría, orden y empleo de correcciones ópticas.
3) COMENTARIO DE LA OBRA (ideas sueltas): Características del templo griego; información sobre el orden dórico;
análisis de su planta (templo dórico, octástilo y períptero, que cuenta con 3 salas: pronaos, naos y opistodomos);
importancia de la Acrópolis (reconstrucción bajo mandato de Pericles tras la destrucción y victoria de las Guerras
Médicas), procesión de las Grandes Panateneas (cada cuatro años); evolución posterior (reconversión en iglesia
cristiana, en mezquita, en polvorín…); expolio británico por parte de Lord Elgin y polémica sobre la devolución.
- Antecedentes: Templos griegos arcaicos (Magna Grecia)
- Importancia de la obra: Modelo de templo griego clásico y resumen de los principios estéticos griegos.
- Trascendencia: Influencia sobre la arquitectura religiosa griega y romana, así como Renacentista y, especialmente,
Neoclásica.
- Otras obras con las que se pueda relacionar: Todo el conjunto de la Acrópolis y templos romanos posteriores.
- Otras obras del autor: Calícrates realizaría el Templo de Atenea Niké.
3. Templo de Atenea Niké / Atenea áptera (sin
columnas laterales) (Calícrates, 421 a.C.) En
conmemoración a la victoria de Salamina. Tetrástilo.
Calícrates Templo de Atenea Niké ARQUITECTURA ARTE GRIEGO
4. * IDENTIFICACIÓN:
- Tipo: Obra arquitectónica - Obra: Templo de Antenea Niké o Atenea Áptera
- Autor: Calícrates - Cronología: Segunda mitad del siglo V a.C.
- Temática: Obra religiosa - Función: Templo
- Estilo: Griego clásico. Orden jónico. - Localización: Acrópolis de Atenas, Grecia
1) DESCRIPCIÓN: Fotografía oblicua
2) ANÁLISIS:
- Material: Mármol del Pentélico. Aparejo isódomo en los muros y tambores para las columnas
- Sistema arquitectónico: Adintelado o arquitrabado y con un tejado a dos aguas visible exteriormente.
- Elementos sustentantes: Muro con aparejo isódomo y columnas de orden jónico. Cuatro en el frente (tetrástilo) y
cuatro atrás, lo que le convierte en un edificio anfipróstilo. Dos pilares in antis.
- Elementos sustentados: Techumbre plana (piedra y madera) y tejado a dos aguas.
- Elementos decorativos: Relieves en el friso corrido jónico, posible relieves es en los frontones, acróteras en el
tejado y estatua en el interior (estatua de madera policromada de la diosa Victoria o Niké sin alas, para que no
abandonara nunca la ciudad de Atenas).
- Valores plásticos: Proporción, armonía, simetría, orden y empleo de correcciones ópticas.
3) COMENTARIO DE LA OBRA (ideas sueltas): Características del templo griego; información sobre el orden jónico;
análisis de su planta (templo jónico, tetrástilo y anfipróstilo con una sola sala o cella); importancia de la Acrópolis
(reconstrucción bajo mandato de Pericles tras la destrucción y victoria de las Guerras Médicas). Como en todos los
templos griegos las celebración se realizaban en un altar exterior.
- Antecedentes: Templos griegos arcaicos (Magna Grecia) y similitud con los tesoros griegos (edificios que
guardaban reliquias, botines…)
- Importancia de la obra: Modelo de templo griego clásico y resumen de los principios estéticos griegos.
- Trascendencia: Influencia sobre la arquitectura religiosa griega y romana, así como Renacentista y, especialmente,
Neoclásica.
- Otras obras con las que se pueda relacionar: Todo el conjunto de la Acrópolis y templos romanos posteriores.
- Otras obras del autor: Calícrates colaboraría con Ictinos en la creación del Partenón.
5. Templo de Asclepio en Epidauro (330 a.C.)
Policleto el Joven
(quizás hijo del escultor)
Policleto el jóven Teatro de Epidauro ARQUITECTURA ARTE GRIEGO
6. * IDENTIFICACIÓN:
- Tipo: Obra arquitectónica - Obra: Teatro de Epidauro
- Autor: Polícleto el Jóven - Cronología: Primera mitad-mediados del sg. IV a.C.
- Temática: Obra de ocio - Función: Obras de teatro, poesía y fiestas religiosas
- Estilo: Griego clásico. - Localización: Epidauro, Grecia
1) DESCRIPCIÓN: Fotografía desde las gradas hacia la orquesta y la escena
2) ANÁLISIS:
- Material: Piedra
- Sistema arquitectónico: El graderío se levanta sobre una colina natural y las estructuras que dan acceso al recinto
(parodoi) y el propio escenario tendrían un sistema adintelado o arquitrabado.
- Elementos sustentantes: Pilares y columnas para el escenario y puertas de acceso.
- Elementos sustentados: Techumbres planas en el escenario y puertas de acceso.
- Elementos decorativos: El escenario (dos pisos y balcón) debería recoger estatuas que hoy han desaparecido. Los
asientos más cercanos a la orquestra estaban destinados a personalidades políticas y llevaban respaldos y brazos.
- Valores plásticos: Proporción, armonía y simetría.
3) COMENTARIO DE LA OBRA (ideas sueltas): La estructura constructiva del teatro de Epidauro presenta las partes
clásicas del teatro griego: 1) el koilon/cavea o graderío era ultrasemicircular y estaba separado por pasillos
(diazomas), 2) la orquesta de forma circular (aquí se ubicaba el coro y un altar ceremonial) y 3) el escenario, dividido
en proscenio (parte que lo conecta con la orquesta) y escena (fondo). Aforo de 15.000 espectadores. Integración
entre la arquitectura y el paisaje natural, como reflejo de la unión entre arte y naturaleza. Teatro dedicado a los
dioses Asclepio (medicina) y Dioniso (Fiesta y Vino). Se han realizado estudios de acústica que han reflejado datos
sorprendentes.
- Antecedentes: Es el primer gran teatro del mundo antiguo
- Importancia de la obra: Modelo de teatro griego clásico y resumen de los principios estéticos griegos.
- Trascendencia: Influencia sobre la arquitectura y romana, así como la creación de recintos públicos en muchos de
los estilos posteriores. Su influencia es visible aún hoy.
- Otras obras con las que se pueda relacionar: Templo romano de Mérida.
- Otras obras del autor: Podemos destacar aquí que Polícleto el Joven era hijo de Policleto, el famoso escultor de la
segunda mitad del siglo V.
7. Erecteion (421-406 a.C.) Jónico, áptero y
con tres pórticos. En honor a Atenea,
Poseidón y Erecteo. Filocles
Filocles
Erecteion (Tribuna de
las Cariátides)
ARQUITECTURA ARTE GRIEGO
8. * IDENTIFICACIÓN:
- Tipo: Arquitectónica + escultórica - Obra: Erecteion + Tribuna de las caríatides
- Autores: Mnesicles y Filocles - Cronología: Segunda mitad del siglo V a.C.
- Temática: Religiosa - Función: Templo
- Estilo: Griego clásico. Orden jónico. - Localización: Acrópolis de Atenas, Grecia
1) DESCRIPCIÓN: Fotografía oblicua
2) ANÁLISIS (Edificio + Escultura):
- Material: Mármol del Pentélico. Aparejo isódomo en los muros y tambores para las columnas
- Sistema arquitectónico: Adintelado o arquitrabado y con un tejado a dos aguas visible exteriormente.
- Elementos sustentantes: Muro con aparejo isódomo y columnas de orden jónico.
- Elementos sustentados: Techumbre plana (piedra y madera) y tejado a dos aguas.
- Elementos decorativos: Cariátides en el pórtico Sur. * Seis esculturas de bulto redondo realizadas en mármol y con
una función sustentante (columnas), inspiradas en las korai griegas, poseen composición cerrada, visión frontal y
poca expresividad. Destacan sus ropajes (peplo y chitón), pues dejan entrever sus anatomías y responden a la
propuesta de los paños mojados de Fidias.
- Valores plásticos: Se rompe aquí con los valores de armonía, simetría y proporción. Obra innovadora
3) COMENTARIO DE LA OBRA (ideas sueltas): El Erecteion es un edificio con carácter poco unitario, tres grandes
pórticos (uno con cuatro columnas (norte), otro con seis (este) y otro con cuatro Cariátides (sur)) y una planta
adaptada al terreno irregular. Esto se debe a que el espacio recoge espacios sagrados ligados a Poseidón (huella de
su tridente), Atenea (Olivo sagrado) y a los reyes míticos Erecteo y Cécrope (tumba). Caríatides: Estas figuras
representan a las mujeres de Caria (Asia menor), que durante las Guerras Médicas apoyaron a los Persas. Es por
ello, que simbólicamente se las hace cargar con el peso del edificio durante toda la eternidad. El edificio se
reutilizaría posteriormente como iglesia y polvorín de guerra.
- Antecedentes: Templos griegos arcaicos (Magna Grecia)
- Importancia de la obra: Modelo para templos posteriores y Cariátides como elementos decorativos (se crearán
también modelos masculinos similares que recibirían el nombre de Atlantes)
- Trascendencia: Influencia sobre la arquitectura religiosa griega y romana, así como Renacentista y Neoclásica.
- Otras obras con las que se pueda relacionar: Todo el conjunto de la Acrópolis y templos romanos posteriores.
- Otras obras del autor: Mnesicles realizaría los Propíleos que dan entrada a la Acrópolis.
9. Metopas del Partenón. 92 Metopas
(Fidias y su taller) (447-438 a.C.)
Fidias Metopa del Partenón ESCULTURA ARTE GRIEGO
10. * IDENTIFICACIÓN:
- Tipo: Obra escultórica. Altorrelieve - Obra: Metopas del Partenón
- Autor: Fidias y su taller - Cronología: Mediados del siglo V a.C.
- Temática: Mítica - Función: Decorativa. Arquitectura monumental
- Estilo: Griego clásico. Orden dórico. - Localización: Acrópolis de Atenas, Grecia
1) DESCRIPCIÓN: Fotografía frontal. Altorrelieve. * Depende de la metopa
2) ANÁLISIS:
- Materiales y técnica: Mármol del Pentélico. Obras esculpidas mediante el uso de cincel.
- Elementos formales: 1) Texturas: Texturas lisas y pulidas en las partes blandas y rugosas en los ropajes; 2) Volumen:
Al tratarse de un altorrelieve las figuras sobresalen del fondo y dotan de gran volumen a la composición;
3) Composición: Depende de las metopas, pero son comunes las composiciones triangulares; 4) Movimiento: Las
metopas del Partenón muestran escenas de guerra y lucha en las cuales los personajes son retratados en un
momento concreto en el que se para el tiempo. No obstante, aún parecen algo estáticas; 5) Incidencia de la luz: El
altorrelieve permite la creación y el juego de luces y sombras creando claroscuros y 6) Color: Las figuras
originalmente irían policromadas, pero hoy se ha perdido el pigmento.
- Elementos no formales: 1) Formas de expresión: En la etapa Clásica, aún no se desarrollar el pathos y la expresión
es serena, aunque la figura esté realizando movimientos forzados. Se desarrolla el ethos; 2) Anatomía: Gran estudio
anatómico de todas las figuras, mostrando a menudo figuras contorsionadas o en posiciones complejas y
3) Ropajes/Pliegues: Gran estudio y desarrollo de la «técnica de los paños mojados»
3) COMENTARIO DE LA OBRA (ideas sueltas): Las 92 metopas del Partenón se sitúan en el friso dórico del edificio a
lo largo de sus cuatro lados y se separan mediante triglifos unas de otras. Su tamaño individual aproximado es de
1’4 metros de alto y 1’7 de ancho. Se dedican a cuatro grandes conflictos míticos: Gigantomaquia, Centauromaquia,
Amazonomaquia y Guerra de Troya.
- Antecedentes: Templos griegos arcaicos (Magna Grecia)
- Importancia de la obra: En su momento muestran el cénit de la escultura griega clásica
- Trascendencia: Desarrollan aspectos como las composición, el movimiento y la anatomía.
- Otras obras con las que se pueda relacionar: Relieves griegos posteriores y relieves renacentistas.
- Otras obras del autor: Fidias realizó las estatuas crisoelefantinas de Atenea Partenos y del Zeus de Olimpia (12
metros; hoy perdidas), así como famosas obras en bronce y mármol de las que nos quedan copias romanas.
11. Kuros (Kuroi en plural) de Creso o de Anavyssos
(540-520 a.C.). Utilizado como lápida
“Detente y llora ante la tumba del fallecido Creso, a quien el furioso Ares destruyó un
día luchando en las filas más avanzadas”
Anónimo Kouros de Anavvssos ESCULTURA ARTE GRIEGO
12. * IDENTIFICACIÓN:
- Tipo: Obra escultórica. - Obra: Kouros/Kuros de Anavysos
- Autor: Desconocido - Cronología: Siglo VI a.C.
- Temática: Escultura funeraria - Función: Funeraria
- Estilo: Etapa arcaica griega. - Localización: Anavysos. Museo Arqueológico de Atenas
1) DESCRIPCIÓN: Fotografía frontal y trasera. Bulto redondo, cuerpo entero, de pie.
2) ANÁLISIS:
- Materiales y técnica: Mármol. Obras esculpida mediante el uso de cincel.
- Elementos formales: 1) Texturas: Texturas lisas y pulidas; 2) Volumen: La figura humana va ganando volumen e
invita a rodearla (tridimensionalidad), pese a su priorización de vista frontal; 3) Composición: Composición cerrada,
los brazos y piernas se mantienen rectos y pegados al cuerpo, pese a que no tocan el tronco; 4) Movimiento: La
figura presenta hieratismo, pero al adelantar la pierna izquierda da idea de paso seguro al frente; 5) Incidencia de la
luz: Resbala en el cuerpo moldeando la anatomía y queda atrapada en el cabello creando claroscuros y 6) Color: La
figura originalmente iría policromada, pero hoy se ha perdido el pigmento (aún visible en algunas zonas)
- Elementos no formales: 1) Formas de expresión: En la etapa arcaica, no se muestra expresividad en la cara. Se
puesta por el ethos y la característica sonrisa arcaica; 2) Anatomía: Gran estudio anatómico, pero aún se encuentra
en proceso de transición desde una anatomía geométrica (pectoral, abdomen, rodillas…), a una más naturalista y
3) Ropajes/Pliegues: La figura se presenta desnuda, siendo únicamente el pelo el que presenta textura.
3) COMENTARIO DE LA OBRA (ideas sueltas): Los Kuroi suelen representar a dioses, héroes o campeones de
atletismo. En este caso representa a Creso, soldado griego que murió en batalla, lo que dota a la obra de función
funeraria (lápida). Desarrolla principios griegos como la simetría, la geometría y el ideal de belleza. Al situarse en la
etapa arcaica vemos aún hieratismo y frontalidad, con detalles como los puños cerrados, la composición cerrada y e
pelo reducido a formas geométricas.
- Antecedentes: Otros Kuroi y Korai arcaicos. Inicialmente las xoana.
- Importancia de la obra: Marca la transición desde la escultura arcaica a la clásica.
- Trascendencia: Marca el modelo de desnudo masculino para posteriores obras de dioses y héroes.
- Otras obras con las que se pueda relacionar: Obras egipcias (previas) y griegas posteriores como «El Doríforo».
- Otras obras del autor: No cocemos al autor.
* Korai: Figuras femeninas con función votiva. Se presentan vestidas (túnica: peplo o peplo y chitón), con los dos pies en la misma posición y
adelantando un brazo que presenta una ofrenda.
13. Auriga de Delfos (474 a.C.). Bronce (cera perdida)
Representación del tirano Polyzalos de Gela (cidad de la Isla de Sicilia). Carrerra de cuadrigas en los Juegos
Píticos en honor a Apolo. Pitágoras de Reggio. 1’80 cm
Anónimo Auriga de Delfos ESCULTURA ARTE GRIEGO
14. * IDENTIFICACIÓN:
- Tipo: Obra escultórica. - Obra: El Aúriga de Delfos
- Autor: * Pitágoras de Regio - Cronología: Primera mitad del siglo V a.C.
- Temática: Conmemorativa - Función: Conmemorativa
- Estilo: Griego severo. - Localización: Delfos. Museo Arqueológico de Delfos
1) DESCRIPCIÓN: Fotografía. Bulto redondo. Formaría parte de un carro tirado por
caballos
2) ANÁLISIS:
- Materiales y técnica: Bronce. Empleo de la técnica de la cera perdida. Diferentes piezas posteriormente soldadas.
- Elementos formales: 1) Texturas: Texturas lisas en las partes blandas y rugosas en los ropajes; 2) Volumen: Pese al
carácter vertical, la cabeza y los brazos adelantan un estudio del volumen; 3) Composición: Abierta gracias al brazo
derecho, que se adelanta cogiendo las riendas; 4) Movimiento: Existe aún hieratismo en la figura; 5) Incidencia de la
luz: Resbala en la cara y el cuello moldeando la anatomía y queda atrapada en el cabello y en la túnica creando
claroscuros y 6) Color: No habría policromía, pero se ha perdido el brillo dorado original del bronce.
- Elementos no formales: 1) Formas de expresión: En la etapa severa se empieza abandonar la sonrisa arcaica y se
avanza hacia la representación del ethos (estatismo emocional), 2) Anatomía: Aunque existe un estudio anatómico,
que queda claro en la cabeza; la túnica impide ver la anatomía y 3) Ropajes/Pliegues: Avance en la forma en que los
pliegues se desarrollan en la parte superior marcando los hombros y creando formas ceñidas en torno a la cinta que
se ciñe en la parte baja del pecho. Desde ahí, la túnica cae de forma vertical y ancha.
3) COMENTARIO DE LA OBRA (ideas sueltas): Obra original. Añadidos que dan realismo a la obra (pestañas y labios
en metal y pasta vítrea y piedras preciosas en los ojos). Viste una túnica larga ajustada en la parte superior lo cual
complica la vista de un principio de canon proporcional. Transmite serenidad en su gesto y realismo en su rostro
gracias al pelo cincelado, la corona (símbolo de victoria) y los añadidos ya mencionados. Representaría al tirano
Polyzalos de Gela (Sicilia) tras su victoria en los Juegos Píticos en honor a Apolo, realizados en Delfos cada 4 años.
- Antecedentes: Kuroi arcaicos.
- Importancia de la obra: Permite ver perfectamente la transición de la escultura arcaica a la clásica.
- Trascendencia: Formaba parte de un conjunto mayor formado por un carro y posiblemente 4 caballos. El arte
romano y el neoclasicismo desarrolla representación ecuestres y de cuadrigas con función conmemorativa.
- Otras obras con las que se pueda relacionar: Obras de la etapa severa y clásica.
- Otras obras del autor: No conocidas
15. Polícleto (480-420 a.C.)
El Doríforo (“el portador de la lanza”) (Kanon/Canon “1/7”)
Quizás represente a Aquiles. Original en bronce, copia romana en mármol
El cuerpo humano ideal debe corresponder a 7,66 cabezas (la cabeza supone un 13 % del total).
El rostro además, se dividiría en tres partes iguales: frente, nariz, y desde esta hasta el mentón.
Policleto Doríforo ESCULTURA ARTE GRIEGO
16. * IDENTIFICACIÓN:
- Tipo: Obra escultórica. - Obra: El Doríforo («El portador de la lanza»)
- Autor: Policleto - Cronología: Mediados del siglo V a.C.
- Temática: Deportiva/*Religiosa - Función: Artística / Representación de su «canon»
- Estilo: Griego clásico. - Localización: Museo Arqueológico de Nápoles
1) DESCRIPCIÓN: Fotografía. Bulto redondo. De pie
2) ANÁLISIS:
- Materiales y técnica: Original en bronce (cera perdida). Copia romana en mármol, esculpida mediante cincel.
- Elementos formales: 1) Texturas: Lisas y pulidas. El pelo recibe mayor atención y es el único elemento que, junto
con el apoyo, es rugoso; 2) Volumen: La figura es tridimensional y pese a su punto de vista frontal, nos invita a
rodearla; 3) Composición: Abierta gracias al brazo izquierdo, que se adelanta sosteniendo teóricamente una lanza;
4) Movimiento: Contrapposto/chiasmo; 5) Incidencia de la luz: Resbala en el cuerpo desnudo y queda atrapada en el
cabello, creando claroscuros y 6) Color: La copia romana recibió policromía, hoy perdida.
- Elementos no formales: 1) Formas de expresión: Al formar parte de la etapa clásica, se apuesta por el ethos
(estatismo emocional), que no muestra sentimiento alguno; 2) Anatomía: Existe un avance en el estudio anatómico,
que apuesta por pliegues angulosos y una musculatura muy desarrollada y 3) Ropajes/Pliegues: Inexistente.
3) COMENTARIO DE LA OBRA (ideas sueltas): El Dorífero plasma a la perfección 3 de las propuestas defendidas por
su Polícleto en su obra teórica «Kanon»: 1) el empleo de un canon proporcional basado en que el tamaño del
cuerpo humano corresponde a 7 cabezas («1/7»), 2) la división de la cabeza en 3 porciones iguales (frente-nariz,
nariz, nariz-barbilla) y 3) uso de «contrapposto/chiasmo», es decir, la contraposición armónica de las diferentes
partes del cuerpo humano (hombros, brazos, cadera, piernas), rompiendo así la frontalidad y mostrando un avance
en el equilibrio y movimiento de la figura humana. * Podría representar a Aquiles (pasaje de la «Ilíada»).
- Antecedentes: Kuroi arcaicos.
- Importancia de la obra: Representa el cenit del clasicismo y pone en práctica la propuesta teórica de su autor.
- Trascendencia: La obra se convierte en modelo para posteriores representaciones atléticas, de dioses, héroes e
incluso políticos o militares. Asienta el «contrapposto» y la propuesta de un canon proporcional.
- Otras obras con las que se pueda relacionar: Obras romanas («Augusto de Prima Porta»), renacentistas («Davíd»
de Miguel Ángel» y neoclásicas.
- Otras obras del autor: El Diadúmeno, El Discóforo. Se puede relacionar también con artistas coetáneos
17. Mirón (480-440 a.C.) El discóbolo
(455 a.C.) Original en bronce
Mirón Discóbolo ESCULTURA ARTE GRIEGO
18. * IDENTIFICACIÓN:
- Tipo: Obra escultórica. - Obra: El Discóbolo
- Autor: Mirón - Cronología: Mediados del siglo V a.C.
- Temática: Deportiva - Función: Conmemorativa/Artística
- Estilo: Griego clásico. - Localización: Museo Nacional de Roma
1) DESCRIPCIÓN: Fotografía. Bulto redondo. De pie, pero inclinado hacia delante en un
movimiento forzado. Es una captura concreta del movimiento de lanzamiento de disco.
2) ANÁLISIS:
- Materiales y técnica: Original en bronce (cera perdida). Copia romana en mármol, esculpida mediante cincel.
- Elementos formales: 1) Texturas: Texturas lisas en las partes blandas y rugosas sólo en el apoyo; 2) Volumen: La
figura posee un gran volumen generado por la posición de los brazos. No obstante, aún puede alcanzar más
volumen; 3) Composición: La figura posee la forma de un arco (brazos) y una línea serpentinata (cuerpo);
4) Movimiento: La obra congela el movimiento de mayor tensión, pues es el previo al lanzamiento; 5) Incidencia de la
luz: Resbala en todo el cuerpo, pero se generan claroscuros en los músculos que quedan contraídos y 6) Color: La
copia romana recibió policromía, hoy perdida
- Elementos no formales: 1) Formas de expresión: Al formar parte de la etapa clásica, se apuesta por el ethos
(estatismo emocional), que no muestra sentimiento alguno; 2) Anatomía: Pese al movimiento extremo, encontramos
el abdomen algo plano y algunos músculos escasamente tensionados y 3) Ropajes/Pliegues: Inexistente.
3) COMENTARIO DE LA OBRA (ideas sueltas): El Discóbolo trata de romper con principios como el hieratismo y la
frontalidad, tratando de aportar un dinamismo nuevo, que sólo se ve roto por la falta de expresión del rostro y la
planicie del abdomen. No obstante la anatomía es realista, aunque se trate de representar a un hombre idealizado y
bello. Se trata de un atleta de los Juegos Píticos, llamado Jacinto. Mirón avanza aquí hacia el estudio del movimiento
y las composiciones arriesgadas, pues el original en bronce no tendría ningún soporte adicional.
- Antecedentes: Kuroi arcaicos.
- Importancia de la obra: Captación de un esfuerzo extremo a través de una obra escultórica estática.
- Trascendencia: La plasmación del movimiento a través de la escultura va a ser una constante, que tendrá una larga
evolución que va de esta obra al arte contemporáneo.
- Otras obras con las que se pueda relacionar: Obras de la etapa clásica, como el Discóforo de Policleto.
- Otras obras del autor: Grupo de Teseo y el Minotauro, grupo de Atenea y Marsias. Se puede comparar con otros
artistas coetáneos.
19. Praxíteles (400-320 a.C.): Hermes con el dios niño
Dionisos (¿original?) (obra de madurez). Sus obras están
caracterizadas por la llamada karis (gracia) ática y la introducción de “curva praxiteliana”, un
elegante acomodo del cuerpo, que contribuye al contrapposto
Praxíteles
Hermes con Dionisos
niño
ESCULTURA ARTE GRIEGO
20. * IDENTIFICACIÓN:
- Tipo: Obra escultórica. - Obra: Hermes con el dios niño Dioniso
- Autor: Praxíteles - Cronología: Mediados del siglo IV a.C.
- Temática: Religiosa - Función: Religiosa
- Estilo: Griego clásico. - Localización: Olimpia. Museo Arqueológico de Olimpia
1) DESCRIPCIÓN: Fotografía. Bulto redondo. Grupo escultórico formado por un adulto de
pie y un bebe que se apoya en el brazo izquierdo del personaje anterior.
2) ANÁLISIS:
- Materiales y técnica: Posiblemente se trate de una obra original en mármol, esculpida mediante cincel.
- Elementos formales: 1) Texturas: Texturas lisas y muy pulidas en las partes blandas y rugosas en los ropajes que
caen desde el apoyo de la escultura; 2) Volumen: La obra es muy redondeada y apuesta por una visión
tridimensional (rodear a la escultura para ver la cara del niño); 3) Composición: Abierta gracias al brazo derecho (hoy
perdido), que estaría recogiendo un ramo de uvas hacia el cual se abalanza el niño (Dioniso es el Dios del vino). El
personaje principal se curva ligeramente («curva praxiteliana»); 4) Movimiento: A pesar de la curva del personaje, el
movimiento es estático, siendo los brazos perdidos del niño, los que mostrarían un movimiento hacia delante;
5) Incidencia de la luz: Resbala en las partes blandas de los personajes y queda atrapada en el cabello (uso del
trépano) y en la túnica creando claroscuros y 6) Color: Originalmente recibió policromía, hoy perdida.
- Elementos no formales: 1) Formas de expresión: Al formar parte de la etapa clásica, se apuesta por el ethos
(estatismo emocional), que no muestra sentimiento alguno; 2) Anatomía: La musculatura ha sido muy pulida y las
formas masculinas se diluyen, llegando a ser afeminadas, blandas o andróginas y 3) Ropajes/Pliegues: Una túnica
cae desde el brazo izquierdo del personajes, dando rugosidad a la obra y cubriendo el soporte de la escultura.
3) COMENTARIO DE LA OBRA (ideas sueltas): Posible obra original que muestra a Hermes (Dios mensajero y del
comercio) y a Dioniso niño (Dios del vino) a través de un juego de formas y volúmenes donde contrasta la curva del
personaje, con el soporte vertical y transversal; la rugosidad de la túnica con el pulido de los cuerpos y la
representación de la infancia (Dioniso), con la juventud (Hermes). Relato mítico y posible lectura política.
- Antecedentes: Kuroi arcaicos y esculturas del período severo y clásico inicial.
- Importancia de la obra: Apuesta por una divinidad más terrenal y cercana.
- Trascendencia: La «curva praxiteliana» avanza en el desarrollo del contrapposto y dota de gracia a la figura.
- Otras obras con las que se pueda relacionar: Obras de la etapa severa y clásica.
- Otras obras del autor: Apolo Sauróctono y Afrodita de Cnido.
21. Lisipo (370-317 a.C.)
Nacido en el Peloponeso, crearía un floreciente taller. Sus obras fueron múltiples y sus discípulos y copias
han generado problemas a la hora de atribuir obras a sus figuras. Crearía el Canon 1/8
Apoxiomeno (“el raspador”) Atleta limpiándose la arena con un estrígil / estrígilo / estrígila
Lisipo Apoxiomenos ESCULTURA ARTE GRIEGO
22. * IDENTIFICACIÓN:
- Tipo: Obra escultórica. - Obra: El Apoxiomeno («El raspador»)
- Autor: Lisipo - Cronología: Mediados del siglo IV a.C.
- Temática: Deportiva - Función: Artística/Votiva
- Estilo: Griego severo. - Localización: Delfos. Museo Arqueológico de Delfos
1) DESCRIPCIÓN: Fotografía. Bulto redondo. Formaría parte de un carro tirado por
caballos
2) ANÁLISIS:
- Materiales y técnica: Original en bronce (cera perdida). Copia romana en mármol, esculpida mediante cincel.
- Elementos formales: 1) Texturas: Texturas lisas y muy pulidas en las partes blandas y rugosa en el soporte;
2) Volumen: El brazo derecho avanza hacia el espectador dotando a la obra de tridimensionalidad y gran volumen;
3) Composición: Abierta gracias al brazo derecho; 4) Movimiento: La obra presenta el movimiento del brazo
izquierdo, que sosteniendo un «estrígil» retira la arena y el aceite del brazo izquierdo; 5) Incidencia de la luz: Resbala
en las partes blandas, queda atrapada en el cabello (uso del trépano) y establece un juego de sombras gracias a la
posición de las extremidades y 6) Color: La copia romana recibió policromía, hoy perdida.
- Elementos no formales: 1) Formas de expresión: Partiendo de la puesta por el ethos clásico (estatismo emocional),
el gesto aquí puede avanzar hacia el cansancio; 2) Anatomía: Existe un avance en el estudio anatómico, y aunque
muestra una anatomía poderosa, lo hace a través de un pulido que redondea las formas y 3) Ropajes/Pliegues:
Inexistente.
3) COMENTARIO DE LA OBRA (ideas sueltas): Lisipo presenta aquí un modelo que avanza las tesis de Policleto al
presentar un canon más alargado («1/8») y un contrapposto más dinámico, en el que las extremidades poseen más
movimiento (brazos) y fuerza (pierna izquierda que recoge el peso del cuerpo). Así mismo, la escultura nos anima a
rodearla gracias al brazo adelantado y deja entrever una sensación de cansancio posterior a la actividad deportiva.
Se presenta ahora no una acción en desarrollo, sino un momento posterior, desprovisto de épica.
- Antecedentes: Kuroi arcaicos y esculturas del período severo y clásico inicial.
- Importancia de la obra: Ruptura total de la frontalidad y apuesta por la tridimensionalidad de la escultura.
- Trascendencia: Avance hacia un canon más estilizado («1/8»).
- Otras obras con las que se pueda relacionar: Obras de la etapa severa y clásica. Especialmente el «Doríforo».
- Otras obras del autor: Ares Ludovisi, Cupido tensando el arco y retratos de Alejandro Magno.
23. Laocoonte (Escuela de Rodas) 2’42 metros
Agesandro, Polidoro y Atenodoro de Rodas. Siglo II-I
a.C.
Agesandro, Polidoro y
Atenodoro de Rodas
El Laocoonte y sus hijos ESCULTURA ARTE GRIEGO
24. * IDENTIFICACIÓN:
- Tipo: Obra escultórica. - Obra: El Laocoonte y sus hijos
- Autor: Agesandro, Polidoro y Atenodoro - Cronología: Siglo I a.C.
- Temática: Religiosa - Función: Religiosa
- Estilo: Helenismo. - Localización: Museos Vaticanos
1) DESCRIPCIÓN: Fotografía. Bulto redondo. Grupo formado por un adulto y dos
adolescentes, unidos por dos serpientes.
2) ANÁLISIS:
- Materiales y técnica: Un único bloque de mármol. Esculpido a través del cincel y empleo del trépano.
- Elementos formales: 1) Texturas: Lisas en las partes blandas y rugosas en los ropajes; 2) Volumen: Volumen
marcado y poderoso en las anatomías y las posturas; 3) Composición: Composición piramidal con la cúspide
desequilibrada en la que las figuras tratan de liberarse de las serpientes que ligan sus cuerpos; 4) Movimiento:
Existen tensión y sufrimiento, las extremidades se agitan y los cuerpos se retuercen; 5) Incidencia de la luz: Resbala
en los desnudos y queda atrapada en el pelo (trépano) y ropajes y 6) Color: Originalmente recibió policromía.
- Elementos no formales: 1) Formas de expresión: Representación del pathos a través de expresiones extremas,
como en este caso el sufrimiento; 2) Anatomía: Gran estudio anatómico en la figura principal, que sin embargo
contrata con las figuras de los niños, que parecen adultos en miniatura y 3) Ropajes/Pliegues: Las túnicas se
muestran como complemento de las esculturas dotando de movimiento y rugosidad al grupo.
3) COMENTARIO DE LA OBRA (ideas sueltas): Posible obra original. La obra presenta la muerte del sacerdote
troyano Laocoonte, que junto a sus hijos es devorado por dos serpientes marinas enviadas por los dioses como
castigo, pues este se opuso airadamente a la entrada en la ciudad de Troya del caballo de madera. El grupo presenta
gran dramatismo y unas figuras muy contorsionadas que aportan gestos estremecedores. Especialmente llamativa
es la figura de Laocoonte, que ve de cerca su muerte y la de sus inocentes vástagos. Sólo el hijo de la derecha
consigue deshacerse de las serpientes.
- Antecedentes: Obras griegas clásicas.
- Importancia de la obra: Resumen el espíritu helenístico marcado por el «pathos» y la complejidad de formas.
- Trascendencia: Junto con el «Torso Belvedere», su descubrimiento durante el Renacimiento marcará
profundamente a artistas como Miguel Ángel.
- Otras obras con las que se pueda relacionar: Otras obras de la Escuela de Rodas y obras Manieristas y Barrocas.
- Otras obras del autor: Cabría relacionar el grupo con otras obras de la Escuela de Rodas.
25. Victoria de Samotracia (190 a.C.) Escuela
de Rodas. 2’45 metros
Anónimo Victoria de Samotracia ESCULTURA ARTE GRIEGO
26. * IDENTIFICACIÓN:
- Tipo: Obra escultórica. - Obra: La Victoria de Samotracia
- Autor: Pithókritos de Rodas - Cronología: Siglo II a.C.
- Temática: Religiosa/Histórica - Función: Votiva/Conmemorativa
- Estilo: Helenismo. - Localización: Museo del Louvre, París
1) DESCRIPCIÓN: Fotografía. Bulto redondo. Representación de la Diosa Victoria/Niké
alada, que se situaría en la proa de un barco que ha sido representado en piedra.
2) ANÁLISIS:
- Materiales y técnica: Un único bloque de mármol. Esculpido a través del cincel.
- Elementos formales: 1) Texturas: Gran atención a las alas, en las que individualiza cada una de ellas y un gran
trabajo de la túnica (chitón e himation) que se retuerce, se pega al cuerpo debido a la humedad y se mueve por
culpa del viento que sopla en la proa; 2) Volumen: Gran volumen gracias a las alas desplegadas, que muestran que la
figura se acaba de posar en la proa de un barco; 3) Composición: Composición en forma de «T» y originalmente de
cruz, debido a la vertical del cuerpo y la transversal de las alas; 4) Movimiento: Las alas están desplegadas y en
posición de recogimiento. Además, el pie izquierdo se adelanta, mostrando un paso firme y el viento pega la ropa al
cuerpo; 5) Incidencia de la luz: Existen grandes contrastes lumínicos debido a la posición de las alas y el movimiento
que transmite la túnica y 6) Color: Originalmente recibió policromía. Tras su restauración se han recuperado restos.
- Elementos no formales: 1) Formas de expresión: El cuerpo y las alas transmiten tensión, pero los brazos y la cabeza
no se han conservado; 2) Anatomía: Gran estudio anatómico que realza la sensualidad de la figura, pues los «paños
mojados» remarcan las curvas del cuerpo y de forma especial el tronco y 3) Ropajes/Pliegues: La túnica muestra la
fuerza con la que sopla el viento y el agua que salta en la proa mojando a la Diosa.
3) COMENTARIO DE LA OBRA (ideas sueltas): Se representa un momento concreto que recrea la llegada de la Diosa
Victoria a la proa de un barco griego, con la intención de guiar a los soldados a la victoria contra el Imperio
Seleúcida. Cabe recordar que Niké representaba además la buena suerte y solía personificarse a través de la Diosa
Atenea, diosa de la estrategia militar.
- Antecedentes: Obras griegas clásicas.
- Importancia de la obra: Enorme estudio anatómico, desarrollo de los «paños mojados» y movimiento.
- Trascendencia: Representación original de la Diosa de la Victoria/Niké con sus alas desplegadas y gran tamaño.
- Otras obras con las que se pueda relacionar: Otras obras de la Escuela de Rodas y obras Manieristas y Barrocas.
- Otras obras del autor: Cabría relacionar el grupo con otras obras de la Escuela de Rodas.
27. Venus de Milo (130-100 a.C.).
Escuela Ática
Anónimo Venus de Milo ESCULTURA ARTE GRIEGO
28. * IDENTIFICACIÓN:
- Tipo: Obra escultórica. - Obra: La Venus de Milo
- Autor: Desconocido - Cronología: Finales del II-inicios del I a.C.
- Temática: Religiosa - Función: Religiosa
- Estilo: Helenismo. - Localización: Museo de Louvre, París.
1) DESCRIPCIÓN: Fotografía. Bulto redondo. Figura femenina de pie. Posiblemente
sujetara algún elemento en una mano, mientras que con la otra se recogería el vestido.
2) ANÁLISIS:
- Materiales y técnica: Mármol esculpido a través del cincel.
- Elementos formales: 1) Texturas: Texturas lisas y muy pulidas en las partes blandas y rugosas en los ropajes que
caen desde la cintura de la escultura; 2) Volumen: Gran volumen gracias a los brazos hoy perdidos; 3) Composición:
La pérdida de los brazos impide hablar claramente de su composición, no obstante, muestra una vuelta hacia el uso
de la curva praxiteliana; 4) Movimiento: La posición curva del cuerpo y la pierna adelantada permiten hablad de
contrapposto; 5) Incidencia de la luz: Resbala en las partes blandas de los personajes y queda atrapada en el cabello
(uso del trépano) y en la túnica creando claroscuros y 6) Color: Originalmente recibió policromía, hoy perdida.
- Elementos no formales: 1) Formas de expresión: Pese a tratarse de una obra Helenística, vuelve su mirada hacia la
etapa clásica y el ethos propuesto por autores clásicos; 2) Anatomía: Gran estudio anatómico que realza la
sensualidad de la figura, el trabajo del pulido hace que se hable de superficie epidérmica y 3) Ropajes/Pliegues: La
túnica se retuerce y voltea sobre la pierna izquierda que avanza hacia el espectador. Existen así sutiles claroscuros.
3) COMENTARIO DE LA OBRA (ideas sueltas): Aunque durante el Helenismovarias escuelas apuestan por el pathos,
otras muestran una vuelta hacia la belleza clásica, así como a los principios de contrapposto y curva praxiteliana,
que dotan de gracia, dinamismo y belleza a sus figuras. La Venus de Milo (Afrodita para los griegos) alcanza su
importancia por la perfección de sus formas, la belleza de su rostro y su cabello recogido, así como la idealización de
su anatomía pulida. Se cree que su mano izquierda recogería un arco, un espejo o una manzana.
- Antecedentes: Obras griegas clásicas.
- Importancia de la obra: Enorme estudio anatómico y esfuerzo por mostrar un ideal de belleza femenino.
- Trascendencia: Servirá de modelo idealizado de representaciones posteriores de la Diosa Venus y desnudos
femeninos del arte romano, renacentista, barroco y neoclásico.
- Otras obras con las que se pueda relacionar: Obras de la etapa clásica y Helenísticas.
- Otras obras del autor: Cabría relacionar el grupo con otras obras de la Escuela de Atenas.
29. Altar de Zeus en Pérgamo (180 a.C.)
Escuela de Pérgamo. Mármol
Anónimo
Friso del altar de Zeus
en Pérgamo (detalle de
Atenea y Gea)
ESCULTURA ARTE GRIEGO
30. * IDENTIFICACIÓN:
- Tipo: Obra escultórica. - Obra: Friso del altar de Zeus en Pérgamo
- Autor: Escuela de Pérgamo - Cronología: Primera mitad del siglo II a.C.
- Temática: Mitológica - Función: Monumental/Religiosa
- Estilo: Helenismo. - Localización: Museo de Pérgamo, Berlín
1) DESCRIPCIÓN: Fotografía. Altorrelieve. Forma parte del friso jónico corrido que
ocuparía el podio del Altar de Zeus en Pérgamo, de casi 7 m. de altura y 120 m. de largo.
2) ANÁLISIS:
- Materiales y técnica: Mármol esculpido mediante cincel y uso de trépano.
- Elementos formales: 1) Texturas: Texturas lisas en las partes blandas y rugosas en los ropajes, las alas y la piel de la
serpiente; 2) Volumen: Se trata de un altorrelieve, que sobresale creando diferentes niveles; 3) Composición:
Compleja debido a la mezcla de figuras y a la torsión de cuerpos y extremidades; 4) Movimiento: Gran tensión y
figuras desestabilizadas. Movimiento extremo y lucha extrema; 5) Incidencia de la luz: Grandes claroscuros debido al
altorrelieve y a la complejidad de la composición y 6) Color: Originalmente recibió policromía.
- Elementos no formales: 1) Formas de expresión: Los cuerpos, ropajes, alas y especialmente rostros muestran un
marcado patetismo, que remarca el sufrimiento, la pena y el esfuerzo, 2) Anatomía: Enorme estudio anatómico, que
muestra los músculos tensionados y sobredimensionados y 3) Ropajes/Pliegues: Los ropajes reflejan el movimiento
de los cuerpos y dejan entrever la anatomía gracias a los ceñidos y el desarrollo de la técnica de «paños mojados».
3) COMENTARIO DE LA OBRA (ideas sueltas): El friso jónico del Altar de Zeus narra el episodio de la Gigantomaquia
(lucha entre los Dioses Olímpicos y los Gigantes, creados tras la destrucción de los Titanes). El friso recorrería todo
el edificio (este tenía forma de U y una gran escalinata frontal, que daría paso a un patio rectangular que recogía el
altar). Se nos presenta un detalle en la que la Diosa Niké ayuda a Atenea, que coge del pelo al gigante Alcioneo, que
mordido por una serpiente es separado de su madre Gea (Diosa Tierra). La imagen está llena de dramatismo y no
deja casi ningún espacio exento de decoración, en un avance imparable hacia el «horror vacui».
- Antecedentes: Metopas y frisos de la etapa clásica.
- Importancia de la obra: Posee un marcado carácter didáctico que permite seguir el tema representado.
- Trascendencia: El desarrollo de un relieve didáctico calará en obras conmemorativas romanas (arcos del triunfo y
columnas), así como su patetismo servirá de inspiración a obras barrocas..
- Otras obras con las que se pueda relacionar: Otras obras de la Escuela de Pérgamo y Rodas.
- Otras obras del autor: Otras obras de la Escuela de Pérgamo y Rodas.