1. SEGUNDA PARTE MATERIA CONTROL DOS
"El propósito de la arquitectura es deleitarnos". Se atribuye esta frase a Le Corbusier (1887-
1965), el arquitecto más emblemático del racionalismo en Europa, quien sin embargo fue capaz de
alejarse de algunos de sus postulados más conocidos para levantar una pequeña iglesia que es todo
un ejercicio de imaginación, una absoluta concesión a la libertad de las formas arquitectónicas y la
muestra evidente de cómo un artista con una edad en la que ya podría estar jubilado disponía por
completo de la lucidez creadora que le permitió concebir un edificio tan singular.
2. La iglesia deNotre Dame du Haut (Nuestra Señora del Alto) en la localidad de Ronchamp, al
noreste de Francia, enclavada en la cima de una colina desde la que se dispone de amplias vistas
hacia los cuatro puntos cardinales. Una situación geográfica envidiable que ya había atraído la
atención de las gentes del pasado. Ubicado en uno de los caminos que unen el sur de Alemania con
Francia, en medio de una ruta frecuentada por peregrinos, ese lugar había servido desde la Edad
Media como asentamiento de un pequeño santuario consagrado a la Virgen. Pero lo que la incuria de
los siglos no había logrado destruir, acabaron por conseguirlo los bombardeos que sufrió la zona en
los últimos momentos de la Segunda Guerra Mundial, de forma que en 1945 lo que fue templo
cristiano estaba convertido en verdadero campo de ruinas.
Y hasta ese campo de ruinas se fue un arquitecto de renombre mundial, solicitado por la comisión
que trataba de reconstruir el edificio. Un autor que, en la cima de su carrera, no había prestado
jamás atención a las construcciones de carácter religioso. Sin embargo, como el mismo reconoció,
"cuando me vi delante de estos cuatro horizontes, no pude dudar". Quizás no fuese únicamente
la atractiva ubicación del lugar. Me gusta más pensar que en la decisión de Le Corbusier influyó
también el interés de levantar algo novedoso sobre un espacio de tanta tradición y que incluso debió
conmoverse por la propia acción de los bombardeos. Construyendo allí una nueva iglesia tendría la
oportunidad de levantar una pequeña acrópolis justo en el siitio en el que los hombres habían dejado
sus señales de muerte.
El resultado, finalizado en 1955, es una construcción
enormemente peculiar, con la prestancia de un edificio singular y algunas referencias, en cuanto al
juego de las formas, al proceder de un escultor abstracto que trabajase con volúmenes gigantescos.
Una iglesia con una única nave, a la que se anexan tres pequeñas capillas sobre las cuales se
disponen elementos que podríamos comparar con torres. Tiene el conjunto una planta
absolutamente irregular en la que prácticamente se prescinde de la línea recta en el trazado de los
muros exteriores. La altura de esos muros es también irregular, oscilando entre los 10 y los cinco
metros, lo que genera una cubierta en pendiente que además se abre al exterior en voladizo por dos
de sus lados. El material predominante es el hormigón en basto, aunque Le Corbusier reaprovechó
en algunos casos materiales de las construcciones preexistentes.
3. El interior presenta un asombroso juego de
luz natural, procedente tanto de las torres que se alzan sobre las capillas como de una irregular
disposición de ventanales de distinto tamaño y concepción en tres de los cuatro lados del templo. La
misma cubierta se separa en dos de los lados de los muros que debieran sostenerla, dejando pasar
una fina franja continua de luz, para que ésta juegue con los volúmenes y los matice según el
momento del día. Se cuenta que para esa cubierta tan original Le Corbusier se inspiró en el
caparazón de un cangrejo que recogió en una playa.
Algunos críticos han considerado que con esta iglesia Le
Corbusier ponía fin al racionalismo que había caracterizado su obra en toda su producción anterior,
aunque es cierto que el arquitecto nunca renunció a aquellas ideas que le hicieron pensar que los
edificios eran máquinas para vivir. Pero es bien cierto que esta construcción, concebida como una
obra de arte total, supone un hito diferenciado en su producción: la primacía de la línea curva frente
a la recta, las aparentes contradicciones formales, las diferencias en altura. Sin embargo hay quien
cree que el arquitecto, fiel a sus principios, no sólo empleó su conocido canon de proporciones
omodulor, sino que tomó como referencia para la obra el volumen de un cubo que luego alteró de
manera significativa. No importa quizás esta discusión teórica, porque a nadie se le escapa la
enorme belleza de Notre Dame du Haut, que atrapa al espectador por un sencillo argumento: está
4. realizada desde la emoción, más que desde
la razón. La emoción de un arquitecto ateo que supo entender sentimientos de carácter religioso y
materializarlos. Así que debió sentirse plenamente satisfecho de su trabajo. Tal vez por eso, en una
de las torres, adivinamos una breve sonrisa.
Op Art (un término acuñado en 1964 por la revista Time) es una forma de arte abstracto
(específicamente arte no objetivo) que se basa en ilusiones ópticas con el fin de engañar al ojo
del espectador. También se conoce como arte óptico o el arte de la retina. Una forma de arte
cinético, que se relaciona con diseños geométricos que crean sensaciones de movimiento o
vibración. obras de arte op fueron producidas por primera vez en el color vibrante blanco y
negro, más tarde en. Históricamente, el estilo Op-Art se puede decir que se originó en el trabajo
del artista cinético Victor Vasarely (1908-1997), y también del expresionismo abstracto.
Victor Vasarely (
5.
6. Otro importante artista Op es el pintor británico Bridget Riley (1931-). El interés moderno en el
movimiento de arte de la retina se deriva a partir de 1965 cuando una gran exposición Op Art en
Nueva York, titulado "The Responsive Eye", llamó la atención del público. Como consecuencia, el
estilo comenzó a aparecer en los gráficos de impresión, la publicidad y la portada del álbum, así
como el diseño de moda y decoración de interiores. A finales de la década de 1960 el
movimiento Op-Art se había desvanecido.
7.
8. Op art, explota la relación funcional entre la retina del ojo (el órgano que "ve" patrones) y el cerebro (el órgano que
interpreta los patrones). Ciertos patrones causan confusión entre estos dos órganos, lo que resulta en la percepción de
efectos ópticos irracionales. Estos efectos se dividen en dos categorías básicas: en primer lugar, el movimiento causadas
por ciertos patrones geométricos en blanco y negro específicos, como los de los primeros trabajos de Bridget Riley, o
superficies de aluminio de Getulio ALVIANI, que puede confundir el ojo hasta el punto de inducir mareos física. (Nota: la
asociación de Op arte con los efectos del movimiento es por ello que se considera como una división del arte cinético.)
En segundo lugar, la persistencia de imágenes que aparecen después de ver las imágenes con determinados colores o
combinaciones de colores. La interacción de diferentes colores en la pintura - contraste simultáneo, contraste sucesiva,
y revertir el contrario - puede causar efectos adicionales de la retina. Por ejemplo, en las pinturas "templo" de Richard
ANUSZKIEWICZ, la disposición de dos colores contrastantes altamente hace que aparece como si la forma arquitectónica
está invadiendo el espacio del espectador.
A pesar de sus extraños efectos, a menudo nauseabunda, Op-Art está perfectamente en línea con los cánones
tradicionales de las bellas artes. Toda la pintura tradicional se basa en la "ilusión" de profundidad y perspectiva: Op-Art
simplemente amplía su naturaleza inherentemente ilusorio al interferir con las normas que rigen la percepción óptica.
Los orígenes del arte de Op se remontan a las teorías de la pintura antes de la guerra, incluyendo las ideas
constructivistas de la década de 1920 la escuela de diseño Bauhaus en Alemania, que se destaca la importancia del
diseño formal en general, en la creación de un efecto visual específico. Cuando la Bauhaus cerró en 1933, muchos de sus
profesores (en particular, Josef Albers) se trasladaron a América y enseñó en Chicago y en el Colegio de la montaña
Negro en Carolina del Norte. Josef Albers produjo debidamente su famoso "Homenaje al cuadrado" serie de pinturas
que tenían tendencias Op-Art. Mientras tanto, desde la década de 1930, el pintor nacido en Hungría y artista gráfico
Victor Vasarely estaba experimentando con varios trucos visuales como trampantojo y otros, a partir de ciertos tipos de
arte: ver su foto Op-Art cebras (1938) . Más tarde, se dedicó a la pintura, la creación de las imágenes geométricas
abstractas de las que es famosa. Durante la década de 1950, el estilo Op-Art también apareció en paneles deslumbra en
blanco y negro de John McHale en la exposición "This is Tomorrow" en 1956. Bridget Riley comenzó a desarrollar su
estilo distintivo del arte óptico blanco y negro alrededor de 1960.
El interés moderno en el arte de Op data de "The Responsive Eye" exposición, comisariada por William C. Seitz, que se
celebró en 1965 en el Museo de Nueva York de Arte Moderno (MOMA). Una amplia gama de obras fueron exhibidas
incluidas las de la conocida Victor Vasarely y lo contemporáneo Bridget Riley. Inmensamente popular, el espectáculo
pone de relieve la ilusión de movimiento y la interacción de las relaciones de color, ninguno de los cuales se encuentran
gran favor de la crítica.
Art Decó 1925
El período llamado Art Decó se manifestó entre las dos guerras mundiales, entre 1920 y 1939. Teniendo
periodos diferentes correspondientes a dos líneas estéticas de estilos; una es el ZigZag y la otra llamada Stream
Line.
Este movimiento surge en la exposición Internacional de las Artes Decorativas, Realizada en París en 1925.
Conocido en general como un movimiento artístico decorativo o diseño ilustrativo.
Se utilizo principalmente en mobiliario, joyería, vestimenta, cerámica y diseño de interiores. Sus formas
estilizadas transmitían elegancia y sofisticación.
El Art Decó se inspira en las corrientes artísticas de principio del siglo XX, por ejemplo: el constructivismo,
cubismo, futurismo, el racionalismo de la Bauhaus y del propio Art Nouveau del que evoluciona.
9. En los años 20 se vivió una modernización en la sociedad; la igualdad de sexos, la emancipación de la
mujer, sombreros encasquetados, hombreras en vestidos cortos, etc; alcanzando así una expresión de
mujer dinámica que al igual que el hombre despeña un nuevo papel en esta renovada sociedad.
El cambio también se avoco al estilo de esa época siendo característico en el Art Decó el uso de líneas
rectas, con diferentes combinaciones, el chapado, las curvas aparecen con frecuencia, se utilizan las
líneas en sentido geométrico; el hexágono y el octágono son las figuras geométricas mas utilizadas.
Aparecen nuevos materiales en la decoración del mobiliario y sorprendentes combinaciones; por
ejemplo: el cromo, la baquelita, resinas sintéticas y moldeables, plásticos utilizados de múltiples
maneras, en el chapeado de muebles se utilizan exóticas maderas, además de conchas de tortuga, pieles
de serpientes, de tiburón o del pez espada. Productos enfocados para el consumo de la alta sociedad, sin
embargo, la población de clase media desea consumir estos objetos de diseño exclusivo, los talleres y la
industrias empiezan a producir en masa, productos copiados e inspirados en los originales que solo se
vendían en grandes almacenes y boutiques, estos tiempos de consumo provoca que el comercio sea
decorado atractivamente para atraer la atención del consumidor, la publicidad es una nueva ciencia
donde el cartel toma gran importancia.
El Art Decó era casi puramente decorativo, por lo que se lo considera un estilo burgués, que a pesar del
eclecticismo de sus influencias formales y estilísticas, el Decó es sólido y posee una clara identidad propia. No se
trata de un historicismo ni de un anacronismo; es fiel a su época y deja entrever la noción futurista de la
Revolución Industrial.
Exponentes mas recoonocidos:
16. Mayormente desarrollado en Europa en la primera etapa entre 1920 a 1930. Se basó más en las referencias de las
culturas pasadas que se pusieron de moda por descubrimientos arqueológicos. Egipto, Mesopotamia,
Mesoamérica, la cultura Inca.
Resalta en su decoración los triángulos encadenados, superpuestos, líneas y composiciones geométricas en
movimiento.
1. El Stream Line
Tuvo su origen en Estado Unidos, en la década de 1930 a 1940. El factor desencadenante fue la depresión
económica de 1929. Todo empezó con los nuevos aviones de línea aerodinámica, las locomotoras y los
automóviles.
El Lockheed Orion de 1930 se diferenciaba con claridad de los pesados aviones de chapa ondulada, donde
tuvo su apogeo en 1937, representa la recuperación económica después del “crack” bursátil del 29.
Los principales motivos decorativos son las líneas curvas aerodinámicas, horizontales y abstractas.
Lawrence Murray Dixon
17.
18. El Pop Art
El Pop es una manifestación occidental que ha ido creciendo bajo la sombra de las condiciones capitalistas
y tecnológicas de la sociedad industrial. Norteamérica es el centro del programa, con lo cual se produce la
americanización de la cultura de todo el mundo Occidental, en especial la de Europa.
Muchas veces escuchamos este término y lo primero en lo que pensamos es en la cara de Marilyn Monroe
pintada por Andy Warhol. Pero el Pop Art es mucho más que eso. Es un movimiento cultural, no sólo
artístico, que surgió en los años 60 y tiene mucho que ver con el estado de una época. Como adjetivo de
arte, Pop establece asociaciones con los diferentes elementos superficiales de la sociedad. Los términos
de los valores "hermoso, bueno, auténtico", se convierten en palabras huecas ante la creciente
comercialización dentro de la realidad social. Es decir que el espíritu consumista se instala para quedarse
y esto se refleja en las artes. El Pop Art es una manifestación absolutamente occidental que nace en New
York y Londres y posteriormente conquista Europa, aunque los países del bloque comunista apenas
acceden a él.
El término Pop surge de la Expresión inglesa "popular" que se refiere a todo lo que tiene aceptación
general. Los temas pictóricos del Pop Art están motivados por la vida diaria; reflejan las realidades de una
época en la que se define un sistema de vida que tiene como característica la masificación en todos los
sentidos. El Pop equipara el arte para todo el mundo; con él desaparece la idea de un tipo de arte elitista.
La propaganda también tiene su lugar en este movimiento que plasma en sus obras las expresiones
cotidianas como tomar Coca Cola o leer cómics, coleccionar baratijas, comer hamburguesas, y todo lo que
hace la vida de todos los días. La conducta provocativa, la conmoción y la alteración de lo cotidiano, la
ruptura de los tabúes y el final de la mojigatería forman parte de esta contracultura. Este proceso puso en
marcha la inversión de los valores en las relaciones humanas y cuestionó el tradicional reparto de
papeles; la educación antiautoritaria, las nuevas estructuras profesionales, la emancipación de la mujer y
la liberación sexual, se desarrollaron a partir de esta "revolución cultural". La revalorización de lo trivial
se efectuó a muchos niveles.
E x p r e s i ó n P o p u l a r
Lo Kitsh y los souvenirs, las imágenes de la industria del consumo, los símbolos publicitarios, los cómics y
la literatura barata, no sólo se fueron convirtiendo en el contenido del arte y en temas de investigación,
sino también en objetos coleccionados por los museos
La música y los textos de los Beatles y los Rolling Stones tradujeron en los años sesenta el estado de
ánimo, la euforia (high), la fuerza (power), las ansias y las realidades de la juventud. Artistas como Peter
Blake, Richard Hamilton y Andy Warhol diseñaron tapas para discos de grupos de música pop. Los medios
de masas favorecieron la internalización de los estilos y formas de expresión, así como la accesibilidad
global de todas las marcas y todas las artes.
Peter Blake
20. El Pop es considerado un arte conceptual (los cuadros se convierten en cosas y las cosas en cuadros), un
movimiento estético y cultural que entiende que los hechos son lo más importante.
Se trata de una generación que tiende a interpretar los objetos, las realidades, las condiciones y los
sentimientos como "Facts". En el lenguaje coloquial americano se generalizó una fórmula para cualquier
situación: "That´s a fact" que quiere decir algo así como "así son las cosas". el término "factualist" podría
reemplazar al de Pop Art en la historia del arte, incluso los artistas no se asumían como Pop sino que se
autodenominaban factualist; el termino Pop se refería al movimiento cultural en general (aunque ha
trascendido como abarcativo de todo, hasta de sus expresiones artísticas). No importa como se valore
esta situación, un hecho resulta evidente: el Pop Art tiene una nueva actualidad en la recepción del arte,
casi un renacimiento, y en las culturas más generalizadas están escalando el Neo Pop, la industria de las
baratijas Pop, la publicidad Pop y los slogan cotidianos ligados a ella. Evidentemente el Pop es uno de los
movimientos de fin que define la segunda parte del siglo XX. Convive con otras expresiones, pero sigue
vigente y se reactualiza permanentemente. Una última frase digna de tenerse en cuenta: "Pop es todo" y
"Todo es Pop".
C o n t e x t o
Fue a mediados de los años cincuenta cuando dos críticos británicos de arte propusieron el término
“popular art” para referirse, no a una tendencia artística ya en boga, sino a un conjunto creciente de
imágenes y representaciones, surgidas en los nuevos ámbitos de la publicidad, la televisión, el cine, los
cómics y en general en los nuevos medios de comunicación, y que adquirían un papel cada vez más
relevante en la cultura urbana de masas de la época.
“Popular” no era, pues, ningún concepto que indicara un origen desde abajo, ligado a la expresión y
defensa crítica de los intereses de las clases populares, ni tampoco nos remitía al concepto romántico de
pueblo, como conjunto homogéneo que comparte una lengua, una historia y una cultura propias, que le
confieren su singular identidad y sus preferencias estéticas. El concepto de lo popular a que nos remitían
aquellos críticos estaba despojado de todo halo revolucionario o simplemente romántico, para enlazar
directamente con la cultura de masas de la nueva sociedad industrial, que vencida la crisis de los años
treinta y aplicando a conciencia las recetas keynesianas, estaba obteniendo unos resultados
espectaculares.
La nueva cultura de masas que emerge en esa sociedad industrial urbana absorbe y refleja con un
mimetismo elocuente las nuevas formas adoptadas por el modo de producción que no sólo produce
masivamente objetos, para el consumo, sino que produce a su vez a las masas mismas, como
consumidoras, generando así una dialéctica interna que pone en una relación estrecha y casi lineal la
creación de los objetos, que las masas producen para consumir, y a las masas, que consumen para que se
pueda seguir produciendo.
Esta inédita interrelación da lugar al nacimiento de la nueva cultura de masas, fenómeno histórico
concreto de nuestra época, que se asienta directamente sobre la masiva capacidad de producción
alcanzada por las sociedades industrializadas y la gigantesca masa de público consumidores que crea.
El pop art no es sino una estetización de esas imágenes populares. Construye un lenguaje artístico nuevo,
cimentado en técnicas muy ligadas a las de la misma producción industrial, para elevar esas imágenes a
la categoría de arte. Pero sin ellas, y sin la sociedad de consumo que las inspira, es incomprensible. Con
razón, pues, algunos críticos han considerado al pop art, que no por casualidad alcanzó, primero en
Inglaterra, pero sobre todo en Estados Unidos como la super estructura artística que corresponde a las
sociedades más desarrolladas del capitalismo tardío. Este sello peculiar del pop art se manifiesta
implícitamente tanto en la temática más general y obvia de su repertorio de imágenes, como en los
elementos más característicos de su lenguaje, de sus técnicas o de su actitud misma ante la sociedad que
representa.
21. La temática del arte pop es básicamente objetual e icónica. La vasta mirada que el mundo del arte había
desplegado hacia la naturaleza, la sociedad, el hombre, la mitología, la religión o el mundo de los sueños y
las fantasías, es arrinconado aquí ostensiblemente para dar paso a una glorificación estética de los
nuevos objetos producidos por la industria, latas de sopa, coca-cola, tazas, vasos, pistolas, máquinas...,
extraídos del panorama de objetos de uso cotidiano que nos envuelven, e iconos coloreados o dibujos al
estilo cómic de imágenes populares de consumo masivo. El pop recupera así la tradición del arte
figurativo, que había sido arrinconada por el triunfo de la abstracción pero su pretensión de enlazar con
algunos aspectos del surrealismo, sus famosos objetos inútiles, o los “ready-made” de Marcel Duchamp,
por ejemplo, substraen un hecho esencial: la voluntad y el carácter crítico y subversivo de los surrealistas
que es sustituido ahora por una actitud neutral, objetiva, cuando no directamente apologética.
En cuanto a su lenguaje específico el pop art se caracteriza por la apropiación sin rubor de las técnicas
expresivas orientadas a la divulgación y el consumo, ya validadas por vehículos de comunicación de
masas. Ello tiene consecuencias importantes en la construcción tanto de imágenes como de objetos. La
utilización de colores planos e intensos contribuye a la simplificación y fácil identificación del objeto,
propio de la comunicación visual de la publicidad.
Marcel Duchamp “Ready-made”
22. Lo mismo puede decirse del estilo claro y preciso del dibujo como configurador de la forma. Las enormes
dimensiones que alcanzan a veces los cuadros y esculturas reproducen la búsqueda de un efecto
espectacular. Las series, tan frecuentes en los artistas pop, no son sino un reflejo de la producción masiva
capitalista.
El artista pop no duda en explotar todos los mecanismos de producción de imágenes populares, ya sea la
fotografía, la publicidad, el cine, el cartel, las revistas ilustradas, el cómic, etc. En las obras mixtas estas
fuentes se combinan y complementan. Esta peculiar singularidad linguística del pop tiende a eliminar al
máximo la expresividad subjetiva del autor y a fomentar una especie de objetividad intrínseca y
despersonalización de la obra.
Por otro lado, este distanciamiento objetivista del pop va parejo a su aparente neutralidad respecto a
la sociedad. Para Roy Lichtenstein el pop art mira al mundo, parece que acepta su medio ambiente, que no
es bueno ni malo, sino diferente. Aceptar este mundo parece, en efecto, el estado de ánimo general del
pop art frente a la realidad. "Mi obra -dice Rauschenberg, quien más y mejor utilizó el collage como
expresión de la nueva visión fragmentada de la realidad- nunca fue una protesta contra lo que estaba
sucediendo".
El arte pop muestra la realidad existente -el capitalismo triunfante- sin un especial talante crítico, a veces
con entusiasmo y a veces con ironía o escepticismo, a veces en serio y a veces en broma, pero nunca
-como lo hizo el surrealismo en los años treinta- tratando de ponerse al servicio de una transformación de
la vida y el mundo.
Roy Lichtenstein
Robert Rauschenberg
23. La producción de masas y el consumismo triunfante, proporcionaron los iconos que se multiplicarán
hasta la saciedad en la obra de los llamados “artistas pop”. La experiencia cotidiana marca las pautas de
un estilo desnudo y mecanizado, de series reproducidas y entendibles por el espectador contemporáneo,
un arte desligado del compromiso y de fuerte carga visual, una producción artística que enlaza
directamente con el mundo de la publicidad.
El tamaño de las obras será cada vez más espectacular, propiciando la ampliación de los motivos que
pasan a primer plano o se multiplican a lo largo de la superficie pictórica; la expresividad queda relegada
a un segundo término, manteniendo la supremacía un estilo impersonal que retrata su contemporaneidad
con sutil conformismo.
Los motivos marcan las pautas del estilo, desarrollando una temática reducida a los artículos de consumo
comercial, latas de sopa, revólveres, flores, etc. El artista como reportero dibuja en sus obras, de temática
banal y descuidada ejecución, un universo cercano al ciudadano de a pie, que niega el virtuosismo en
ejecución en pro de la reproducción múltiple y desinteresada.
Cualquier cosa se podía repetir y reproducir hasta el infinito, artículos y retratos de personajes de la alta
sociedad ( Marilyn Monroe o Jackie Kennedy por Andy Warhol). Cualquier cosa podía ser protagonista,
elevándola a categoría de obra de arte. Lo único que se precisaba era la novedad, al igual que la
publicidad, la temática pop se aparta por completo de lo viejo, en pro de la representación de la
actualidad, de lo cotidiano en la vida del artista, del espectador o del comprador contemporáneo a la obra.
LOS MÁS IMPORTANTES ARTISTAS POP :
ANDY WARHOL(1928-1987).
24. El más famoso de los artistas pop comenzó trabajando en el campo de la publicidad comercial
ilustrando famosas revistas como "Vogue". Practicó con éxito la estampación de fotografías a través de la
serigrafía, reproduciendo las conocidas imágenes de la "Estatua de la libertad", "Marilyn Monroe", "las
latas de sopa Campbell" etc...
ANDY WARHOL es uno de los personajes más influyentes en la pintura de la segunda
mitad del siglo xx. Andy es considerado el fundador y la figura más relevante del llamado Pop Art.
Continuó haciendo anuncios publicitarios e ilustraciones y para 1955 ya era el pintor comercial más
famoso de New York. En 1960 realiza su primera pintura basada en personajes de Comic (como Popeye o
Superman). Comenzó, también, a ser el pionero en el proceso del desarrollo de fotografías de gran
formato, utilizándolas después como base de sus pinturas al óleo o la tinta. Fué esta técnica la que le
permitió producir una serie de imagines repetitivas, con pequeñas variaciones, que comenzó en 1962 con
el famoso bote de sopas Campbell. Una curiosidad con respecto a sus pinturas y que poca gente conoce,
es que, en sus creaciones tiene utilizado a parte de los componentes principales, cholate fundido a la
taza, mermelada de frambuesa, e incluso semen humano.
A finales de los 60's comienza a hacer cine. En 1965 comienza a trabajar en una banda de rock llamada
The Velvet Underground, formada por Lou Reedo y John Cale. Se le podría calificar como el mejor artísta
gráfico del Pop Art.
Las pinturas de Warhol no contienen elementos homoeróticos o que hablen claramente de su sexualidad.
Esto fué algo que siempre evitó enfáticamente: renunció, pues, como muchos otros artistas (David
Hockney, por ejemplo) a valerse de su vida y de sus sentimientos como tema; en cambio su obra como
director de cine tuvo el efecto contrario, pues pusieron en entredicho la identidad sexual y el papel de
cada sexo. Por ejemplo en Flesh nos cuenta la vida de un chapero que mantiene a su mujer e hijo con su
trabajo sexual. Warhol fue siempre una persona muy reservada respecto a su vida. Evitaba la
comunicación directa y la expresión de los sentimientos y emociones (como sus pinturas: planas y
básicas). Su reacción hacia la gente, de desprecio por si mismo, seriedad calculada y una aparente
tolerancia hacia todo, sugiere una defensa completa ante un universo hostil y una renuncia e incapacidad
para comprometerse.
El término “pop” fue acuñado en los años cincuenta para designar la emergencia de la cultura popular en
esa década. En 1952 se fundó INDEPENDENT GROUP en Londres. Sus miembros, entre ellos los
artistas Richard Hamilton (nacido en 1922), el escultor Eduardo Paolozzi (nacido en 1924), el
crítico de diseño Reyner Banham (1920 – 1988) y los arquitectos Peter y Alison Smithson, fueron
los primeros en explorar la expansión de la cultura popular en Estados Unidos.
En los sesenta, otros artistas norteamericanos, como Andy Warhol (1928–1987), Roy Lichtenstein (1923
– 1998) y Claes Oldenburg (nacido en 1929), empezaron a inspirarse en los aspectos de “arte
menor” de la vida contemporánea: publicidad, embalaje, cómics y televisión. No es extraño que el
pop empezara a manifestarse en el diseño de objetos de uso cotidiano, ya que los diseñadores
buscaban un planteamiento con una base juvenil y menos serio que el buen diseño de los
cincuenta.
25. Roy Lichtenstein (1923-1997)
Jasper Johns (1930- )
Jasper Johns (1930- )
Durante los años cincuenta dominó la estilización de los productos (en nombre de obsolescencia integrada
para fomentar una mayor producción), lo cual proporcionó un término muy fértil a la actitud
“úselo hoy, tírelo mañana” que impregnó la producción industrial de los años sesenta.
La silla infantil BLOW de pvc de De Pas, D’Urbino Lomazzi, eran básicamente desechables y encarnaban la
extendida cultura de efímero. También lo hacían los cachivaches de corta vida, como los vestidos
de papel, elogiados por su novedad en los numerosos suplementos a color y revistas de papel
satinado que cada vez dependían más de la publicación de dichos artículos. Muchos artistas que
usaban el lenguaje pop elegían el plástico como material de trabajo.
Silla infantil BLOW de pvc de De Pas D’Urbino Lomazzi
26. En los años sesenta, las nuevas formas de plástico y de procesos de ajuste, como las molduras por
inyección, eran cada vez más habituales y relativamente baratas. Los chillones colores de arco iris
y las atrevidas formas asociadas al diseño pop barrieron los últimos vestigios de la austeridad de
la posguerra y reflejaron el extendido optimismo de los sesenta, alentando por una prosperidad
económica y una liberación sexual sin precedentes. Dado que el diseño pop iba dirigido a un
mercado joven, los productos debían ser baratos y, a menudo, de poca calidad. No obstante, su
prescindibilidad formaba parte de su atractivo, puesto que presentaban la antitesis de la
“intemporabilidad” de los clásicos modernos fomentados en los años cincuenta.
El diseño pop con sus asociaciones al antidiseño, contrarrestó el sobrio dictado dl movimiento moderno
“menos es mas” y condujo directamente al diseño radical de los setenta. Se inspiraba en una gran
variedad de fuentes (art nouveau, art decó, futurismo, surrealismo, pop art, psicodelia, misticismo
oriental. Kitsch y space age) y recibió él estimulo del auge de los medios de comunicación globales.
Con todo, la crisis del petróleo de comienzo de los setenta obligó a un enfoque más radical y el
diseño pop fue sustituido por el Craft revival, por una parte y por el High Tech, por otra. El diseño
pop tuvo una influencia de gran alcance y sentó uno de los cimientos del posmodernismo, puesto
que cuestionó los preceptos del buen diseño y, con ello, el movimiento moderno.
1968. Piero Gatti
HARD EDGE
Frank Stella
Hubo un estilo que mantuvo su lugar inmediatamente después del expresionismo abstracto y que, a pesar
de deber algo al ejemplo de éste, tenía profundas raíces en el arte europeo de las décadas del veinte y del
treinta.
Por "hard-edge" quiero significar el tipo de pintura abstracta donde las formas tienen límites netos,
definidos, en lugar de los borrosos, favoritos, por ejemplo, de Mark Rothko. Característicamente, en este
tipo de pintura, los propios tintes son planos e indiferenciados, de manera que quizá sea mejor hablar de
áreas de color y no de formas.
Mark Rothko
27. Surge en los EE.UU. hacia finales de los años cincuenta y principios de los sesenta. Tuvo una gran repercusión en Europa,
aunque sin la pureza del movimiento norteamericano.
A medida que pasaba el tiempo, algunos de los artistas de esta corriente llegaron a un planteamiento más radical que
se conoce como "pintura minimalista" debido a su bajo contenido formal y cromático.
Frank Stella
30. Uno de los padres de este tipo de pintura en Norteamérica fue Josef Albers, quien ya ha sido mencionado
a causa de su importancia como maestro. Albers estuvo estrechamente relacionado con el Bauhaus
durante la década del veinte: de hecho, como estudiante y maestro trabajó allí con más continuidad entre
1900 y 1933, año en que fue cerrado, o sea un período de servicio más largo que el de cualquier otro
Bauhäusler. Durante la década del treinta, cuando ya estaba viviendo en Norteamérica, Albers tomó parte
en las exhibiciones anuales montadas en París por el grupo Abstracción-Creación.
Josef Albers
• Esta obra pictórica influyó tendencias del diseño, en colores y formas, como se ve en ciertas piezas
de Ettore Sottsass, incluyendo aquellas que formaban parte del trabajo del Memphis Group.
El molde intelectual de Albers es muy típico de la atmósfera del Bauhaus sistemático y ordenado pero
también experimental. Estaba, por ejemplo, muy interesado en la psicología de la Gestalt y esto lo llevó a
una exploración de los efectos de ilusión óptica. Más tarde fue atraído hacia el estudio de las maneras en
31. que los colores actúan unos sobre otros. Los cuadros y grabados de la serie Homenaje al Cuadrado, que
son los trabajos más conocidos de Albers, son experimentos planificados de color.
Albers es interesante no sólo por sí mismo, sino porque parece ubicarse en el punto en que convergen
varias actitudes hacia la pintura. El elemento sistemático de su obra lo relaciona con la de dos artistas
suizos, Max Bill y Richard Lohse, Bill también es un alumno, del Bauhaus y en su subsiguiente carrera se
ha convertido en una especie de genio universal y al estilo de Miguel Angel ya que es al mismo tiempo
pintor, arquitecto y escultor. El desarrollo seriado del color fue uno de sus objetivos a través de toda su
carrera. Bill y Lohse son generalmente mencionados como exponentes del "arte concreto" y Albers es
incluido como el tercer miembro de este triunvirato. Por otro lado, el interés de Albers en la ilusión óptica
lo relaciona con los así llamados artistas op, aun cuando su tratamiento particular de la forma lo lleva a
relacionarse con lo que los críticos ahora han denominado "abstracción pospictórica".
Si uno busca una diferencia entre Albers y sus dos colegas suizos, ésta parece estar en el tratamiento de
la forma. Los cuadrados de Albers son libres, inertes, sueltos, flotantes y es esta pasividad la que ha
llegado a parecer particularmente típica de gran parte de la pintura expresionista pospictórica en
Norteamérica.
La diferancia entre el "Hard-edge" y la abstracción pospictórica, es precisamente que en ésta no es lo
neto del borde lo que cuenta, un color chocando firmemente contra otro, sino la calidad del color. No
importa si el color se funde en un matiz vecino o se diferencia netamente de éste: el encuentro siempre es
pasivo.
Los cuadrados de Albers son suficientemente vigorosos, pero no generan energía a partir de esta
fortaleza de los contornos.
32. HIGH – TEC
El capitalismo contemporáneo ha dado como resultado una ciudad en donde han proliferado las
arquitecturas ligadas a la espectacularidad y las cuales utilizan el espacio como objeto de "performance
diario" del poder de consumo y del avance tecnológico. Centro Pompidou. Francia.
Richard Rogers & Partners es símbolo de arquitectura y su obra más destacada en esa ciudad (el banco
Lloyd's) figura en las guías turísticas y en las perspectivas que acompañan el recorrido peatonal al borde
del río Támesis. El Centro Pompidou de París proyectado en el año 70 constituyó un hito en la arquitectura
moderna inaugurando un lenguaje high- tech que habría de continuarse en el todavía hoy polémico
Lloyd's.
34. El diseño de Rogers repite principios que utiliza en el Centro Pompidou en París, diseñado en conjunto
con Renzo Piano en 1978.
Lo central de la actitud High Tech no consiste en la incorporación de la moderna tecnología a lo edificios,
sino en transformar la exhibición de la parafernalia tecnológica en la expresión misma del edificio. Para
algunos el High tech es una mentira, debido a que no es un estilo definido, sino una forma de darle
solución a determinados problemas, por medio de nuevos materiales, nuevas formas de construcción,
nuevas tecnologías.
Diferentes significados
Las obras de los máximos exponentes de este movimiento de arquitectura y diseño han logrado
estructurar un lenguaje arquitectónico concebido a partir de la exhibición de los componentes
tecnológicos de la construcción, confiriéndole un status estético merced a una rigurosa tarea de diseño.
La arquitectura High Tech es la forma en la cual se muestra la estructura del edificio olvidando por
completo las paredes y las superficies pesadas estéticamente. Lo central de la actitud High Tech no
consiste en la incorporación de la moderna tecnología a lo edificios, sino en transformar la exhibición de
esa parafernalia en la expresión misma del edificio.
Alta tecnología, o tecnología de punta. El estilo de los high- tech abarca a todos aquellos edificios que
toman como concepto estético el lucimiento de la tecnología con la que fueron realizados.
Silla Lumbar
Una sofisticada silla ejecutiva que tiene muy en cuenta los detalles sin dejar de lado la comodidad y
funcionalidad necesarias en los ambientes de la oficina moderna.
Reproduce la forma natural de la columna vertebral, asegurando el soporte lumbar y la distribución
apropiada del peso del cuerpo.
Ofrece una amplia variedad de opciones que se ajustan a las exigencias físicas y del entorno laboral de
cualquier persona.
35. Últimas tendencias arquitectónicas
El estilo High – Tech surgió en la arquitectura de a mediada de los setenta, inspirada en el formalismo geométrico del
movimiento moderno y el diseño radical de Buckminster Fuller. Su utilitarismo contradecía los excesos del diseño pop.
Liderado por arquitectos británicos como Norman Foster, Richard Rogers y Michael Hopkins, que incorporaron
elementos industriales sin adornos a sus edificios, se introdujo en el interiorismo de los setenta. Los interiores High –
Tech empleaban equipos y accesorios utilitarios de uso industrial e institucional, como carritos, suelos de goma,
lámparas de pinza, estantes de cinc galvanizados y barras de andamio, y combinaciones de colores primarios
inspiradas en el De Stijl.
Norman Foster
Norman Foster
Arq Feng Shui Norman Foster
En Estados Unidos sus representantes fueron, Joseph Paul D’Urso y Ward Bennett, que trabajan con
materiales industriales reciclados.
Joseph Paul D’Urso
Ward Bennett
36. Este estilo a fines de los setenta estaba decayendo y a comienzo de los ochenta fue finalmente
desbancado por el posmodernismo. Con todo, la promoción del uso de componentes industriales
inspiró a diseñadores británicos como Ron Arad y Tom Dixon a la hora de crear a mediado de los
ochenta, poéticos y originales diseños a partir de materiales reciclados, como barras de andamios,
asientos de coches y tapas metálicas.
El trabajo de Anouk trata
de imaginar cómo los
nuevos materiales de alta
tecnología combinados
con sensores y
actuadores inteligentes
pueden afectar las
formas en que se
conectan, comunican y
se relacionan entre sí.
El trabajo arquitectónico y premio Pritzker,
Zaha Hadid inspiró a la marca de alta costura
JI+B para diseñar una colección de vestidos.
42. La producción de elementos bajo el rótulo de Higt Tech, incluidos los muebles, implica
necesariamente el empleo de materiales de alta tecnología transformados también a través de
procesos de avanzada: troqueles que funcionan por control numérico, troquelados, doblados,
remaches industriales hechos en serie, entre otros.
En efecto, el segmento está muy relacionado con la capacidad industrial y desarrollo de materiales
nuevos, como pueden ser el hallazgo de un plástico de alta resistencia o la producción de un
policarbonato, que no cualquiera puede lograr, y que aplicado en mobiliario hace el elemento Higt
Tech. Esto significa de paso que no estamos hablando de un estilo apuntando a las formas sino más
bien a un producto final reflejo de su proceso específico.
Este estilo y tipo de producción mucho más aplicado y notorio en países de reconocido desarrollo
como Alemania, Japón o Estados Unidos, no resulta tan contemporáneo en nuestro continente,
porque sencillamente las técnicas, capacidades y alcances de nuestros procesos industriales no
alcanzan los niveles de exigencia que si logran los primeros. “Para un alemán el Higt Tech es
contemporáneo, para un sudamericano es simplemente Higt Tech”.
El diseño escandinavo, como estilo, es originario de Dinamarca, Finlandia, Islandia,
Suecia y Noruega, surgió en los años 20 y tuvo su esplendor en los años 50. Hasta
finales del XIX, la región escandinava era muy pobre, motivo por el cual los productos y
casas eran sencillos y funcionales. Los productos ornamentales sólo estaban a
disposición de una clase alta muy reducida.
En los años 20 el estilo moderno funcional y con detalles sencillos se extendió debido a la
existencia de una clase media emergente. A partir de los años 30, debido a una política
de inversión social en la zona escandinava, el diseño de espacios públicos y productos
facilitó el desarrollo del estilo y su relevancia a nivel internacional.
Uno de los creadores más destacados de este estilo fue Alvar Aalto. Fue uno de los
primeros desarrolladores de los conocidos muebles de madera curvada. Aalto buscó la
forma de doblar la madera como los diseñadores y arquitectos de la Bauhaus hacían con
el acero. La técnica empleada fue el uso del vapor y el calor para doblar y moldear la
madera. Inventa la forma para unir los componentes sin utilizar elementos metálicos.
Silla Paimio de Alvar Aalto. Diseñada en origen para un sanatorio antituberculoso.
Según Aalto, el ángulo entre respaldo y asiento mejoraba la respiración del enfermo.
Otro relevante creador fue el sueco Bruno Mathsson, quien dedicó toda su vida a intentar
ofrecer la mayor comodidad al usuario. Desarrolló piezas de alto valor ergonómico mucho
antes de que la ergonomía fuera área de estudio esencial en el desarrollo de mobiliario.
Silla Eva de Bruno Mathsson. Uno de los mejores exponente de su trabajo. Líneas curvas,
suaves y ergonómicas.
43. No podemos dejar de citar a Arne Jacobsen y la mil veces copiada Serie 7, la que
probablemente sea la obra de diseño individual más reconocida del diseño escandinavo.
Silla Serie 7 de Arne Jacobsen. La complejidad del modelado del asiento y respaldo como
única pieza fue un concepto innovador en su época.
Arne Jacobsen diseñó The Swan ™, así como el Huevo ™
para las zonas del vestíbulo y el salón del Hotel Real de
Copenhague, en 1958.
El Serie 7 ™, diseñado en 1955,
