Tema 7 de la programación de Historia del Arte en Castilla y León, para los alumnos de 2º de Bachillerato.

1. El arte gótico: características
generales de la escultura y la
pintura. Las portadas (León y
Burgos). La pintura: Giotto y los
primitivos flamencos (Van Eyck
y Van der Weyden).

2.  El gótico se desarrolla
entre mediados del siglo
XII y principios del siglo
XVI, salvo en Italia, donde
el Renacimiento se inicia a
principios del siglo XV.
 Al igual que la
arquitectura, la escultura
refleja
de
modo
significativo los cambios
religiosos,
sociales
e
ideológicos de la época.

3. Características de la escultura:
Se independiza, progresivamente, de la arquitectura,
alcanzando mayor volumen, haciéndose casi exenta.

4. Características de la escultura:
Destaca por su naturalismo:

5. Características de la escultura:
El canon es más estilizado y los rostros intentan
reflejar los sentimientos e incluso la belleza.

6. Características de la escultura:
Los personajes divinos se humanizan y a la vez las
actitudes resultan más desenvueltas y correctas.

7. Características de la escultura:
Triunfa el movimiento.

8.  La escultura de
piedra en el gótico se
centra sobre todo en
las portadas y, en
menor medida, en el
interior de las
iglesias.
 La portada gótica
es un resumen de los
grandes motivos y
preocupaciones
espirituales y
culturales del
hombre de la época.

9.  Se disponen en los
tímpanos en registros o
bandas horizontales; en
las
arquivoltas,
alineadas siguiendo la
dirección del arco; y
adosadas
a
las
columnas
de
las
jambas.
 Las escenas tienen
carácter narrativo con
interés
por
lo
anecdótico.

10. Esculturas alineadas en las arquivoltas
siguiendo la dirección del arco
Tímpano en bandas horizontales
Carácter narrativo de las escenas, con
interés por lo anecdótico
Esculturas adosadas a las jambas
Portada de la Catedral de Rouan.

11. En ellas se despliegan los grandes repertorios
iconográficos de temática más amplia que la románica.
Disminuye el tema del Juicio Final y las
representaciones de Cristo Juez (Pantocrátor y
Tetramorfos), sustituido por el Cristo Maestro, más
amable.

12. Los temas se inspiran en el Antiguo y Nuevo Testamento,
especialmente en los Evangelios, en la Vida de la Virgen; vidas y
leyendas de Santos; tema de la muerte, e incluso aparece el paisaje
para mejor ambientación de las narraciones. Bestiarios, etc.
Además de las portadas surgen nuevos campos de actividad:
retablos, sepulcros y sillerías de coros.

13. En la escultura exenta continúan representándose los temas
de la Virgen con el Niño y los Cristos. La Virgen tiene una
actitud más natural, establece una comunicación con el Niño y
muestra el sentimiento del amor materno: sonrisa, gracia,
amabilidad.

14. Los Cristos pierden rigidez y tienen un tratamiento más
minucioso de la anatomía muestran el dolor y el sufrimiento
humano. Son de 3 clavos, por lo que las piernas están
superpuestas.
La escultura presenta una evolución: durante el siglo XIII
predomina un estilo majestuoso y sereno de belleza clásica;
en el XIV una belleza más real, hasta un realismo de
influencia borgoñona y flamenca en el XV.

15. Amiens. S.XIII

16. Amiens. S.XIII

17. Reims. S.XIII
Reims. S.XII

18. Reims. S.XIII

19. Reims. S.XIII

20. Claus Sluter.
Pozo de Moisés

21. Burgos. Puerta de El Sarmental

22. Burgos. Puerta de
El Sarmental

29. Burgos. Puerta de El Sarmental

33. Burgos. Puerta de la Coronería

34. Burgos. Puerta de la Coronería

36. Burgos. Puerta de la Coronería

37. Burgos. Coronería

38. Catedral de León

39. Catedral de León

40. Catedral de León

41. Catedral de León

42. Catedral de León

43. Catedral de León

44. Gil de Siloe.
Cartuja de
Miraflores

45. Sepulcro de Juan II. Cartuja de Miraflores

48. Cartuja de Miraflores
Príncipe d. Alfonso

49. Cartuja de Miraflores
Príncipe d. Alfonso

50. Sigüenza. Sepulcro de El Doncel

51. La pintura: Giotto y los primitivos flamencos
Durante el Gótico, el predominio del vano sobre el muro, hizo
que la pintura mural disminuyera notablemente, excepto en
Italia.
Esto impulsó el desarrollo de la pintura sobre tabla de los
retablos y de la miniatura con la que se ilustraron importantes
manuscritos.

52. Características generales.
Las técnicas empleadas son variadas: temple, en pintura
sobre tabla, hasta el siglo XV en el que se difunde el óleo.
En sus comienzos el dibujo tiene un papel muy señalado.
La luz sirve para configurar el volumen de los cuerpos.
La perspectiva no interesa hasta el siglo XV. En este siglo se
comienza a percibir la existencia de la atmósfera y la luz,
proyectándose la sombra de los cuerpos.
La composición tiene muy en cuenta el eje de simetría.
El cielo tiene escaso desarrollo a consecuencia del empleo
de una perspectiva de punto de vista muy alto, que permite
situar infinidad de figuras en el cuadro.
Los temas son religiosos y también profanos.
Tiene un carácter narrativo y una finalidad didáctica.

53. EVOLUCIÓN
En el desarrollo de la pintura gótica podemos distinguir
cuatro estilos:
Estilo franco-gótico o gótico-lineal.
gótico-lineal
Estilo ítalo-gótico. En Italia durante el siglo XIV se desarrollan
dos grandes escuelas: La de Florencia , con Giotto y la de
Siena, con Duccio y Simone Martini
Estilo internacional.
Estilo flamenco.
flamenco

54. ESTILO ÍTALO-GÓTICO
En Italia durante el siglo XIV se desarrollan dos grandes
escuelas: la de Florencia , con Giotto y la de Siena, con
Duccio y Simone Martini.

55. En la escuela florentina el autor más destacado es Giotto di
Bondone. Se le considera precursor de la pintura renacentista.
Introduce el sentido plástico en la pintura: las figuras
adquieren monumentalidad, y se organizan en función de su
masa. Todas las formas componen bloques macizos y coloca
figuras de espalda para despertar la noción de volumen.
Valora el paisaje y el espacio: utiliza arquitecturas con
efectos escenográficos.
Estudia la luz como elemento nuevo que da unidad al
cuadro.

56.  Estudia los estados anímicos buscando la
expresividad y el dramatismo. Las miradas son
penetrantes y para conseguirlo hace los ojos muy
rasgados.
 Trabaja en Padua y Asís.
 Obras: frescos de la Capilla Scrovegni en Padua:
Resurrección de Lázaro, en la que persigue un efecto
espacial con un cuidadoso tratado de la luz. Llanto
sobre el Cristo muerto, introduce una dimensión
humana llena de expresividad y vida: dramatismo.
Huida a Egipto. Sustituye el oro de los fondos con un
paisaje que aunque es convencional supone un
punto de referencia a un espacio concreto. Madonna
del Museo de los Uffizi.

57. Resurrección de Lázaro

58. Aparición a María Magdalena ( Noli me tangere)

59. Encuentro en la Puerta Dorada.

60. Llanto sobre Cristo muerto

61. La huída a Egipto

62. Madonna. (Museo Uffizi)

63.  Durante el siglo XV, mientras que en Italia se desarrolla el
Renacimiento, en los Países del Norte trabajan un grupo de
artistas conocidos como “primitivos flamencos” cuyas
aportaciones resultan decisivas para la historia de la pintura.
El desarrollo del nuevo estilo se vio favorecido por la
aparición y el ascenso de la nueva clase social, la burguesía,
enriquecida por el comercio y la industria textil.
Tiene sus orígenes en el gótico internacional y en el arte de
la miniatura.

64. Características de la pintura flamenca
 La principal aportación técnica de esta escuela consiste en el
empleo del óleo sobre tabla aplicado por medio de veladuras,
que consigue más brillo y mayor riqueza cromática y permite
gran precisión y minuciosidad en los detalles de los objetos
representados.

65. Características de la pintura flamenca
 Naturalismo y realismo, es una pintura de calidades. Sin
embargo, los pliegues son acartonados y en ángulo, muy
característicos.
 Las obras son de pequeño formato, para ser contempladas de
cerca. Los temas religiosos incluyen, con frecuencia, el retrato
de los donantes con gran realismo.

66.  Los fondos de oro se sustituyen por el
paisaje, que proporciona un ambiente
realista
a
las
composiciones
empleando una línea de horizonte
alta. A veces, el paisaje aparece a
través de una ventana ampliando la
perspectiva del cuadro.
 Valoración de la luz, que se refleja en
sus cuadros, incluso cuando es una
pintura de interior.
 Los principales pintores son: Jan Van
Eyck, Robert Campin, Roger van der
Weyden, Hans Memling y El Bosco.

67. Jan Van Eyck
Se le considera, el creador de la escuela flamenca. Realizó junto
con su hermano, el Políptico de San Bavón de Gante.
Muy famosas son La virgen del Canciller Rollin, La Virgen del
Canónigo Van der Paele, el retrato del Matrimonio Arnolfini y el
Hombre del turbante rojo.

68. Políptico de San Bavón de Gante.

69. 
Es la obra conocida como El Políptico del Cordero Místico, pintado por los hermanos
Hubert y Jan van Eyck entre los años 1426 y 1432. A pesar de esta autoría dual, la unidad
de estilo es tal que se podría atribuir a un solo artista.
 Es una pintura al óleo que permite a los autores trasladar a sus tablas el color y la luz de
la propia naturaleza, la calidad de los objetos y su propia materialidad.
 La autoría de la obra se refleja en una inscripción en el marco externo del tríptico cerrado
en la que podemos leer: “El pintor Hubert van Eyck, mayor que el cual no hubo otro,
comenzó esta obra; Jan, segundo en el arte, la llevó a cabo por ruego de Joos Vyd. 16 de
mayo de 1432.” Jan murió en Brujas en 1441. El tríptico tiene unas dimensiones de 3,50 m.
de alto por 4,61 de ancho, que confieren al conjunto abierto un predominio de la
horizontalidad.
El tema del retablo es el de la Redención de la humanidad: el pecado del hombre hace
necesaria la Encarnación y el Sacrificio. Aquellas personas capaces de redimirse de sus
pecados, por la sangre del Cordero, gozarán de la vida Eterna y podrán disfrutar del nuevo
Paraíso. Se trata de una revelación, apocalipsis, que Dios hace de algo oculto y que sólo Él
conoce.

70.  Este retablo es encargo
de un laico para la
catedral de Gante, que a
modo de armario podía
transportarse. El artista ha
recreado un mundo nunca
antes pintado. Es un
mundo que puede ser real,
pero es fruto de un arte
imaginativo.
Existen
varios
centros
de
atención, riquísimas telas,
joyas, rostros penetrantes
y una naturaleza que invita
a
la
contemplación.
Podemos identificar una
gran variedad de plantas y
árboles, pertenecientes a
diversos
dominios
climáticos, que el artista
reúne en estas “Praderas
del Cielo”.

71.  La composición está detenidamente pensada. Todos los rostros se vuelven, de
manera espontánea, sin ninguna tensión, hacia el centro. Un eje vertical recorre toda
la tabla, constituido por la fuente, el altar del Cordero y el espíritu Santo. A ambos
lados de este eje se reparten las figuras de forma simétrica. Cada grupo de la
izquierda se corresponde con otro a la derecha. Existe un equilibrio de masas y
vacíos en el paisaje del fondo del cuadro. En la tabla central las líneas confluyen en el
altar del Cordero. Otro eje del cuadro es la línea horizontal que pasa por el altar y el
Cordero, estableciendo la diferenciación entre lo cercano y lo lejano. En el primer
plano las figuras ocupan un mayor espacio, mientras en el segundo la escala es más
reducida.

72.  Es una obra que se incluye dentro del estilo de los primitivos flamencos, corriente
que se desarrolla en los Países entre los siglos XV y XVI. Estos pintores a los que
conocemos como primitivos flamencos son los notarios de estas ciudades, de su
esplendor, de sus valores económicos, siendo sus principales clientes la nobleza y
burguesía local.
 Los caracteres de esta escuela que vemos en este Político son: empleo de la técnica
del óleo, minuciosidad, naturalismo, amor al paisaje, soporte de tabla y delectación en
la reproducción de objetos.

73. El Político es una obra realizada a
partir de un encargo del burgués Joos
Vijd, que junto con su esposa Elisabeth
Borluut son los donantes de la obra.
Éstos son representados en las puertas
exteriores del retablo insertándose en
la iconografía de la tabla.
Un programa iconográfico único que
tiene como punto de partida el tema del
pecado, la anunciación de la salvación
para la humanidad y la Redención. Es
éste el tema fundamental del retablo.
El tema iconográfico que vemos en la
tabla central, que se complementa con
las cuatro laterales, es el de la
Adoración del Cordero Místico que San
Juan
relata
en
el
Apocalipsis.
Representa
la
teoría
de
los
bienaventurados que se dirigen a
adorar al Cordero y que la Iglesia
celebra desde el siglo VI en la Fiesta de
Todos los Santos.

74. La Adoración del Cordero Místico

75. La Adoración del Cordero Místico

77. La Virgen del Canciller Rolin de Jan van Eyck
Obra realizada en la década
de los años 30 del siglo XV.
Tiene unas dimensiones de
66 x 62 cm., por lo tanto de
pequeño formato, y se
custodia actualmente en el
Museo del Louvre de París.

Cuadro de caballete,
figurativo, en concreto una
escena religiosa y un retrato.
Representa el interior de una
habitación con vistas hacia
un paisaje a través de una
arcada triple de arcos de
medio punto. A la izquierda
se representa al canciller que
da nombre al cuadro de
manera muy realista.


78. La Virgen del Canciller Rolin de Jan van Eyck
Y a la derecha figura una
Virgen con el Niño sentado en
sus rodillas. Un ángel que se
encuentra en la parte superior
derecha corona a la Virgen.
Todo es muy naturalista y
realista,
y
se
cuida
perfectamente hasta el más
mínimo detalle, desde las
calidades textiles hasta los
objetos, como el libro miniado
o el reclinatorio.
Pintura al óleo. Gracias a esta
técnica se consigue más
minuciosidad y muchos más
detalles en la representación
de las figuras y de los objetos.

79.  Composición en dos planos. Un primer plano, en el que están las figuras centrales del
cuadro, el canciller y la Virgen con el Niño, y un segundo plano, en el que aparece el
paisaje. Todo está equilibrado y ordenado en la composición. La perspectiva se
consigue por la habilidosa ubicación de las figuras en el espacio y se remarca gracias a la
disposición de la arcada lateral izquierda, por los azulejos del suelo y por el paisaje del
fondo.
 Los colores son muy variados y vivos, sin dudas gracias a la invención del óleo.
Predominan los tonos cálidos, principalmente en el manto de la Virgen y en algunos
azulejos.

80.  La luz es natural y homogénea. Entra por el ventanal del fondo. Hay juegos de luces y
sombras, sobre todo en el vestuario de los personajes.
 Encargo del propio canciller para mostrar su devoción hacia la Virgen y su religiosidad
en general, por lo que la principal función es religiosa y propagandística.
 A lo largo del siglo XV Flandes se mostró como una de las regiones más ricas y
fructíferas a nivel económico, gracias a la venta de tejidos, y desde el punto de vista
artístico, por el florecimiento de la pintura de los primitivos flamencos. Gracias a la
existencia de una burguesía adinerada, principalmente comerciantes, muchas
personalidades destacadas del momento hicieron encargos de este tipo, para formar
parte de la eternidad, para mostrar devociones o intereses personales, y para
demostrar su capacidad económica.

81. Como todos los cuadros de Van Eyck
está impregnado de un gran realismo,
que nos permite conocer el mundo
urbano y de comerciantes en que vivió.
En el cuadro destacan tres colores: el
verde intenso del vestido de la novia, el
marrón de la túnica que luce el
mercader y el rojo de los ropajes del
mobiliario.
La luz proviene de una ventana
situada a la izquierda del espectador.
El foco de luz ilumina de lleno el
rostro de la novia, creando una zona de
sombra en torno a su prometido.
Van Eyck fue uno de los
introductores del aceite (oleo) en
sustitución del huevo (temple), que
secaba más lentamente, lo que le
permitía al pintor introducir numerosos
detalles. Se pueden introducir capas de
colores hasta conseguir el efecto
deseado.
El matrimonio Arnolfini,
1434. Jan Van Eyck

82. La construcción del espacio se realiza a
partir de la confluencia, en la pared del fondo,
de los planos laterales (la pared y el dosel) y el
plano inferior (el suelo).
En el fondo confluyen las líneas de fuga,
representadas por las vigas del techo y los
tablones de madera del suelo, creando un
aspecto tridimensional.
Este efecto se refuerza con el espejo
convexo de la pared del fondo, recurso
utilizada más tarde por Velázquez en Las
Meninas.
En el espejo vemos reflejados dos
personajes, que contemplan la escena; uno de
ellos, según la inscripción que leemos encima
del espejo es el propio autor (Johannes de
Eyck fuit hic, 1434)
Con el recurso del espejo se consigue un
nuevo plano, que es lo que los esposos tienen
ante si.

83. Del techo cuelga una lámpara que
centra la composición.
El esposo coge con su mano
izquierda, la mano de su prometida
(¿matrimonio de mano izquierda?), a
la vez que con su mano derecha hace
un gesto de aceptación.
La prometida baja la cabeza en
señal de modestia. Detrás de ve una
cama con dosel, señal de que se
encuentran en la cámara nupcial.
El cuadro representa los
esponsales de entre Giovanni
Arnolfini, rico mercader italiano
instalado en Flandes (se casa en
segundas nupcias) y su prometida
Giovanna Cenami.
Este cuadro aparece lleno de
simbolismo.
El matrimonio Arnolfini,
1434. Jan Van Eyck

84. La única vela encendida, en pleno
día, simboliza a Jesucristo, cuya
presencia santifica los esponsales.
La lámpara, junto con la estatuilla
de Santa Margarita , que aparece en
el pomo de la cama, simboliza la
unidad del matrimonio.
Los zuecos de madera indican que
los esposos están descalzos, o que
simboliza lo sagrado del acto.

85. El espejo, en cuyo marco aparecen
unos tondos que representan diversas
escenas de las Pasión de Cristo, además
de ser el eje central de la composición,
representa la posición social de los
retratados, pues estos objetos eran
considerados preciosos y no estaban al
alcance de todas las familias. Es un
espejo curvo que se denominaba bruja
gracias al aumento del ángulo de visión
que proporcionaba, generando así otra
perspectiva (es por eso que en él se
puede ver otra puerta al fondo con dos
personajes más, algo en lo que se
inspirará posteriormente Velázquez en su
famoso cuadro Las Meninas, sólo que
empleando un espejo plano y de mayor
tamaño) y a su lado colgado en la pared
un rosario como símbolo de la pureza en
la mujer.

86. El perrito, representa la fidelidad
conyugal.
La borla que cuelga de la cabecera
de la cama y el vientre abultado de
la mujer aluden a la fertilidad.

87. Las frutas sobre el alféizar de la ventana
y el arca, pueden simbolizar la inocencia
original. Pero también nos muestran la
riqueza de los protagonistas.
Dentro de los simbolismos no
aclarados estará el grifo que
aparece burlón por encima de las
manos de los esposos.
El matrimonio
Arnolfini

89. La Virgen del Canónigo Van der Paele

90. La Virgen del Canónigo Van der Paele.

91. El hombre del turbante rojo

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93. Van der Weyden
Es el creador de composiciones muy cuidadas, de gran tensión
dramática. Se preocupa por plasmar los sentimientos y las
expresiones de las figuras y sus ropajes.
Su obra más destacada es el Descendimiento del Museo del Prado.

94. R. Van der Weyden
Roger van der Weyden (1400-1464) se caracteriza por el intenso dramatismo y la
expresividad de sus personajes. Sus composiciones sueltas y equilibradas superan la
rigurosa simetría de Jan van Eyck, del que también se diferencia en que sus obras son
más fáciles de comprender, pues carecen del simbolismo intelectual de aquel.

95. R. Van der Weyden
El Descendimiento es la tabla central de un tríptico del que no se conservan las puertas
laterales. Lo pintó antes de 1435 -año en que se estableció en Bruselas- para la capilla
que la Cofradía de los Ballesteros tenía en una iglesia de la ciudad de Lovaina. Simula ser
un grupo escultórico en un marco espacial de fondo dorado, lo que justifica la ausencia
de paisaje y concentra la atención en el asunto y las expresiones de los personajes.

96. R. Van der Weyden
Además del detallismo y el tratamiento de las calidades textiles y las carnaciones,
destaca esta obra por su magnífica composición, en la que un abigarrado grupo de
personajes se desenvuelven con naturalidad en un reducido espacio. Es interesante el
juego de líneas compositivas: las figuras de los extremos engloban, como en un
paréntesis, todo el conjunto, en cuyo centro destacan las figuras de Cristo y la Virgen,
que coinciden en su postura curvilínea y resumen todo el dolor de la escena.

97. Roger Van der Weyden
Descendimiento.

103. Robert Campin
Santa Bárbara

104. Robert Campin
San Juan Bautista

105. El Bosco
Su obra refleja de forma crítica y satírica los
vicios y pecados de la sociedad de la época, por
medio de visiones oníricas repletas de seres
monstruosos con una intención moralizante.
Destaca su dibujo preciso y su gran fantasía que
le convierte en un antecedente del surrealismo
Entre sus obras destacan El jardín de las delicias,
El carro de Heno, La mesa de los pecados
capitales y La extracción de la piedra de la locura

106. El Jardín de las delicias
El Jardín de las Delicias

107. El Jardín de las delicias

110. El Jardín de las delicias

111. El Jardín de las delicias cerrado

112. El Carro del Heno

113. El Carro del Heno

114. Mesa de Los siete pecados capitales.

115. La extracción de la piedra
de la locura

116. EL Patinir.
Patinir derrama en sus cielos una luz blanquísima, de gran
intensidad, que brilla sobre una línea de horizonte muy alta y sus
prados están interrumpidos por rocas y lagunas, elementos que
podemos percibir en La Laguna Estigia (Museo del Prado)
El paso de la Laguna Estigia.

117. Brueghel.
En Brueguel aparece una concepción dinámica del paisaje, con
ondulaciones y una vitalidad bullente, que prefigura los
paisajes de Rubens.

118. Los patinadores de Brueghel.

119. Paisaje invernal con trampa para pájaros

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